關於 兒子的大玩偶 年代 ，我們在網路上蒐集到這些相關的討論、資訊與評價

謝謝網友吳英雄拍攝分享27年前的今天（1994年4月9日）的《聯合報》第36版，右下方可以看到當時熱映中（3月26日在臺上映）的香港電影《九品芝麻官》的廣告，上頭寫著「票房再爆！口碑大呼過癮！周星馳再獲觀眾肯定！」，而廣告中列出的戲院裡，還有誰仍在營業呢？

片體鱗傷，看啥名堂？

「銀色獵物」 中沒有銀色， 「惡意的缺席」中沒有缺席，電影片名關係票房賣座與否，可是，你有沒有發現，有時候 「片名」跟電影內容一點關係也沒有？

█王立青

好萊塢性感艷星莎朗史東，前陣子主演一部激情懸疑電影「銀色獵物」，知道此片原名「Sliver」者，看到中文片名居然譯成「銀色獵物」，難免莞爾一笑。顯然該片翻譯人員看走了眼，將SIiver(細片、切片)看作Silver(銀色)。真是「差之毫釐，謬以千里」。

●是惡意？是騙局？

記憶所及，這已不是台灣片商翻譯電影片名頭一回鬧笑話了。十二年前保羅紐曼、莎莉菲爾德主演的「惡意的缺席」，片名譯得之離譜，與「銀色獵物」有異曲同工之「謬」。

「惡意的缺席」原名「Absence of Malice」，是句法律用語，意指「惡意不足」或「缺乏惡意」。片商不知打那兒請來的高手，電影內容也沒看，便來個原名直譯；等我電影看完，才知道「惡意」不曾缺席，也無法缺席。譯者一時疏懶譯錯，才真是「惡意不足」的失誤了。

往前追溯，一九七四年奧斯卡金像獎最佳影片，由保羅紐曼和勞勃瑞福連手主演的「The Sting」，中文片名「刺激」，也犯了直譯的錯誤。

那年看完「刺激」，滿腹狐疑，這樣的劇情與刺激何干？回家翻辭典才發現，Sting除了作「刺」、「螫」、「刺激」解釋之外，尚有「詐騙」的俚俗用法。這才恍然大悟，片名不是「刺激」，該是「騙局」才對。

準此要領，一九九二年由詹姆斯伍德領銜主演的「Midnight Sting」可譯為「午夜騙局」，若沿用舊模式來個「午夜刺激」就糟了。不過該片正式的中文片名是「英雄本詐」，也很貼切傳神。

●天馬行空，莫名其妙

中譯片名，除了直譯之外，往往考量到國情、文化背景的差異，而需採取意譯。譬如「The Long Gray Line」，若直譯成「長灰色的行列」，誰懂？原來，其中的「灰色」是指西點軍校學生制服的顏色，因而這部電影依其內容意義，給它取個「西點軍魂」的中國名字，誰曰不宜？? 問題是在台灣意譯，照樣也會產生風馬牛不相及的天方夜譚式笑話。像當年名導演亞瑟潘的力作「Bonnie and Clyde」，是敘述美國經濟大蕭條年代，一對著名鴛鴦大盜的故事。對美國民眾而言，邦妮與克萊可謂家喻戶曉、耳熟能詳，只是到了台灣若直譯其名，則真是不知所云。這部警匪片起先在台灣遭到禁演的命運，影評人談及此片，冠名為「雌雄大盜」，至為允當。後來此片開禁，片商捨現成的好片名不用，竟然異想天開，來個「我倆沒有明天」。真是教人不想罵也難。

一九六七年，法國名導演梅爾維爾拍了一部由亞蘭德倫主演的警匪片「Le Samourai」，是日本話「武士」的羅馬拼音字。電影公映之前，片商耍了個噱頭，廣告刊登劇情大綱（電影本事），公開徵求中文片名。

結果中選的竟然是玄之又玄的「午後七點零七分」，搞得觀眾一頭霧水，莫名所以。誠可謂「張飛打岳飛，打得滿天飛」。

●群魔亂舞，終極滿街

直譯、意譯固然鬧過不少笑話，「援例引用」也是趣事連篇，歡笑一籮筐。

所謂援例引用，就是某部電影票房告捷，引來片商像蒼蠅叮肉般蜂擁而至，給新片取個類似的片名，一方面圖個吉利，二方面也盼望沾光，大發利市。

一九八二年，席維斯史特龍演的「第一滴血」，轟動世界，瘋狂天賣座。台灣有片商突發奇想，打算給新片取名為「女人的第一滴血」；這則消息是我某天邊吃早餐邊閱報看到的，害我當場噴飯！

阿諾史瓦辛格自從「魔鬼終結者」竄紅之後，凡是由他主演的電影幾乎都掛上「魔鬼」二字：「魔鬼司令」、「魔鬼殺陣」、「魔鬼阿諾」、「魔鬼紅星」、「魔鬼孩子王」、「魔鬼總動員」、「最後魔鬼英雄」，一時之間但見群魔亂舞，鬼影幢幢。

其中不沾魔鬼二字的「終極戰士」，據說原本也打算和魔鬼攀上關係的，卻被別部電影搶先登記註冊，只好更名。阿諾雖在台灣率先使用「終極」二字，後來卻成了布魯斯威利的正字商標。

布魯斯威利於螢幕「雙面嬌娃」揚名立萬後，以「終極警探」勇闖大銀幕，發紅泛紫，自此與「終極」結下不解之緣。後來有「終極神鷹」、「終極尖兵」等作品，票房卻是欲振乏力，害得威利悶悶不樂，額頭上的毛髮更形稀疏了。

當此之際，凱文柯斯納居然乘虛而入，盜用「終極」二字冠於「保鑣」之上，賣了個滿堂彩。此舉雖可稱為「篡位」而不過分，但其實布魯斯威利不也是從阿諾那兒篡奪而得「終極」？

「終極」本無種，男兒當自強，誰厲害就給誰用，有何不可？?

●一窩蜂，不見新意

國片片名當然也少不了模仿抄襲、東施效顰之舉。

古龍原著、倪匡編劇、楚原導演，這個鐵三角組合拍的新派武俠推理片「流星．蝴蝶．劍」賣座，一時之間，但見三段式片名如雨後春筍，四處皆是。像「天涯．明月．刀」、「劍．花．煙雨江南」、「俠士．鏢客．殺手」、「千刀．萬里．追」⋯⋯族繁不及備載。

後來鐵三角又推出片名頗見新意的「三少爺的劍」，也引來一部「二小姐的刀」追隨其後，忠心耿耿。

以往國片命名，甚少使用到「的」這個字。直到「台灣新電影」浪潮掀起，眾家新銳導演不約而同地，酷愛用「的」字夾於片名之中，蔚為一股風潮。

試看這些片名：光陰的故事、小畢的故事、海灘的一天、看海的日子、帶劍的小孩、兒子的大玩偶、風櫃來的人、冬冬的假期、小爸爸的天空、最想念的季節、我們的天空、老莫的第二個春天、霧裡的笛聲。

以上所列，全是台灣新電影運動意氣風發時期的重要代表作。仔細一瞧，還真別具一格，饒富妙趣。

如果我有錢，當上片商老闆，一定要搞個一網打盡的全方位片名，比方說「終極魔鬼奇兵的第一滴血」，如何？夠狠夠絕吧！

【1994-04-09/聯合報/36版/繽紛】

前陣子還在爭論《少年的你》（2019）代表香港角逐奧斯卡的爭議，許多人說該議題只有現在才存在。殊不知最近翻閱舊文，發現原來早在1983年就有類似爭議。物換星移，香港一樣「被代表」，只不過是被台灣代表。出聲批評的則是現在以導演、監製身分知名、當時年僅25歲的影評人陳國富。

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以下全文刊出當時陳國富的評論，文章來自李幼鸚鵡鵪鶉小白文鳥編著的《電影、電影人、電影刊物》（收錄於書中P69–72），已獲授權轉載。文中討論的不是奧斯卡，而是當時尚具影響力，以國家、地區為代表來競賽的亞太影展。雖然案例不同，不過與現在的爭議相同之處在於：「選擇香港代表作品的權利為何落在ＸＸ頭上」。除了討論代表權爭議，還談到當時尚處萌芽階段的台灣新電影態勢，甚為可觀。

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〈臺灣有，香港沒有〉

作者：陳國富

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代表一個地區參加影展競賽的作品，即使不是當地最好，通常也是最具代表性或最富競爭能力的。若從這一個角度看來，對於今年代表香港參加亞太影展的五部影片，我的看法是：簡直莫名其妙。這其中的問題又可分成兩部分。第一個問題是，選擇香港代表作品的權利為何落在「邵氏」一家頭上？原因不明，但是後果很嚴重。

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最要命的是，亞太影展的「香港電影」實際上並不能代表香港電影。譬如說，在香港和邵氏搶生意的嘉禾和新藝城公司便都沒有影片參賽（邵氏大概覺得連裝模作樣都不必了）。如果說，五部中邵氏佔了三部讓人替「香港隊」的實力捏一把冷汗的話，其他兩個配額《我的媽媽》佔去其一，笑話邊未免鬧得太大了。《我的媽媽》名義上是香港公司出品，實際上卻是一部「台灣式」的文藝片（柯俊雄導演，柯俊雄、甄珍主演）。水準夠不上參加亞太影展競賽，香港「代表性」的問題就更甭提了。

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其次的疑問是，邵氏為什麼捨《男與女》（已獲金馬獎多項提名），而取另外三部較差的影片代表邵氏。《表錯七日情》並不是很壞的電影，但其中的笑料大多來自退化、虐待性的樂趣卻令人不安。《三闖少林》是規格化的「片廠功夫片」，《暗渠》賣弄的折還是無謂的暴力和扭曲的影像；兩片可說毫無票房之外的企圖。邵氏也許覺得選什麼片參加是他們「自家子」的事，但是這種現象不僅是對影展的輕蔑，恐怕也會引起香港電影圈，輿論界的不滿。

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至於臺灣開出來的片單，即使閒話難免，「合法性」大約是不成問題了。不管好壞，《海灘的一天》、《兒子的大玩偶》、《小畢的故事》、《看海的日子》、《大輪迴》等五部片子確實代表臺灣這一年來電影的成績。無論從整體文化或電影史的角度來看，《海灘的一天》和《兒子的大玩偶》都是關鍵性的作品； 《小畢的故事》、《看海的日子》這有階段性的意義。尤其以本來並不這麼成功的《看海的日子》，因為（有意無意）加入了「重塑電影風氣」的行列，而得以扮演一個積極的角色。

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然而票房的結果告訴我們，所謂的「寫實電影」也可能是一種消費性商品。最近競相開拍或已完成的大量「小說電影」、「鄉土電影」顯示，「新」電影背後的製作動機不是任何思潮或自覺的電影運動，而是市場的供需法則。這條國語片的活路，無疑主要是由《光陰的故事》、《小畢的故事》等片開拓出來的。比起六〇年代的文藝片，《小畢的故事》在意識上並無任何長進，但它至少證明，「沒有暴力色情，沒有大明星、大宣傳，男女主角沒有結合」的電影，觀眾也能接受。（這當然不是什麼原創性的發現，但此地電影業者也不記得有這回事為時已久矣）。

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我們可以說，這樣的客觀背景引導了《海灘的一天》、《兒子的大玩偶》的出場。《海灘的一天》有很多缺點；然而它真正的重要性不在「藝術成就」或「個人風格」的判定，而在這部電影符式了（Signify）和以往國片不同的「觀眾」觀念。用普通話來說， 《海灘》一片濃厚的中產品味（包括對西化情調及臺北小圈子文化的描寫），複雜（或說混亂）的倒敘結構，表面上開放的結局等等，皆意味著這部作品必須訴求不同的電影消費羣，或不同的電影消費態度，也因此其賣座成敗結果將具有特別重大的意義。

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如果說，讓臺灣電影在貧瘠中求進步是整個電影界共同的目標的話，那《兒子的大玩偶》無疑是近幾十年來最成功的嘗試。無論爭取自由表達的尺度或商業效益上，《兒子的大玩偶》都打了一個小勝仗。就電影本身表現而言，三段中真正陳述完整的可能只有《蘋果的滋味》 ，然而其整體對「第三世界意識」的反映，卻使得《兒子的大玩偶》成為國語片新座標。據說這部作品未能提名「金馬獎最佳影片」是因為「主題意識」仍是重要的評審項目，可是《兒》片是我印象中主題最正確、意識最健康的臺灣電影。

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（一九八三年十一月）

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〔後記〕
八三年的十一月五日，為配合在臺舉辦的亞太影展，有分報紙設計了一個副刊專題，以多篇文章介紹代表每個地區來參展的影片。我負責「國片」的一部分。我的文中原有一段批評《大輪迴》的文字，被改版面編輯要求刪去。原因是：「避免對柔導演們造成過度刺激」。我已記不清該段文字詳細（就算記得清補回去恐怕也沒什麼意義）。因此特此一記。

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〔編註〕
※陳國富的這篇文章當初見報時，很多熱愛電影的青年學生有點納悶：既然文章裡表明《海灘的一天》與《兒子的大玩偶》是其中最卓越最重要的，為什麼作者指陳了它們以及略遜一籌的其他影片的缺點，卻唯獨漏了（或是放過）《大輪迴》？直到本文結果出版（收入「片面之言」一書）並附加後記，大家才恍然大悟。黃建業的一篇影評也受過同樣的「干擾」。其實，《大輪迴》並不可恨，前輩導演也不可鄙，而是台灣社會的某些觀念稍嫌陳腐，莫非以為批判某片就是對這部電影導演以往的努力一筆勾銷？

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（圖為《兒子的大玩偶》中的《蘋果的滋味》劇照。）

#Po一本你最近買的書Challenge
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書展停辦了，線上活動更為重要，響應這個挑戰也是再合理不過。或許對我來說，將最近買的書放上社群網站不難，難的確實是「一本」，因此想將這個機會留給不太會獨立出來分享的類型，此本屬於我們影迷的台灣電影與文化史回顧 ——《#看得見的記憶：二十二部電影裡的百年臺灣電影史》。
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從 1895 年電影發明與日本殖民同時來到臺灣、五〇年代臺語片興起、六〇年代主流彩色國語片及非主流電影實驗並起、七〇年代鬼片武俠片愛情片鄉土紀錄片百花齊放、八〇年代解嚴前夕黑電影新電影接力出現，到九〇年代戒嚴結束創作者終於可以在大銀幕討論白色恐怖。此書為春山出版與國家電影及視聽文化中心合作成果，他們認為，電影是富含歷史價值的文化資產，既反映又保存了時代，二十二部臺灣電影，就像二十二面記憶的鏡子，映射出時代的光影。電影史不該只是電影史，也是文化史，更是我們應該共同珍視的「看得見的記憶」。
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迫不及待先翻開的，就是後段的以李安與侯孝賢為主題的兩篇文章，偷偷透露，《天橋上的魔術師》劇集即將播出，有時間的人可以趁過年時先再複習一遍《戀戀風塵》，在這部長篇改編作品裡頭扮演著相當重要的角色。以下特別擷取《看得見的記憶：二十二部電影裡的百年臺灣電影史》中由《毋甘願的電影史》作者蘇致亨執筆的一篇〈天才何以成群地來？台灣新電影的生成條件〉，讀起來相當精彩：
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「在那盛行文學改編電影的年代，閱讀，自然也對於電影人在製作觀念的啟蒙起了不少作用。侯孝賢自言其轉變正是從拍《兒子的大玩偶》開始。因為是改編黃春明的小說，態度上總是比較謹慎，也受小說影響，朝向寫實發展。此外，因朱天文推薦而讀的《從文自傳》，更讓他找到一種遠而冷靜的敘事視角。拍《風櫃來的人》時，給攝影師的指令，就是叫一直叫他『遠一點』。自此之後侯孝賢逐漸摸索出其獨特風格，以情感上的『寫實』為依歸。為求寫實，更偏愛非職業演員的表現，甚至寧可『不打斷時間，拍得長，讓演員沉浸；不切割空間，保存現場的完整，讓演員自在』，而衍生出其獨門的長鏡頭美學。
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幾位帶有新觀念的導演們，也多能得到中影出身、年輕一輩技術人員的刺激與支持。攝影師李屏賓就曾表示，他從助理時期就已經想追求更寫實的光影處理方式，卻總是遭到其他老前輩提醒『光不夠』。一直要到拍《光陰的故事》碰上楊德昌這批新導演，終於能擺脫傳統飽滿的燈光打法，改以更擬真的光影呈現；1985 年與侯孝賢合作《童年往事》時，甚至已經敢挑戰只用一百瓦不到的燈泡當作主要光源了。李屏賓說：『侯導以前不懂鏡頭、不懂影像、不懂光，但是他懂感覺，很厲害。』1993 年合作《戲夢人生》時，李屏賓說他自己已經很少用燈，但侯孝賢幾乎完全不要燈了。
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在剪接師廖慶松眼中，自美國留學返台的新導演如楊德昌和萬仁等人，『事實上拍片沒有那麼專業，可是他們的觀念卻是先進。』對於電影創作，他們有非常強烈的自省與社會理想。廖慶松強調：『新浪潮的導演們，是我這輩子工作過最有肩膀的電影人，他們事實上很強烈地傳達自己對社會、對很多事情的觀點，而且從頭到尾堅持，沒有改變。』」
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▍博客來　　　　：https://pse.is/39xk7a
《童年往事》　　：https://pse.is/3am9wh
《戀戀風塵》　　：https://pse.is/3bjyak
《風櫃來的人》　：https://pse.is/3btgv4
《兒子的大玩偶》：https://pse.is/3bm6ln

謝春德，1949生於台中市，著名攝影家、藝術家。高中就讀一年即休學，當過鐵工廠黑手、廣告社學徒、郵局腳踏車管理員等。19歲便以前衛、超現實的風格，在精工社畫廊舉辦第一次個展。1970年代中期，謝春德與胡永、淩明聲、柯錫傑、莊靈、周棟國、張國雄、張照堂、郭英聲等人組成「V-10」（視覺藝術群）。1974年，謝春德召集吳念真、林清玄、馬以工與古蒙仁等作家及攝影家林柏樑與梁正居，記錄台灣景觀與人文。1976年謝春德再與胡永、鄭森池、李啟華主編《現代攝影》雙月刊，戮力推廣現代主義攝影。
謝春德曾為《時報週刊》攝影主編，以及MTV和CF的導演，代表作為王菲〈我願意〉MV、裕隆汽車與中興百貨廣告等，屢獲時報廣告金像獎。同時，他也是電影《兒子的大玩偶》、《金大班的最後一夜》、《老莫的第二個春天》、《殺夫》，與及雲門舞集、蘭陵劇坊、雅音小集、當代傳奇劇場、太古踏舞團、光環舞集、優劇場、表演工作坊等劇團的劇照師，亦曾擔任《今年湖畔會很冷》藝術指導。
謝春德早期個展有《古典的聯想》、《吾土吾民》、《窗與鏡子》、《時代的臉》、《家園》等等。1986年《時代的臉》攝影系列，謝春德為藝術工作者、文人學者以及影視演員如金士傑、席德進、三毛、趙無極等拍攝肖像。1988年，謝春德創作集結成《家園》一書。2002年發表《無境漂流》，集結數位後製與影像實驗的技術成果。2003年，投身餐飲業，與莊月嬌開設食方餐廳，名列全球百大餐廳之一。
2011年推出《Raw（三重）》系列，於第54屆威尼斯雙年展舉辦《春德的盛宴》，被選為當屆五大傑出作品之一。2013年歐洲藝術電視台ARTE來台拍攝謝春德專題紀錄片。 2013年，高雄市立美術館展出謝春德回顧展《微光行／謝春德》。
謝春德風格多樣，意象猛烈，色彩濃豔，敢於直視人身慾望。近年，謝春德集中心力於視為最重要作品【平行宇宙】三部曲的創作，其第二部《勇敢世界》，以阿茲海默症老人為主題，於2016年發表個展，獲得廣大迴響。規模更為巨觀、結合影像、音樂及裝置藝術的第一部《天火》系列，於今年（2018年）9月在北師美術館盛大展出。
《天火》個展以「空間裡面的空間」、「多重宇宙穿越」、「超越死亡」為核心，將抽象概念全面實體化，謝春德藉此演繹自身的宏大生命觀，展演瀕死時的獨特領會，以及夢中與死神對決，隨後請求寬限生命的怪奇經驗。自言生命是撿來的謝春德，一方面透過《天火》展示生命有更多神奇可能的平行宇宙觀點，另一方面也寓意歷劫而回如浴火洗禮的重生感。

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