《#脫稿玩家》( Free Guy):能搞續作為何還要原創?
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銀行行員蓋伊過著一成不變的生活:起床,跟金魚打招呼,點一杯咖啡,上班,遭遇搶劫,下班,如此反覆重複。直到某天,蓋伊遇見美麗的蜜莉,為了追求蜜莉,蓋伊改變了自己的生活習慣,活出不同的人生......
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Shawn Levy 導演的《脫稿玩家》,令我聯想起一堆電影:人工智慧追求自由意志,讓人想起《人工智慧》、《銀翼殺手》、《雲端情人》等片;不甘受限於特定身份(對自我的存在提出質疑)、努力突破邊界(違抗「上帝/父親/造物者」),走出不同的道路,像極《楚門的世界》、《駭客任務》、《極光追殺令》和《香草天空》;生活是一連串的闖關、升級和挑戰遊戲、小蝦米對抗大鯨魚(商業帝國)、個體對抗不公平的體制,並啟發眾人集結成全新的群體等,和《夏日大作戰》、《明日邊界》、《一級玩家》,以及《V 怪客》的精神相呼應;至於虛擬遊戲與現實世界的相互對照,不同場域的角色都在找尋自身的價值與意義,則跟《無敵破壞王》、《樂高玩電影》有著異曲同工之妙。
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《脫稿玩家》有很多其他作品的影子,未能提出更有趣更突出的見解,然而, Shawn Levy 導演確實將影片拍得熱鬧、娛樂性十足。電影有幾個部分非常打動我。
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一,劇中一名角色說:「#能搞續作為何還要原創?」點出商人為能快速獲得利潤,只願意在重複的套路上兜轉,不再創新,不再帶給人們更新的刺激。以電影為例,續集越來越多,原創電影越來越少,究竟是創意匱乏,或是電影公司害怕(拒絕)失敗,不再挑戰電影的極限?《脫稿玩家》像是透過蓋伊這個角色來反諷為了賺錢而畫地自限的「成功商人」們:「嘿,你們沒比蓋伊更好,你們也在原地打轉、裹足不前夠久了!」(這使得《脫稿玩家》在片中「致敬」漫威一幕,顯得有些諷刺,哈哈)
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二,蓋伊問好友巴迪,如果我們都是「假」的,你會怎麼看待生活與彼此?巴迪說:「就算我不是真的,這一刻,此時此刻的這一刻,卻是真實的。」巴迪這一番話,讓我想起《楚門的世界》片中,楚門也曾經問過好友馬龍,如果生活中的一切都是假的,該怎麼辦?馬龍回答:「你就像是我的兄弟,我知道我們的生活都不如意,所有的理想都悄然逝去,你不想承認,於是另求出路。不過...重點是,我甘願為你犧牲,我絕對不會對你...說謊。想想看,#要是大家都有份我也有份。我沒有份,因為...根本就沒有陰謀。」
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巴迪身在遊戲中而不自知,他雖然是人類創造的遊戲(「虛擬」角色),但他對蓋伊的情感卻很「真實」。換個方式想,巴迪對蓋伊的情感有可能是程式設定的結果,因此兩人的友情,到底是真或假?類似議題可見於《人工智慧》裡,機器人大衛對母親的愛的展現。接著看《楚門的世界》,馬龍是「演員」,他對楚門說的話,多半是經由製作人與編劇所決定,我們或可推論:「馬龍對楚門的感情是虛假的」然而,當馬龍對楚門說出:「我絕對不會對你...說謊」時,話語中的停頓與猶豫,說明了馬龍對楚門的感情也帶有一份真意。
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虛實真假,很多時候無法被輕易區分。不管是遊戲玩家對蓋伊的情感投射、或是馬龍(以及廣大的觀眾)對楚門的不捨,都讓我們看見人類對情感的需求,戲假情真,假戲真做,亦或者,我們都太容易感覺孤單,才會不斷在戲劇與遊戲與愛情中,找尋一份歸屬感,渴望付出感情,也渴望被全心接納?
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三,「#我只是一封獻給妳的情書。」《脫稿玩家》這個劇情設定不算新鮮,但是蓋伊說出這段話時,我還是有被小小感動一下。
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四,一直以來我都不覺得 Ryan Reynolds 特別好笑,總覺得他的喜感有點「用力」,不像亞當山德勒、金凱瑞、艾迪墨菲那樣地渾然天成。但從《愛情限時簽》、《惡棍英雄:死侍》、《殺手保鏢》到《脫稿玩家》, Ryan Reynolds 憨傻天真、嘴賤深情又帥氣迷人的銀幕形象,確實成了一塊招牌,目前沒特別想到有哪個演員有著跟他一樣的銀幕特質。
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最後, 《脫稿玩家》的漫威哏、大隻佬杜館長、查寧坦圖(Channing Tatum)的巴頓先生等,是這部片我笑得最開心的三個時刻!
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【新書推介:銀翼殺手前方400英里的《 The Electric State 電幻國度》】
直到續集電影問世之前,沒有人知道《Blade Runner 銀翼殺手》裡頭破敗的2019年洛杉磯以外的世界長什麼樣。
1982年電影院上映版唯一一個離開城市的鏡頭是最後一分鐘被製片強迫補拍的皆大歡喜結局版。這個車窗外的綠意(外加從Stanley Kubrick那裡借來的《The Shining 鬼店》空拍畫面)後來在 Ridley Scott 導演版中被他果斷剪掉,再度回到更符合他創作原意的開放式結局。於是洛杉磯以外的2019年又回到空白畫面。
瑞典圖像小說創作者 Simon Stålenhag 的《 The Electric State 電幻國度》補上這個空白。
一點都不意外 Stålenhag 的視覺啟蒙是兩年前過世的美國未來主義工業設計大師 Syd Mead。Syd Mead 同時也是電影《銀翼殺手》的美術設計。這使《電幻國度》中那些巨大機器幾乎可以存在於《銀翼殺手》的同一個宇宙。
《電幻國度》中的「Sentre Stimulus TLE 」頭盔則儼然是《銀翼殺手》原著中的虛擬情感體驗裝置「Empathy Box 同情箱」的升級版。
作為一個21世紀創作者,Simon Stålenhag 眼中沒有所謂疆界:自己寫故事,並繪製畫面,同時還為自己的故事寫作配樂。Spotify 找得到的《電幻國度》同名專輯。充滿了1980年代世界電子音樂先驅(同時也是《銀翼殺手》作曲家)Vangelis 的氣味。
Simon Stålenhag 過去以描繪末世紀的瑞典自然景觀著稱,《電幻國度》同時也是他第一次把故事場景拉到美國。被他挑中的地點是同時具有浮華絢爛和荒涼末世兩種矛盾景觀的 Cyberpunk世界——內華達州。「我的整個構想起自內華達。我想要寫一個科幻故事來讓內華達看起來合情合理。」最終,他成功創造出了《銀翼殺手》的洛杉磯城外400英里的末世內華達:同時具有科幻氣味和死亡氣味的郊野奇觀。
Simon Stålenhag 也有自己的疆界。比起將故事發展成連續的圖像(比如漫畫或動畫),他更熱衷於用畫筆勾勒被時間凍結的那一刻的氛圍。他的音樂創作同樣更多在描繪片刻間的永恆,多於戲劇性的情感。
這樣對於片刻的執著也充分顯示在他的故事中:比如他透過主角之後,描繪友人在討論千層麵醬汁配方的同時遭人擊斃、腦袋變成粉紅色肉塊的畫面:
「即使我盡全力將撈起的殘渣碎塊放回原本應是麥斯頭顱的大洞裡,他的配方仍舊是永遠找不回來了。麥斯的千層麵以錯綜複雜的方式存在那些粉紅色肉塊組合中,就像愛恨、焦慮、創意、藝術、法律和秩序一樣......就在這裡,灑落在石板上,而人類沒有任何技術能將它復原。」
天!這個狂暴又美麗的死亡段落和《銀翼殺手》中的舞蛇女 Zhora 的死亡之舞比起來是有過之而無不及。
Simon Stålenhag 的創作已經慢慢被傳統媒體工業體系看中,正在快速被改編成電影、電視劇和電玩。這當然既是一種遺憾也是一種祝福:遺憾的是他無法變成這些改變的一部分;然而他以一己之力的打造出來的獨一無二風格仍變成一種對讀者的祝福,一點一滴地滲透到衰敗中的傳統媒介(電影、電視)上頭。
按:
1.本文為出版社提供書籍試讀的無償推介。
2.啟明出版社《電幻國度》中文版介紹由此去:https://bit.ly/2YASHDy。
3.在被好萊塢拍成電影之前有人利用 Simon Stålenhag 的畫面和音樂組成了一支令人頭皮發麻的短片:https://youtu.be/iXCKGrDWylE
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【#地下評論】《屍速列車:感染半島》(Peninsula)
#以下有雷斟酌閱讀
4 年前的坎城影展,以法國新浪潮巨擘尚盧高達的作品《輕蔑》定為主視覺,似乎正向世人宣告法國的電影地位仍屹立不搖,但誰也沒能想到,那年的坎城掀起一股強烈韓風。以「復仇三部曲」名聞遐邇的南韓名導朴贊郁以《下女的誘惑》打入主競賽單元,大膽的女女性愛寫出男性父權底下的慾望凝視,此外,在競賽外的兩部南韓類型片,羅泓軫的《哭聲》以及延尚昊的《屍速列車》也造成風潮。
這三部作品都在同年於台灣院線亮相,首先由《下女的誘惑》在 6 月登場,接著是 8 月的《哭聲》,南韓電影的口碑在這兩部作品堆疊下,於台灣逐漸延燒,最後由 9 月亮相的《屍速列車》收割,導演延尚昊熟稔類型電影的鏡頭語言,走入病毒與人性間的對立,在末世中豪筆一揮,於高度娛樂性中寫下令觀眾聲淚俱下的類型片典範。
4 年後,延尚昊完成《屍速列車》的系列作《屍速列車:感染半島》,續集的時間軸也在病毒爆發的 4 年後,環境與背景條件相同,但因孔劉、馬東石等人確定捨身取義,續集自然不會有這些角色的身影,取而代之的是以姜棟元、李貞賢為首的人馬,描述姜棟元飾演的大兵逃離失控南韓後,在姐夫苦勸之下,逼不得已共同返回被外界孤立的半島,找尋失落的 2000 萬美金,進而展開一場自我救贖的辯證旅程。
《屍速列車:感染半島》的核心,就是「救贖」,是表面以活屍包裝,實則探問人性的公路電影。導演延尚昊在開場戲便替全片定調,姜棟元駕車逃離南韓時,途中撞見恐慌的家庭求助,李貞賢飾演的驚慌母親請求姜棟元帶著孩子逃難,但姜棟元因恐懼及猜忌,就此踏下油門別離。延尚昊在此寫下男性的狠心及女性的無助,讓男性的「過去」埋下虧欠(還有在船上另一位母性的遇難),替「現在」的救贖之路鋪墊,而兩性間的對立與互助,此後更隨著劇情推移層層激化。
而後,姜棟元離開南韓逃往香港,4 年來在香港如走肉般遊蕩,按照電影設定,朝鮮半島因活屍肆虐成一座孤島,人人敬而遠之,而在《屍速列車:感染半島》中窺見香港,並與南韓相互觀照是有趣的。
過去一年,香港因「反送中」抗爭動盪不安,人民與政府衝突日趨惡化,甫推動的「港版國安法」更加速香港死亡。此時香港人心惶惶,自我審查底下出現諸多不敢入境香港的人民,某部分喪志的港人也希冀逃離香港,以免承受牢獄之災。從現實中的香港局勢,遙相對望虛構中因活屍淪陷的朝鮮半島,成了某種意在弦外的解讀——香港因人為因素、中共惡法受困;南韓則因病毒蔓延、活屍大軍遭到遺棄,兩相對比之下,人類與活屍就成了某種折射,都能斷開現今社會群體網絡的鏈結,香港甚至不用活屍便已成孤島,「現實總比電影荒誕」這句話某程度的確精準,不勝唏噓。
然而,這樣的過度解讀(相信延尚昊絕對沒有此意),卻也碰巧拉出延尚昊在救贖之路的另一層核心——與「活屍」相比,「人類」更可畏。「活屍」沒有情緒,只能聽音、面光狂奔,只懂無腦地獵捕生人;人類不同,是乘載七情六慾的裝置,在《屍速列車:感染半島》中,更放大了「貪婪」,美國商人、武裝傭兵部隊、返回朝鮮的難民,皆圍繞 2000 萬美金,你爭我奪,於是在角色的求生當中看見人性的醜陋,彼此互相猜忌,黑吃黑,人吃人,貪婪駕馭人性,延尚昊在活屍底下,描繪出一幅人性浮世繪,是底層人類處在煉獄的難堪眾生相。
隨著主角一行人返回朝鮮半島,延尚昊迅速以「車」為引導,建構出被遺忘、詛咒的失落國度。當開車的人說道:「南韓我很熟悉,開車沒問題。」延尚昊旋即以武裝傭兵的閃光彈丟出幾道熱辣、鮮明的光,光是一把雙面刃,能驅趕夜幕,照亮城市,但同時也能吸引活屍,當活屍湧入時,在光的見證下,南韓面目全非,熟悉的家園、街道變了樣、走了味,一般的「車」無法立足,更別說是由逃離南韓 4 年的「外地人」操控,於是主角們便落入武裝傭兵的圈套之中,要注意的是,這裡的危機依舊是由人類給出,若非閃光彈,活屍並不會發現主角們,這場戲也帶出「人類」比「活屍」可畏的意旨。說穿了,活屍縱使可怕,仍舊是被人類操控的低端生物,真正用腦袋算計的,是人類,可畏之處不在肉身的強大,而在內心的盤算。
一般的車無法在廢墟中生存,延尚昊便拉出另一組救援部隊,由李甄、李濊沅兩名小女孩開著升級版改良車款,前往營救主角,展開一場又一場目不轉睛的飛車動作場面,俐落的轉場,極具律動的剪輯,宣告了這是人與人、人與活屍的相互追擊,三者對立下,是一場場屬於城市的戰鬥,與第一集的高鐵車廂相互對照,延尚昊 4 年前精準掌握密閉空間的特性,4 年後也能在開放場域中揮灑自如,再再證明延尚昊在動作類型片中駕馭「空間」的導演功力,更道出被活屍摧殘 4 年的朝鮮半島,已經是被棄置的人們的主場,每天處在生存邊緣、汲取末世氛圍養分的孩童們,面對活屍都能是神色泰然的姿態。
延尚昊也透過這場戲,點醒姜棟元,當姜棟元陷入危機,是由小女孩拯救,延尚昊寫意地拉出意旨——「面對弱小應當給予幫助」,給了姜棟元當頭棒喝,再度批判面對求助的李貞賢未伸出援手的舉動(且是男性漠視女性),有了教訓後,才逐步給出「救贖」的可能性。
而從這場戲開始,《屍速列車:感染半島》才揭示這是一部女性主義的電影。除了兩名小女孩的英勇之外,後續也能看到李貞賢經過 4 年的洗禮,從一名無助的母親,轉化成能手握真槍與男人、活屍拼搏的女性,更疊影出片頭另一位選擇與孩子死在船上的母親,母親的角色,在《屍速列車:感染半島》中皆是保護他者的存在。
《屍速列車:感染半島》是一部積極、主動的女性電影,女性不再是消極、拖累、等待男性救援的拖油瓶,反而能拯救男性,這點與權海孝飾演的老兵,不斷發電報向名為「Jane」的女性求助也可窺見。順應 #MeToo 時代也好,打破南韓父權窠臼也罷,延尚昊都在續集中,挖掘出和第一集不同的面向,是對父權社會的咆哮,2020 年拯救弱小的不再是孔劉、馬東石,而是李貞賢、李甄和李濊沅等人,她們攜手剽悍開著兩台大車,用堅毅而溫柔的身影,替活屍類型片注入一股別開生面的女性樣貌。
除了女性之外,延尚昊更善用「被世界遺棄的朝鮮半島」的特性,在所謂的第三世界中,側寫出第一集較少刻畫的階級脈絡。當人類文明脫離法治,面對災難與死亡進逼時,人性便無止盡惡化,於是延尚昊透過掉落體制之外的傭兵部隊,構築出「地下社會」、建立新的秩序,弱小的人類被稱作「野狗」,遭到豢養、奴役,食物鏈最低層的人類猶如鬥犬般,供上一階層的人類娛樂,延尚昊放大此等特性,讓觀眾窺探脫離法治以及處在生存邊緣的原始人性,所謂「性本惡」,在延尚昊的鏡頭底下精準且到位。
或許,讓人類陷入末日危機並非喪屍病毒,而是人之本性,脫離律法依附時,是比喪屍更泯滅人性的存在,延尚昊全片的另一層意旨,也就慢慢浮現而出。這也是續集需要注意並嘗試刻畫的重要角落,延尚昊對於喪屍類型片的世界觀,仍舊極為敏銳。
都說了這是一部「自我救贖」的公路電影,姜棟元被小女孩拯救喚醒內心良知,所以在片子中段義不容辭地回頭拯救被傭兵部隊圍困的姐夫,這是延尚昊描寫角色的醒覺,縱使最終姐夫仍舊亡於傭兵部隊,但正如李貞賢所說:「盡力就好」,姜棟元透過「被拯救」(小女孩)和「拯救他人」(姐夫),兩種互為表裡的主/被動關係,揮別纏住己身多年的愧疚。
而在「救贖」的命題底下,延尚昊還使用了「光」的意象。如上述所言,「光」能吸引活屍,是殺人武器,但同時「光」也是黎明升起的象徵,是逃離朝鮮半島的指引,傭兵部隊利用「光」追擊,姜棟元等人也能利用「光」反擊,活屍、人類都能見「光」,「光」是殺人武器抑是續命良藥,端看如何運用,延尚昊的符號隱喻,也如「光」一般,極具可視性,在大銀幕中閃現。
片尾,延尚昊設下與首集不同的結尾取向,《屍速列車》的孔劉拼命救人,最終喪命,而《屍速列車:感染半島》則讓姜棟元順利拯救李貞賢,若再細看,便能發現除了權海孝之外,其於喪命的人皆因「貪婪」而死,活下來的姜棟元、李貞賢等人,是救贖,是保護,是犧牲,拾起的皆是人性良善面,從此角度來看,是延尚昊的轉變,也是身為導演「懲惡揚善」的價值取向。
綜觀《屍速列車:感染半島》,在活屍類型片底下,將女性、救贖、貪婪、階級等元素熔冶一爐,提煉出人性的複雜面向,全片深入淺出,一語中地讓觀眾感受核心意旨,雖然結尾權海孝的死亡因為角色刻畫不足,力道稍稍偏移,且略嫌濫情薄弱,而母女間重逢擁抱的慢動作也盡顯俗氣,情緒則過於飽滿、突兀,不懂收斂之美,但考量到商業取向,面對的市場與獨立製作取向不同,便能理解延尚昊的處理方式。
一部好的類型片,是能夠在動作、娛樂等取向之外,賦予角色立體性,才能激盪觀眾情緒,並非一味遞送驚險場面才是緊張刺激、才是效果十足,《屍速列車》這兩部系列作呈現出來的,正是抓緊角色、扣緊主題的優等佳作。在現今疫情動盪底下,《屍速列車:感染半島》提醒世人的是,當社會集體意識產生的焦慮,轉化為末日前人類的巨大恐懼時,這股恐懼共感的背後,延尚昊正透過影像緊抓微弱的光,希冀逃離黑暗,與觀眾共同飛往和平彼端。
‼️感謝『GaragePlay 車庫娛樂』試片邀約,《屍速列車:感染半島》現正熱映中。
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