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《#催魂頻率》的劇情是採雙重倒敘結構，大學校園連續有學生離奇死亡，其中一位倖存者振浩（#金南優 飾）接受催眠，試圖從他的深層記憶中拼湊出事件的經過，於是故事回到他轉來這所學校的第一天，與班代道賢（#李大衛 飾）、重修生燦圭（#南敏佑 飾）、校花賢靜（#申知原 飾）、以及中輟的炳俊（#金道勳 飾）結識。這時的他們並不知道，其實有一段被遺忘的記憶，即將回來尋找他們……
#神搜特派員 #潘光中
#院線影評 #蓋瑞奇Ｘ傑森史塔森
《#玩命鈔劫》可能是 #蓋瑞奇 最冷最嚴肅的作品，甚至讓人聯想到警匪經典《#烈火悍將》。
不過 #麥可曼恩 透過 #勞勃狄尼洛 與 #艾爾帕西諾，是用警匪雙雄的類型片格局，伴隨洛杉磯夜景拍出寫實疏離，但一向喜愛大玩特玩 #倒敘結構 的蓋瑞奇，沒有要用孤冷方式拍出雙雄對決的「Heat」。此次《玩命鈔劫》改編 2004 年法國電影《#運鈔車》，在原有的故事架構之下，是用那種孤冷拍出了主角 #傑森史塔森 隱忍的「怒氣」──這也是《玩命鈔劫》英文片名「Wrath of Man」，男人之怒。
#神搜特派員 重點就在括號裡
前陣子還在爭論《少年的你》（2019）代表香港角逐奧斯卡的爭議，許多人說該議題只有現在才存在。殊不知最近翻閱舊文，發現原來早在1983年就有類似爭議。物換星移，香港一樣「被代表」，只不過是被台灣代表。出聲批評的則是現在以導演、監製身分知名、當時年僅25歲的影評人陳國富。
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以下全文刊出當時陳國富的評論，文章來自李幼鸚鵡鵪鶉小白文鳥編著的《電影、電影人、電影刊物》（收錄於書中P69–72），已獲授權轉載。文中討論的不是奧斯卡，而是當時尚具影響力，以國家、地區為代表來競賽的亞太影展。雖然案例不同，不過與現在的爭議相同之處在於：「選擇香港代表作品的權利為何落在ＸＸ頭上」。除了討論代表權爭議，還談到當時尚處萌芽階段的台灣新電影態勢，甚為可觀。
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〈臺灣有，香港沒有〉
作者：陳國富
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代表一個地區參加影展競賽的作品，即使不是當地最好，通常也是最具代表性或最富競爭能力的。若從這一個角度看來，對於今年代表香港參加亞太影展的五部影片，我的看法是：簡直莫名其妙。這其中的問題又可分成兩部分。第一個問題是，選擇香港代表作品的權利為何落在「邵氏」一家頭上？原因不明，但是後果很嚴重。
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最要命的是，亞太影展的「香港電影」實際上並不能代表香港電影。譬如說，在香港和邵氏搶生意的嘉禾和新藝城公司便都沒有影片參賽（邵氏大概覺得連裝模作樣都不必了）。如果說，五部中邵氏佔了三部讓人替「香港隊」的實力捏一把冷汗的話，其他兩個配額《我的媽媽》佔去其一，笑話邊未免鬧得太大了。《我的媽媽》名義上是香港公司出品，實際上卻是一部「台灣式」的文藝片（柯俊雄導演，柯俊雄、甄珍主演）。水準夠不上參加亞太影展競賽，香港「代表性」的問題就更甭提了。
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其次的疑問是，邵氏為什麼捨《男與女》（已獲金馬獎多項提名），而取另外三部較差的影片代表邵氏。《表錯七日情》並不是很壞的電影，但其中的笑料大多來自退化、虐待性的樂趣卻令人不安。《三闖少林》是規格化的「片廠功夫片」，《暗渠》賣弄的折還是無謂的暴力和扭曲的影像；兩片可說毫無票房之外的企圖。邵氏也許覺得選什麼片參加是他們「自家子」的事，但是這種現象不僅是對影展的輕蔑，恐怕也會引起香港電影圈，輿論界的不滿。
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至於臺灣開出來的片單，即使閒話難免，「合法性」大約是不成問題了。不管好壞，《海灘的一天》、《兒子的大玩偶》、《小畢的故事》、《看海的日子》、《大輪迴》等五部片子確實代表臺灣這一年來電影的成績。無論從整體文化或電影史的角度來看，《海灘的一天》和《兒子的大玩偶》都是關鍵性的作品； 《小畢的故事》、《看海的日子》這有階段性的意義。尤其以本來並不這麼成功的《看海的日子》，因為（有意無意）加入了「重塑電影風氣」的行列，而得以扮演一個積極的角色。
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然而票房的結果告訴我們，所謂的「寫實電影」也可能是一種消費性商品。最近競相開拍或已完成的大量「小說電影」、「鄉土電影」顯示，「新」電影背後的製作動機不是任何思潮或自覺的電影運動，而是市場的供需法則。這條國語片的活路，無疑主要是由《光陰的故事》、《小畢的故事》等片開拓出來的。比起六〇年代的文藝片，《小畢的故事》在意識上並無任何長進，但它至少證明，「沒有暴力色情，沒有大明星、大宣傳，男女主角沒有結合」的電影，觀眾也能接受。（這當然不是什麼原創性的發現，但此地電影業者也不記得有這回事為時已久矣）。
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我們可以說，這樣的客觀背景引導了《海灘的一天》、《兒子的大玩偶》的出場。《海灘的一天》有很多缺點；然而它真正的重要性不在「藝術成就」或「個人風格」的判定，而在這部電影符式了（Signify）和以往國片不同的「觀眾」觀念。用普通話來說， 《海灘》一片濃厚的中產品味（包括對西化情調及臺北小圈子文化的描寫），複雜（或說混亂）的倒敘結構，表面上開放的結局等等，皆意味著這部作品必須訴求不同的電影消費羣，或不同的電影消費態度，也因此其賣座成敗結果將具有特別重大的意義。
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如果說，讓臺灣電影在貧瘠中求進步是整個電影界共同的目標的話，那《兒子的大玩偶》無疑是近幾十年來最成功的嘗試。無論爭取自由表達的尺度或商業效益上，《兒子的大玩偶》都打了一個小勝仗。就電影本身表現而言，三段中真正陳述完整的可能只有《蘋果的滋味》 ，然而其整體對「第三世界意識」的反映，卻使得《兒子的大玩偶》成為國語片新座標。據說這部作品未能提名「金馬獎最佳影片」是因為「主題意識」仍是重要的評審項目，可是《兒》片是我印象中主題最正確、意識最健康的臺灣電影。
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（一九八三年十一月）
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〔後記〕
八三年的十一月五日，為配合在臺舉辦的亞太影展，有分報紙設計了一個副刊專題，以多篇文章介紹代表每個地區來參展的影片。我負責「國片」的一部分。我的文中原有一段批評《大輪迴》的文字，被改版面編輯要求刪去。原因是：「避免對柔導演們造成過度刺激」。我已記不清該段文字詳細（就算記得清補回去恐怕也沒什麼意義）。因此特此一記。
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〔編註〕
※陳國富的這篇文章當初見報時，很多熱愛電影的青年學生有點納悶：既然文章裡表明《海灘的一天》與《兒子的大玩偶》是其中最卓越最重要的，為什麼作者指陳了它們以及略遜一籌的其他影片的缺點，卻唯獨漏了（或是放過）《大輪迴》？直到本文結果出版（收入「片面之言」一書）並附加後記，大家才恍然大悟。黃建業的一篇影評也受過同樣的「干擾」。其實，《大輪迴》並不可恨，前輩導演也不可鄙，而是台灣社會的某些觀念稍嫌陳腐，莫非以為批判某片就是對這部電影導演以往的努力一筆勾銷？
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（圖為《兒子的大玩偶》中的《蘋果的滋味》劇照。）
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