【2020 金馬影展開幕,前往明天的路上】
金馬影展今晚開幕,由《大佛普拉斯》導演黃信堯帶來的《同學麥娜絲》以及《陽光普照》編劇張耀升開幕,兩部作品皆由鍾孟宏擔任監製,這群鍾家班、台灣影視的中流砥柱,齊力打響 11 月的金馬月。
兩周前專訪黃信堯,是份特別的經驗,我們談創作、角色、紀錄片與劇情片的差異性等等,黃信堯慢條斯理,溫溫的回答,嗓音就跟電影中自己配音的旁白一樣,無論在影像上、現實中,都充滿了故事性。
由於最近有點忙碌專訪文章還沒產出,暫時先不深入討論《同學麥娜絲》的核心內裡,先幫大家科普《同學麥娜絲》的相關背景。
黃信堯《同學麥娜絲》的「麥娜絲」不難猜,是英文諧音「Minus」,意即減法。黃信堯表示:「《大佛普拉斯》與《同學麥娜絲》的『加與減』代表著人生有起有落,其實每個人都會面臨『生活好難』的困境,要如何面對,有時真的需要一些老朋友支持和讓你抒發情緒。在第一部電影後我重新審視自己,也想起了我年輕時最親密的朋友們。」黃信堯進一步說:「這些人物就像你騎車停紅綠燈時,和你一起等紅燈的騎士的故事。」
《大佛普拉斯》從短片《大佛》延伸;《同學麥娜絲》靈感則從黃信堯的紀錄片《唬爛三小》而來。據「臺灣博碩士論文知識加值系統」的資料顯示,《唬爛三小》是黃信堯在台南藝術大學音像紀錄研究所,剪輯完成的紀錄片作品。英文片名為《All about Bullshit》,指導教授是台灣藝文界的大前輩張照堂。
《唬爛三小》參考的影像作品則有北野武 《性愛狂想曲》、周星馳 《唐伯虎點秋香》、小津安二郎 《秋刀魚的滋味》、奇士勞士基 《十誡》、逹頓兄弟 《美麗羅賽塔》等等;參考的文學作品則有卡繆 《異鄉人》、杜斯妥也夫斯基 《卡拉馬佐夫兄弟》、班雅明 《迎向靈光消逝的年代》、陳慶德 《靈光消逝,機械複製─論班雅明的電影美學》等等。
🎬完整報導請參考👉https://bit.ly/3mV0oPf
最後,如果有看過黃信堯的紀錄片,會發現紀錄片和劇情片,對於黃信堯來說是兩種截然不同的媒介,黃信堯在當中也是兩名不同的導演。前者是個人的私密低語,後者是大眾的商業導向。
《同學麥娜絲》則介於中間,遊走於劇情片和紀錄片,充滿黃信堯的創作手痕,然而相較於《大佛普拉斯》,我更喜歡《同學麥娜絲》運用打破第四面牆的方式(或許今晚看完的朋友可以私訊我討論),再對比於《大佛普拉斯》,我認為黃信堯的《同學麥娜絲》更向觀眾靠攏。至於創作理念、故事劇本等細節,等專訪文章順利產出後再談。
總之我喜歡《同學麥娜絲》,今天開幕,望大家有個愉快的金馬之夜。
#金馬影展 #同學麥娜絲 #黃信堯
十誡電影奇士勞斯基 在 練健輝 Lian Kien Hui Facebook 的精選貼文
聊聊香港電影《 #幻愛》(無雷,吧?)
上週四在台灣上映的第一天,便和女主角 #蔡思韵 的北藝大戲劇系的同班同學一起首刷。說起跟這位演員同學 #楊靖輝 的認識過程也是很奇妙,因爲在北藝大電影碩班製作課演員徵選階段,在學校社團張貼了相關徵選的文案。當時就是蔡思韵tag這位同學的,也讓我順利地找到需要有特殊才藝的演員。
抱歉題外話,現在進入正題。
我必須說,金馬評審低估了這部香港電影!
從入圍名單去分析,其實很多獎項,我個人認為《幻愛》都必須在這個名單之中。而最終《幻愛》僅入圍新演員、音效、改編劇本獎三項。最讓我覺得可以叫屈的,則是男女主角和導演獎項(本片不是導演的首部電影,因此不能角逐新導演獎,首部電影為《一個複雜故事》)。
先從這部電影的表演開始講吧!廣東話是一門聲音藝術,比起說華語,廣東話的聲母和韻母數量更多,也更為複雜。我們平常說華語,一到四聲,頂多翹舌沒翹舌。但廣東話則不是如此,有些咬字可能介於華語的三四聲,或是一二聲之間,而且廣東話有很多詞句都是很重的詞/語氣,這些咬字在表演上的拿捏也就更為困難。
《幻愛》的兩位主角 #蔡思韵 和 #劉俊謙 的聲音表演是非常優秀的,加上其實劇中兩個演員其實處在虛實之間,透過鏡頭和聲音表演的轉換,觀眾可快速地進入情境的轉變,導演 #周冠威 在這個部分拿捏得非常精準。有好幾場戲,即便只有屏息,也充滿戲劇張力。聲音表演在電影中的處理是極為重要的,我們看電影不是只有在看影像,大部分時間甚至是透過聲音去跟著演員一起呼吸的。這個部分則是台灣演員非常弱的地方,好幾部上映的國片,新演員面對情緒比較重的戲,都很愛用吼用叫的。不僅是新演員,連一些資深演員也不會消化台詞,往往把台詞平鋪直敘地說出來,有時甚至可以用「毀了編劇辛苦寫出來的台詞」來形容,真的是這樣,所以真的麻煩演員們,台詞上的字字句句,不是看起來就是如此而已。演員的劇本功課往往不是只有把台詞背熟而已。或是有些戲在身體情緒很滿的狀態下,沒辦法控制聲音表演,以至於台詞說出來沒有原先劇本設定的層次,這都是相當可惜的表演!《幻愛》的兩位主角聲音表演都很值得參考,當然包括音效處理上的協助,有些台詞甚至分佈在不同的聲軌上,加深了劇情的傳達,也為表演加分!
再來是編導與演員之間的信任程度,從整部電影的觀看結果,編導和演員的關係是非常緊密的。故事好看是一回事,演員和導演對於劇本和角色功課做得很足,讓人意料之外的劇情發展與演出都是很好的證明。比如劉俊謙這個演員便讓人相當驚喜,他的表演層層堆疊,很多戲甚至是保持在無我的狀態的,但又不是放空。透過一些特寫鏡頭和情境營造,攝影機捕抓到更多這個角色乃至於這個演員的一些很棒的特質。重點是,這些狀態/情緒,和劇情是吻合的,而且具有危險性。這種危險性讓觀者不安,果然常常一觸即發,與精神病患的處境一樣令人痛心。這讓我想起 #奇士勞斯基(Krzysztof Kieślowski)在電影《十誡》中的《愛情電影》,當正處青春期的少年,開始對住在對面大樓的熟齡女子產生興趣,甚至這段愛戀的狀態最終被戲弄、幻滅、感傷到無情,都有跟《幻愛》裡劉俊謙飾演的李志樂有異曲同工之處。
蔡思韵的表演則是突飛猛進,先不提她過往在台灣演的幾部國片(有些真的是毀了這個演員)。關於演員成長這件事,在蔡思韵身上可以得到很好的驗證。過往沒有看過她的表演其實沒關係,只要到Youtube搜尋 #魏如萱 的《彼個所在》,短短的MV便讓人印象深刻。蔡思韵其實非常年輕,即便《幻愛》裡的年紀設定是與她年紀相符的碩士生,但角色一些過往的經歷,都得用高標準的超齡演出來檢視。有好幾場戲都相當精彩,其中在幾段諮商的戲,可以看到很多表演細節,一些簡單的眼神與肢體動作,呈現了許多角色的矛盾和不安。
《幻愛》裡的葉嵐這個角色其實很蛇蠍美女的設定,出眾的外表總有辦法引起男性的興趣,無助和假裝可以讓男性不小心就撲了過去,最終則是被她無情地拋棄。這個角色在正與邪之間遊走,更不用說在虛虛實實之間的劇情轉換,如何讓觀眾對這種刻板的角色湧起憐憫之心是非常困難的。在整部電影的架構中,觀眾對這個角色的解讀,比起男主角而言是相對困難。劇情大部分都會嘗試演繹男主角的狀態,不論是身體或是心理甚至是幻想的。但很多時候我們必須仰賴表演來得知女主角的個性,以及為何從最初的冷漠,到慢慢解開過往傷疤。演不好觀眾反而會更討厭這個角色,畢竟這個世界太欠缺同理心了(你說是吧)。但我相信看過這部電影的觀眾都會認同她的,尤其後半段審問的戲更讓人驚艷,鏡頭也精準地捕抓到演員的詮釋,可以說是2020華語電影裡最精彩的一幕!
兩個主角沒有入圍金馬獎的男女主角獎,我覺得非常無奈。從入圍名單看來,我甚至不覺得他們有輸其他演員什麼地方。所以我蠻討厭看到什麼遺珠這種說法,一些值得鼓勵的新演員,因此被犧牲掉被看見的機會,重點是,他們沒有比較差,甚至更好,好嗎?
劉俊謙在一段幕後特輯訪談中提及:「到底我跟角色的連結在哪裡?我覺得其實都是一個很脆弱的人,那個脆弱是同等的。」
這句話其實很適合作為這部電影的主題,無論所謂「正常人」亦或是精神病患,我們在這部電影都能找到一些相似的感受。電影結束後,我跟這名同行的演員說,這部電影是很能夠感同身受的。很奇怪喔,我不是精神病患,但某種程度而言,其實我們和精神病患是沒有什麼不一樣的。
活在這個世代,面臨每一天的高壓狀態,豐富的虛實資訊不斷灌入我們身上,每個人的「幻」與「愛」,都會不經意地出現在某個生活的片刻之中。這部電影是一個寄託,甚至給人勇氣。導演是一個極為溫暖的人,他試圖透過電影鼓勵了更多活在恐懼之中的人們。「幻」不滅,唯有「愛」可以讓虛幻成真。祝福香港!
圖片:《幻愛》電影粉絲專頁
#全台熱映中 #請進戲院支持感謝
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奇士勞斯基短片選(ㄧ)
還記得金馬五一的時候看了《機遇之歌》,誇張一點說,他改變了我的一生,那時候我發現原來電影可以這樣拍,可以離真實這麼近,然後又同時與情感保持疏離,克制的令人既投入其中,又能看清楚自己的處境。
導演論或許是真的,奇士勞斯基窮極一身在告訴我們宿命與自由意識的拼搏應當是如何,國與家的關係應該是怎樣,而我一股腦地,向是宿命般的被吸進電影裡面,也是希望能夠有一點稍稍清出我與影像的距離,或許便能看得清楚些。
後來陸續看了幾部《十誡》、三色、《雙面薇若妮卡》,但卻一直沒有機會好好系統性地看他的作品,於是這次終於下定決心,自辦奇士勞斯基經典影展,希望能藉由爬梳他的創作生涯,看出一些端倪,也更了解大師一點。
以下觀影時的隨手筆記
電車(1966)
奇士勞斯基的第一部,如果要定義一個主題的話,我想或許可以說是一個孤寂的人急欲被這個世界理解,最後卻徒勞。故事起於一個男子百無聊賴的待在派對中,最後因為遲遲沒有跟人搭上話所以決定返家,在電車上,邂逅了一名女子,兩人有過短暫的眼神交流,讓男子重新恢復自己對於其他人的信心,但他依然有些自卑,不敢上前搭話,甚至期待對方會來主動示好。然而因為這對於世界的審慎態度,或說怯懦,導致兩人沒有發展出如《愛在黎明破曉時》的那種故事,最後電車離去,才想到要追逐卻已來不及。
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辦公室(1966)
奇士勞斯基早期的紀錄短片,大抵就是關注一個類似公所的單位處理民眾關於社會補助的一些案例,有趣的地方是影片中人員反覆的問著來的人說「你這輩子做了什麼」好似人地一輩子就可以這樣被輕易定義似的。因為對於奇士勞斯基整體的生涯,從一開始還沒有看得很清楚,但或許可以看出,它關注社會上底層民眾所遭遇的困難的反應,也或許可以以此延伸出它創作影片的道德立場。
觀察到那些很細微的特寫,常常落在人不經意或很日常的動作上,比如說喝水,比如說嘴巴細微的變化,是不是要藉此映照一個人的狀態,還不是很確定。但在上一部《電車》中也有類似的運用,還算有趣。
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祈願音樂會(1967)
這一部特別注意了開頭結尾中都有一個戴眼鏡男子像是偷窺般地凝視,男女主角這對情侶。如果延伸一點說,這感覺跟電車中的那個男子一樣,處境孤寂,疏離的看著熱帶的中心,自己因為一堵牆被隔絕開來,這面牆士什麼,或許是社會,或許自卑,或許少懦弱。但我覺得有趣的地方是,這種凝視當中卻又體現出了人的兩面性與複雜的辯證,觀看的同時卻也是觀看,巴士乘客要求女生跟他們走的那段或許是一種短暫衝破、彰顯可能性的設計,但這道最後依然是徒勞的,不過依然有種見證的意味在。應該吧
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相片 (1968)
奇士勞斯基早期的一部紀錄短片,片長大概三十分鐘。主要在講當他(奇士勞斯基)在一個士兵的攝影展上發現了一張兩名兒童的合照後,決定取尋找這兩個人,看看他們現在在做什麼。於是影片就一路跟著他尋找,最後也真的找上
了當年的男孩,並給他們看照片。
我覺得就敘事來說,本片其實沒有什麼出奇之處,但比較有趣的點在於,拿著一張照片去問當年的影中人你還記得自己當時在做麼嗎,這點有點類似於黃邦銓的《去年火車經過的時候》,有種照片的客觀紀事與當事者主觀詮釋在裏頭。而若進一步延伸,就如同照片中弟弟所說,似乎並不是每件事情都值得再度拿起相片去提及,哥哥也說當時候雖然照片看起來很歡樂,但現在想起來當時卻是很痛苦的,因為母親在照片中的房子生重病後來去世了。所以,那所謂的回憶,所謂的紀錄到底要如何才算數呢,哪些才是有意義的呢?這就連當事人都說不清楚的事,或許也就
更模糊了
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我曾經是個士兵 (1970)
奇士勞斯基的一部紀錄短片,就內容上來說,其實一如前面在《洛茲小城,》中可以看到的,他關注那些受到戰爭排擠、影響的小市民的生活現狀。只是這次鏡頭直接對象了曾經參與戰爭的四名老兵,透過他們的言談,讓我們慢慢地進入他們戰後孤寂的內心世界。就影像上可以發現,畫面中時常有著黑色的前景橫豎在觀眾與主角之間,其實某種程度上也標示著那些人與世界之間的隔閡。透過影像,我們發現這四個人失明了,「一開始摸溼溼的以為是汗,到後來才發現是血,不久後我便看不到了」。戰爭的傷害,讓他們失去所有,對於世界的理解只剩下一面黑,當然這部影片的最後毫無疑問地指向了反戰,他們希望消滅戰爭,帶來和平。
但諷刺的是這些事情就有如他們的失明一般不可能改變也不可能發生,最後他們應該如何自處呢,又回過頭來該如何去看待自己當年的愛國行為呢?我想或許沒有一個定論,但在他們的內心當中,又或者夜晚睡著之後,總有著個彩色的美夢等著他們,在夢裡他們看得見,生活一片絢爛,他們很快樂,而唯一支持他們活下去的,便是睡上一覺,頓入夢中,到最後,誰是現實,誰是夢境,好像都已不重要得。然而,這樣的樂觀、模糊,也再次顯示了戰爭的殘忍,也某種程度上體現了奇士勞斯基一路所觀眾得主題以及他的道德立場。
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工廠 (1971)
奇士勞斯基的一部約長18分鐘的紀錄片,主要分成兩個場景進行,一個是鑄造廠的會議室,老闆官員資方喋喋不休的在討論工廠營運的狀況以及轉型的計畫,另一部分則是無聲的勞工默默的操作著機器工作著。
若其實不刻意去注意片子的類型,很難分辨《工廠》是一個紀錄片還是劇情片,我想奇士勞斯基老早就在用拍劇情片的方式在經營紀錄的影像,他巧妙的將鏡頭融入了會議裡頭,特寫、過肩特寫X,然後再與工廠工人的工作畫面交叉剪接,產生了某種強烈的連結與社會拚判性。
老實說,實際上會議中那些人吵些甚麼我在觀影當下反而不是很在意,甚至我覺得就算拉掉字幕也不太會影響對於這部片的理解。我想共產主義或社會主義的出發,一開始往往都是以一個由下往上共生共榮的姿態進行,然而隨著規模擴大、集體產生、組織產生、效益、產值、目標產生,那集中、階級、權力似乎也自然而然的產生,資本主義或者階級制度最後好像又再次回到了人民身上,社會主義好像一場騙局,話都是上面的在講,下面的永遠只有服從,也不曾有過耳朵。大概是這樣
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拉力賽之前(1971)
奇士勞斯基的一部紀錄短片,因為找片源的時後遲遲找不到有字幕版本檔案,所以就將就著的在沒有字幕的情況之下把它看完了。劇情其實蠻單純的,就我的臆測,大概就是有人想要參加拉力賽,所以在比賽開始之前晉行一連串的準備與車輛技術的調整,當然也有所爭執,也有所阻礙,但最後還是順利的上場比賽。
有趣的點在於,其實影片中對於那種緊張感的營造好像沒有很充足,反倒是過程當中安插了許多開車飛馳的窗外場景令人印象深刻,搭配輕快的音樂,瞬間在壓力下獲得了些許的自由。
另一方面,開頭結尾同樣是輕快的音樂,特別在結尾前的剪了一個小男孩滿心期待看著父親的畫面,再轉接比賽正式開始,也同樣令人印象深刻,進一步說,這也將通篇影片的煩躁感抵銷掉,可以好好的上場比賽了。
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疊句 (1972)
奇士勞斯基的紀錄短片,主要在紀錄一個政府喪葬公證單位工作的日常。有趣的點是,它用一個很極簡的方式講述了一個現代社會制度下的悲哀(又或者是共產以及社會主義下的悲哀),也就是當一個人的一生到頭來的意義只剩下一些數字,運費、棺木尺寸等,然後變成一個商品一般,可以訂製、可以交易,那所謂的人生該何去何從,然而,最後更諷刺的是,它剪了一段剛出生幼兒被依序的放在育嬰籃中,標示著數字,那那終老後杯數字化、規格化、交易化的絕望又更深了,因為這一切好像從出生就開始了。
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弗羅茨瓦夫和錫隆納葛拉之間 (1972)
奇士勞斯基的一部類似地方政府宣傳片的紀錄短片,老實說雖然只有十分鐘,但整部沒什麼重點,就有點像了無新意的消費性廣告片,大致介紹了當地的地景、設施以及民眾的生活休閒。
如真要說甚麼特別的地方,或許便是它是奇士勞斯基一路看下來首部彩色的電影,感覺還在習慣色彩的運用,沒有像黑白電影那般來的悠遊。
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銅礦廠安全與衛生守則(1972)
奇士勞斯基的紀錄短片,這次稍長大約22分鐘,它的取向與《弗羅茨瓦夫和錫隆納葛拉之間》類似,就是一個功能取向的影片,這次面向銅礦廠內部,拍攝了類似教學影片的產品,教導員工正確的SOP,以及如何避免職災。不過整體而言其實就沒什麼看點,中規中矩之類的
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磚瓦工(1973)
奇士勞斯基的紀錄短片,以一個平凡磚瓦工第一人稱自述的口吻,講述他是如何從一個默默聞名的磚瓦工,後來因為區委員的安排前進華沙,又是如何參與社會主義的建設活動,然後最後回過頭來,他看似還是最懷念那一開始他擔任磚瓦工時的歲月,因為他可以走在路上指認,他曾修過哪些路、哪些牆,好似這些代表的的青春,也證明自己沒有虛度光陰。而雖然影片沒有明講,但如果以此延伸,似乎也暗示著往後那些組織內部的、社會主義的工程,似乎有一些不那麼踏實,踏實、對國家有貢獻的,似乎依然是那些基層的勞工,只是他們很少被看到。
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人行地下道(1974)
奇士勞斯基繼《祈願音樂會》之後睽違七年再度執導劇情片,但雖然這樣說,但他在這期間的紀錄片其實也混雜了許多形式,多以一種劇情片的方式在處理紀錄片。而這部《人行地下道》其實也是以一種紀錄片的方式在拍攝劇情片,所以基本上紀錄片與劇情片的分野在奇士勞斯基身上是相對模糊的。而或許也歸功於他早期大量的紀錄片經驗,因此可以發現他的劇情片其實往往以一種靠很近卻又疏離旁觀的感覺,一方面能夠體現情感的真實,另一方面又能達到觀看的克制,我想這或許在往後的長片中會越來越明顯。
回到故事本身,《人行地下道》的故事其實很簡單,便是述說一個波蘭小鎮的教師隨著學校遠足來到華沙,順道找尋前妻試圖挽回的故事。如果將這樣的一個故事視為一個典型,那或許可以說奇士勞斯基從很早便開始探討一種人性的疏離與情感追求的徒勞,以《人行地下道》來說,雖然看起來夫妻兩人仍眷戀著彼此,也互相吸引,但先天上的差異仍硬是將他們分開。而若擴大一點來說,如果命運是不適合的人分開,而眷戀是自由意志的掙扎的話,那命運似乎一直獲勝,因為人的努力終將徒勞,即便情感上百般不得已。
然後有一點有趣的是,當一開始男生找到女生時,奇士勞斯基選擇用了一段情緒豐沛的民謠當做配樂,當然代表的是情感的外溢,但這讓我想起王家衛早期如《旺角卡門》時,也曾有一段期間用這樣俗的方式外顯的表達情感,讓人感到格外親切,果然大師也都是從小長大的。
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X光(1974)
奇士勞斯基的紀錄短片,紀錄一群因為工殤而罹患肺結核的工人,出事之後被安置在寧靜的療養院中,雖然一開始在風光明媚、沒有壓力的環境中感到放鬆,但過沒多久他們就受不了了。
因為在過去,他們付出、他們勞動、他們為生活奔波,然後換取報酬活下去感覺自己擁有存在的價值,但現在不勞而獲,就感覺自己曾經唯一僅存對於世界的貢獻與作用被剝奪了,於是他們陷入一種對於自身存在虛無化的焦慮,他們拚了命想要逃離,那怕打雜也好也想要勞動。我覺得這裡可以分成幾個點,一個事社會主義的運行之下,是不是養成了人民不勞動就沒有價值的觀念,另一方面,若放在奇士勞斯基作品的框架下,這其實也是一種今昔自我的錯置,懷念過去、想回到過去,討厭現今的自己,近而否定自己的存在。然後想要回復,卻又無法,又陷入一種生命的徒勞感。從此對於生命、對於世界疏離。
當然這是以一種全知的角度再看這樣的事情啦,如果站在第一人稱的話,那可能就是再怎麼困苦,都要追求美好,但我也不確定這樣的想法是過於樂觀,還是被教育成真的相信如此。