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#優人物 #趙琍
疫情趨緩，台北松菸 #誠品 重新聚積人氣，穿過地下一樓的小吃街到底，是大隱於市的 #誠品畫廊，正展出的「#動漫未來」，一點也沒有傳統畫廊給人曲高難應和的氣氛。
這是坐鎮誠品畫廊31年的趙琍為藝術與年輕世代建起的新橋接。而她曾經發掘、代理 #蔡國強 與 #徐冰、#劉小東 和 #林明弘，是華人當代藝術四大天王背後的推手。
「這個行業就是比氣長，做久很重要。」趙琍說：「誠品畫廊可以存在，是我們有自己的藝術家。畫廊不可以沒有藝術家，藝術家不可以沒有作品，我覺得這個是最重要的。」
▍閱讀報導全文：https://500times.udn.com/wtimes/story/12670/5765674
#台灣 #當代藝術 #藝術家 #創作 #收藏 #畫廊 #創新 誠品畫廊 ESLITE GALLERY
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這是坐鎮誠品畫廊31年的趙琍為藝術與年輕世代建起的新橋接。而她曾經發掘、代理 #蔡國強 與 #徐冰、#劉小東 和 #林明弘，是華人當代藝術四大天王背後的推手。
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這是坐鎮誠品畫廊31年的趙琍為藝術與年輕世代建起的新橋接。而她曾經發掘、代理 #蔡國強 與 #徐冰、#劉小東 和 #林明弘，是華人當代藝術四大天王背後的推手。
「這個行業就是比氣長，做久很重要。」趙琍說：「誠品畫廊可以存在，是我們有自己的藝術家。畫廊不可以沒有藝術家，藝術家不可以沒有作品，我覺得這個是最重要的。」
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＃水墨＃梁震眀＃水墨畫家
鄰近靳珩公園，位於立霧溪與魯丹溪交會處的印第安酋長石，是花蓮太魯閣國家公園相當著名的地質景觀，因視角的錯覺，組構出有如人臉造型的奇石群，矗立在溪畔上，讓人忍不住想多看一眼，好見識這巧奪天工般的自然奇觀。
如何將所畫題材營造出有如太魯閣峽谷那般的視覺強度？藉由台灣各地搜羅的奇石圖像，以小觀大，用貼近藝術的手法，假像虛構的方式，將其搬到近雲山巔處，當想像的連結空間變大，方寸之間的畫面也就有更為大器的可能。
【實景‧虛境‧真山水 梁震明的墨色台灣】 國立成功大學歷史系所美術史教授 蕭瓊瑞
梁震明的細筆山水，是戰後台灣水墨現代化運動中，從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。
1971年次的梁震明，並未經歷台灣1960年代的抽象水墨風潮，也未能得見1970年代的鄉土運動，在他稍稍懂事的年代，台灣已經進入1980年代的美術館時代，而在裝置、數位，乃至行動多元蹦發的90年代，他卻獨獨選擇了以看似最為傳統的毛筆水墨，作為創作的工具和媒材；這似乎和他作為「外省第二代」、且出生成長於被視為具有濃厚「眷村」特質的高雄岡山，有著一定的關聯，而在學校擔任工友、獨身撫養三個小孩的父親，更是引導、支撐他孤獨奮鬥、精勵上進的重要支柱與力量。
國小畢業，在韓永、李春祈等老師的啟蒙下學習水墨畫，一路從國中美術班、高中美術班，在1991年考入校區仍在蘆州的國立藝術學院（今國立台北藝術大學）美術系，師事李義弘(1941-)與林章湖(1955-)，也正式展開了他水墨繪畫的探研之旅。
1993年，他以碎筆萬點的手法，表現台北草山、九份地方的芒草，呈顯一種荒蕪與孤獨的美感，開始了他「水墨台灣」的系列創作，也引起了眾人的注目。1994年，他除了獲得該系系展水墨組第一名的成績，同時也獲得了馬壽華獎學金，及張穀年獎學金第一名；隔年（1995），再獲張穀年獎學金第一名，及劉延濤獎學金第一名，這些傳統水墨畫家的獎學金頒給，在在肯定了梁震明在傳統水墨方面的用心與成果。不過，如果更深入地考察梁震明在這段學習過程的面向，便可以發現他自我要求的廣度與深度，包括在中國美術史、佛教史、器物史，及日本膠彩畫的多方學習；1996年，更獲得慈濟藝術類美術理論組的獎學金。
這一切的努力與成績，反映了這位年輕的水墨研習者，顯然不願拘限於傳統水墨的窠臼，意圖尋找出另一條更為寬廣而深入的路徑。他曾說：「倘若我們將水墨視為單純的一種材質，那麼其屬性是否該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知，經常來自傳統的規範，而較少本我的分析、推理與判斷。當我們對眼前的任何事都視為理所當然的時候，缺乏進一步的思辨，就會矇蔽自我的智慧，如果僅是相信前人的體略，卻沒有去思索其背後所隱藏的道理，蕭規曹隨般的跟隨其步伐，必然無法超越他們的成就，提出更有開創性的見解。」
在大學時期全方位的學習，以及短暫的中學教職後，1999年，梁震明重回母校，進入美術創作研究所進修，並在李義弘老師的指導下，展開「墨與黑」的材料研究，完成〈墨與黑的創作思辨〉碩士論文。
這個階段的研究，從材料學的角度出發，梁震明徹底地分析了中國水墨的墨色與西方繪畫顏料中的黑色，兩者間的不同。除了材料屬性上，墨所含的碳粒較細，色調固定，黑則較粗，亦會因成分不同而有不同的色調變化；更指出：在前人的使用觀念上，墨是重寫，黑則是畫，因此，在東方的藝術發展中，才發展出「書畫同源」的概念。(註1）
這種看似純粹材料學的研究角度，其實正是梁震明徹底掌握創作材料，同時也為自我畫類定位的一種深沈反省；因此，他說：「墨屬於廣義的黑色顏料，無論作品中是否用墨，現今的情況下依然會被視為水墨畫，如果創作者未曾提示的話，況且『近墨者黑』，所以也無所謂畫類定位的問題；而畫類的定位，只是方便溝通的一種狹隘界定，而這種界定不盡然等於創作者認知的界定，唯有模糊或是衝撞這種材料界定，才能獲得無限的可能。」（註2）
又說：「水墨的傳統是一種時空背景下逐漸發展而成的，但如何讓充滿西式視覺經驗的當下觀眾，重新認識水墨的當代價值，這樣的採用，正是覺醒下的選擇。」（註3）
2002年，他就以「墨與黑的創作思辨」為題，推出研究所畢業展於台北羲之堂。那些綿密素樸的墨
點，烘染出層次豐富、形式多變的台灣山脈、岩石，擺脫中國古老的山水意象，直接從台灣的自然切入，那是親眼所見、心中有感，沈澱為生命情緒的一部份。而畫面豐富的層次，正是他研究所時期媒材研究的具體成果，為了對各種知名古墨的掌握，他曾走訪中國蘇州姜思序堂、周庄、上海、 _杭州、安徽歙縣胡開文墨廠及黃山等地，更自製各種不同材料的墨條，包括：石榴、檳榔心、杜仲皮、燈草、桐油……等，逐一試用，甚至製成色票，相互比對。
研究所的畢業展，也引發了藝評界的注目，以「層層染點．古墨新研的樸實路線」（註4）來形容他。
梁震明，畫如其人，人如其畫，那種樸實、綿密的風格，也展現在他為學求藝的生活態度上。研究所畢業後，在原有論文的基礎上，全力深入、持續探研。2003年，他又完成並發表〈日製液態墨的材質特性及使用方法之研究〉一文（註5），這是將當時台灣市售的33種日製液態墨進行試用及比較，得出多點特性，並發現指出：日本廠商所製的液態墨，主要是適合日本書畫界的創作觀點而生產的；因此，使用者的認知與選擇，才是主導這些墨品材質特性的關鍵因素。
歷經五年的研究、整理與擴展，終於完成《墨色的真相》一書，由國立編譯館補助出版。其中涵蓋的主題，包括：歷代畫家使用墨與黑及相關材料之種類說明、墨與黑之相關著作介紹、固態墨、液態墨及黑色顏料的製作工序及流程比較、中國歷代製作固態墨的流程分析與介紹、歷代文獻關於墨與黑之製作流程及概念的探討、歷代畫家使用墨與黑之方式及邏輯的比較、材質特性與使用方法及概念之關係研究等。《墨色的真相》可說是當代畫壇在材料研究上最具典範性的成果。
梁震明是以學術研究的態度面對創作，一如民初畫家黃賓虹的耗費巨大精力整理歷代畫論，彙編成《歷代畫論叢書》，也增美自我的創作。
梁震明的研究精神也展現在他獲得國藝會補助、與廣興紙寮合作撰成的〈中性紙材開發與成效研究〉（2005），及走訪全台三百多座廟宇，拍攝近萬張照片的「台灣寺廟龍柱造型之研究」（2006-2010）；後者於2010年，由國立編譯館補助出版。
回到創作本身，2002年北藝研究所畢業後的這段時間，顯然是一個重整、深入整備的階段。2004年任教台中僑光技術學院，往返途中，經常前往苗栗後龍外埔拍攝海邊石滬；而在一個偶然機緣下，更接下了全台茶山之旅的拍攝工作，走遍了梅山龍眼林、鹿谷大崙山、大禹嶺、梨山，和嘉義石桌等地，對台灣的山林有了更深入的觀察、感受與瞭解。
事實上，2001年春天，梁震明就有機會首登大陸黃山，這是多少水墨畫家歌詠描繪的聖山，古松、奇峰、雲霧……，自然也給予梁震明極大的震撼，但他說：「雖有千景可選、奇石可畫，但無法長居，總有著霧裡看花難以動筆的感覺。」
2007年，梁震明轉任國立台南藝術大學藝術史系教職，也將生活重心轉回創作本身。2009年的「黑色的覺醒」個展，正是這個階段創作的一次總結。〈綠草黑世界〉（1995-2009）、〈黑葉下的台南孔廟〉(2008)、〈黃昏下的黑山〉（2009）、〈聳立在一片山巒的黑岩〉（2009），都是這次展出的幾件重要作品；在較為逼近的構圖取景中，呈顯樹葉、草叢、山岩、雲氣的豐美質感。這是梁震明在大量的照片分析下，捕捉現場的感受，以格物致情的方式所逼視出來的一種幽情，純粹畫景，空無一人，帶著一份深沈的孤寂與寧靜。
2010年，長期以來的精神支柱，父親病逝於高雄榮總，讓梁震明對生命有了新的體悟。經歷一段「無名虛相」的抽象水墨山水創作，撫平了失怙的心靈創傷；2012年的「海景」系列，重新回到細筆寫實水墨的路向，但畫面大為開朗，甚至加入了較多的色彩運用。
原來自2008年以來，梁震明便被澎湖特殊的自然景緻所吸引，節理分明的玄武岩，加上海天一色的開闊氣象、孤立海隅的小島、白色的沙灘…….；此後，他多次前往澎湖探訪，走遍七美、望安、桶盤，及目斗嶼、姑婆嶼……這些南北列島，也重訪宜蘭頭城、龜山島、屏東墾丁、旭海，及貢寮龍洞、南澳粉鳥林，和台中梧棲高美溼地，更不必提及自學生時代就經常和師長前往的北海岸淡水、石門麟山鼻、老梅等地。此外，也前往日本沖繩座間味島、古宇利島、瀨底島及石垣等地，比較不同文化下的自然景觀。
梁震明的創作取景，完全是以一種幾近物象學研究的科學手法，現場寫生不是他的創作形態，部份的速寫只在記錄某些必要的重點。遍遊這些景點，甚至重複多次的前往，主要是在收集相關的圖像和豐富自我的體驗，景色的記錄則以攝影取代，每次的前往，都經事先周詳的規劃，即使是相同的地點，也會有不同的路線和時段，因此景緻總是不同，或是晴、陰、冬、夏，或是晨起、夕歸，或是徒步、搭船，甚至動用空拍機等。梁震明的創作，帶著高度學術研究的心情，雖寫實景，但回到畫室，則是進行周密的草稿模擬及意象推演，反覆推敲，不斷思辨，務求達於虛凌、超越的意境。
2011年及12年的「海景意象」展，梁震明在以往以墨色為主體的畫面中，加入大片的色彩，這些色彩帶著稍顯誇張、鮮艷的高彩度，反而呈現了某種夢幻的意境；某些作品甚至直接以金色表出，或是紙張的金，或是顏料的金，但當轉化成物象的金，反而虛幻成視覺情感的金，那是一種純粹心象的金，實景、虛境，才是梁震明心中追求的真山水。
2014年展開的「千岩萬語」系列，回到山岩海石的細部描繪，積細成多，氣象浩瀚，以千岩寄寓萬語，是藝術家應物抒懷的本心，部份畫面加入細線的方格分割，益增非實境的畫面效果。
2015、16年的近作，在尺幅上更為開闊，他辭 _教職，專職創作，畫面的細筆寫石(寫實)，幾如僧人的抄經，一筆一念、一劃一覺，梁震明的作品，也因此呈顯接近宗教般的凝定與寧靜。
中國近千年的水墨繪事，在近代而有「學」「藝」分途的隱憂，但在梁震明的身上，我們喜見高度學術研究的精神，如何貫穿、滲透在他的創作之中。戰後1960年代啟動「現代水墨」運動，曾以「革中鋒的命」的自動性技法，翻轉民初或日治以來，以寫實「改革」寫意的路徑，開展出一片暢意淋漓的抽象風潮，中經幾近照相寫實的鄉土水墨，落入寫景不寫情的機械操作。1970年代出生的梁震明，從台灣制式的學院體制中，一路走來，在深沈、穩健的學術操作中，重建了古典水墨的結構與質地，卻同時展現了現代宏觀與微觀兼具、客觀寫實與主觀虛境並呈的絕妙視野，堅實、蒼茫中，透露著一股孤獨、傲然的真氣。那是梁震明特有的墨色台灣、現代山水，隱隱承續著自余承堯(1898-1993 )、夏一夫(1925-2016)一路以降的密實水墨傳統，也是李義弘開創的材料學與物象學研究最耀眼的傳人。
註釋：
1 梁震明〈黑色的覺醒――梁震明創作自述〉，《藝術收藏＋設計》25期，頁132，台北：藝術家出版社，2009。10。
2 同上註，頁133。
3 同上註。
4 參見黃寶萍〈梁震明：層層染點．古墨新研的樸實路線〉，《藝術家》326期，頁236-239，台北：藝術家出版社，2002.7。
5 收入《中國水墨藝術之回顧與前瞻：2003研究生學術研討會論文集》，頁172-183。
【梁震明簡歷】
國立台北藝術大學美術創作研究所畢業。
曾任國立台南藝術大學藝術史系及東海大學美術學系講師。
個展12次，國內外聯展30餘次。
作品曾在香港蘇富比、羅芙奧及沐春堂拍賣成交。
著作「墨色的真相」與「台灣寺廟龍柱造型之研究」獲國立編譯館出版刊行。
現為羲之堂代理之專職水墨畫家。
梁震明臉書粉絲頁：https://www.facebook.com/inkliang/
梁震明痞客邦：http://tom20030208.pixnet.net/blog
梁震明IG：https://www.instagram.com/liang_chenming_art/
身為台灣最富盛名的當代藝術家之一，吳天章每隔十年就會轉換創作媒介，吳天章深恐自己陷入匠氣，所以每當一種藝術媒介能夠做到最好時，就會想要重新冒險，轉換到另一種陌生的介面，持續探索更多未知、充滿想像空間的領域。
從80年代涉及政治、歷史批判的油畫，以《四個時代》在藝壇佔有一席之地；90年代創造台客美學平面攝影風格，代表作是《再會吧春秋閣》；2000年進入電腦合成技術為主的數位影像時期，陸續發表名作《千鈞一髮》、《永協同心》、《瞎子摸巷》、《夙夜匪懈》等；2010年吳天章轉換到動態數位影像領域，以一鏡到底、抽格、快速攝影等手法，結合魔術、特技、機關設計，完成錄像藝術作品《心所愛的人》、《難忘的愛人》、《再見春秋閣》。
吳天章以為，自己的終極關懷是離別，是人的生老病死。20幾歲時，年僅21歲的親妹妹車禍喪生，讓吳天章對死逝有著獨特的感懷，轉而透過作品緬懷嘔歌青春、記憶與生命。
同時，台灣的母體文化也成為他的創作主題，尤其是喜喪不分的喪葬文化。他將殘缺與完美、死亡與歡樂、腐朽與燦爛，藉由電腦合成技術，重整編修，完成最俗豔絢麗的遺照。他關注死亡與生存之間的臨界點，人是不知生，也未明死，所以其創作是中間美學，也是太平間美學。亦即，他透過作品製造最完美的瞬間，封存時光之縫、生死之界。
從小生長在基隆的吳天章，童年是透過美軍、水手去認識世界。而基隆是離別的故鄉，港口總是有無數再會的故事。而水手服對他來說，具備心理學的層次，既有天真可愛，也有情色猥褻。他乃借題發揮，完成個人與集體潛意識的拼合。
鮮少依賴偶發性，吳天章創作成品時，往往經過嚴密的計畫，即便發想的過程是感性的，但在執行時，因為想要達到最高的準確度，所以十分理性。他會畫出草圖，展開複製的前製流程，以及縝密的後製作業。
在數位攝影，吳天章會將7、80張底片精密地後製為一張完美無缺的平面照片。而錄像藝術的部分，則是講求演員、工作人員、道具機關的絕對配合，反覆的演練，耗時半年的前製工夫，方可完成一鏡到底的數位動態影像作品。
小檔案
吳天章，1956 年生於臺灣彰化，現居、創作於臺灣台北。1980年畢業於中國文化大學美術系。80年代時，吳天章以油畫創作政治、歷史主題，被譽為台灣藝壇「解嚴」的第一人。90年代，以攝影複合媒材為媒介，開啟「台客美學」。2000年轉以電腦修圖及合成技術，透過肢體設計和準確度的要求，以「安排式攝影」進行創作，創造出驚聳有力的影像作品。2010更轉型至「錄像藝術」，以「一鏡到底」的電腦剪輯，呈現詭異的錄像風格。
吳天章的油畫作品，大多以歷史文本為創作依據，進而反思歷史發展。之後的攝影作品，巧妙地結合台灣歷史、黑色喜劇及豔俗現成物，自創台灣特有的嬉謔悲情風格，因而有著「台客藝術家」的封號。
重要個展、聯展計有：2017《第八屆MADATAC Fulgor líquido（液視／異視）吳天章個展》，2016《陌路歸真1980-2011》、《別說再見2001-2015》，2015代表台灣參加第56屆威尼斯雙年展台灣館展出《別說再見－吳天章個展》，2014《喚．魅─吳天章個展》，2013《偽青春顯相館－吳天章個展》，2011《One Piece Room: 吳天章個展－孌》，2008《懾—像》，2007《後解嚴與後八九—兩岸當代美術對照展》，2000《近距觀照—台灣當代藝術巡迴展》，1998《內‧外—華人當代新藝術巡迴展》，1997《台灣現代藝術序幕系列 （2）》，1990《四個時代》，1987《傷害症候群》等，展場遍及全球各大城市，如台灣台北與台中、中國北京、美國紐約與舊金山、加拿大溫哥華、義大利威尼斯、澳洲昆士蘭、西班牙馬德里、日本福岡等地。
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http://bit.ly/2UjgwMl
1988年，在紐約有攝影棚、工作室的黃明川，斷然地捨棄美國的商業攝影事業，返台定居，並全心投入電影《西部來的人》（1989）、《寶島大夢》（1993）、《破輪胎》（1999）的拍攝。這三部劇情長片合稱《神話三部曲》，開啟台灣獨立製片先河，對日後台灣電影人大有啟發，包含《流浪神狗人》、《行者》導演陳芯宜，及《築巢人》、《幸福定格》導演沈可尚也曾參與黃明川電影的拍攝、製作。
有感於90年代台灣電影普遍性的匱乏與單薄，投資方往往只要求商業的成功，而無視於藝術成就，黃明川決心投入獨立製片電影的創作，從《西部來的人》原住民遠古神話與社會處境，到《寶島大夢》戳破軍國神話和直搗黑幕深處，乃至於《破輪胎》以電影中的電影形式探索公共藝術，三部曲完整地體現、紀錄90年代的強烈騷動。經歷三次傾家蕩產又再起的黃明川，儼然台灣電影界的韋納．荷索，充滿無比強悍的創作意志。
如同返台時與過去（平面、商業攝影）決斷的作為，在拍完《破輪胎》後，黃明川捨棄劇情長片，將全部火力轉向紀錄片，拍攝文學家、詩人、藝術家。在當時，藝術紀錄片完全是處女之地，充滿無限可能與自由，因此引起他的興趣。他以為90年代不只是混亂的年代，也是藝文啟動慾望最高的時代。紀錄片不只有凝視各種現實衝突、體制悲劇和戰亂，黃明川更想紀錄藝術家們如何創造、又如何生活。
2018年黃明川的新作《給自己的情書》，結合紀錄片與劇情片兩種形式，以女性觀點為主。黃明川表示，對女性經驗的關注，並非突如其來，是長期的觀察與體悟，早在《神話三部曲》時，女主角都比男性腦筋更為清楚，且勇往直前地開拓命運，便可以見得。而他正在進行的影像計畫是紀錄國際女詩人，包含台灣、伊朗、印度、東南亞等地，她們在社會參與的角色。
而黃明川浸淫多年的藝術家紀錄片，也繳出傲人的成績單，作品繁多，涵蓋面向亦廣，且幾乎是全景觀的收攬，如14集的《解放前衛》堪稱台灣藝術家風起雲湧的時代切片，《一百位臺灣詩人影音計畫》宏大而深遠，將詩人們的口音視為寶藏，予以妥善留存，《櫻之聲》更是台灣最後一批跨語詩人絕無僅有的影像紀錄。
他總是花費許多時間去紀錄創作者的聲影，《肉身搏天》拍了5年，《櫻之聲》從1994到2002持續思索跨語詩人的呈現，《解放前衛》每一位藝術家大多跟拍4年，如此才能有時間的厚度，才能真正深入精神脈絡與社會連結。他深悉任何潮流都會消逝，再怎麼前衛多年以後仍然會變成過時，然而時代的體驗是不可逆的，對黃明川來說，每一個時代的訊息，每一種獨特珍貴的經驗，都是紀錄片最無從取代的特質，也方有可能抵擋得住時間的改變。
小檔案
黃明川，知名紀錄片導演，倡導台灣獨立製片及藝術紀錄片的先驅。
1955年生於嘉義，台灣大學法律系畢業，後赴美國紐約藝術聯盟主修石版畫，又於美國洛杉磯藝術中心學院主修美術、攝影。曾任國藝會董事、國家電影資料館之電影基金會董事及顧問、台新藝術之視覺藝術獎國際決選團主席、公共電視基金會董事、華視董事、電影中心董事，2008年至2010年間擔任國家文化藝術基金會董事長。現正生活於臺北，為黃明川電影視訊有限公司負責人，以及嘉義國際藝術紀錄影展藝術總監。
1983年曾獲第一屆雄獅美術評論新人首獎，後並撰寫〈台灣攝影史簡論〉，涵蓋清、日兩個時代，係臺灣有史以來的第一篇攝影史。90年代第一位拍攝台灣的228建碑風潮，完成《碑林二二八》。
1989年起至1999年完成三部獨立製作之電影劇情長片《西部來的人》、《寶島大夢》及《破輪胎》，先後獲夏威夷國際影展、新加坡影展、金馬獎影展等國內外最佳攝影獎、銀幕獎及評審團獎項的肯定。劇情短片《鹿港情深》及《1995後工業藝術祭》等受邀參加香港電影節、溫哥華電影節、鹿特丹等國際知名影展；釜山國際影展與香港獨立影展亦均擧辦過他三部劇情片的回顧專題
。
黃明川30多年來長期聚焦於台灣當代藝術人文紀錄片的拍攝，策劃並完成過《一百位臺灣詩人影音計畫》（1999-2009）、《裝置藝術十年》（1995-2004）、《地景風雲》（1993-2005）、《台灣數位藝術新浪潮》、《台灣前輩美術家》、《飛越科技藝術》等紀錄片系列，於華視和公共電視播映。另外，尚有四位本土小說家《賴和》、《楊逵》、《東方白》、《林雙不》（1993-1997）專輯系列紀錄片。2003年藝術紀錄片《解放前衛》共14集，榮獲第一屆
台新銀行文化藝術基金會「視覺藝術獎」年度首獎。
2010年完成台灣日據時代跨語作家《黃靈芝與錦連》、《陳千武、林亨泰與羅浪》身影之文學家紀錄片，最近完成最後一群跨語詩人的追踪，發表《櫻之聲》（1994-2016）。
2011年起自製新紀錄長片系列，計有《縱花烈放》、《辛辣國族》、《一個女藝術家之死》、《詩藝親親》、《櫻之聲》等，近期來回美國與台灣，拍攝紐約台裔行爲藝術家與其環保意識強烈的作品，製作《肉身搏天》紀錄片。此外也接受高雄市立美術館及國立台灣博物館等之委託，拍攝多部藝術家與攝影家之短片及國家影音檔案；他於2014年為他的出生地嘉義市建立亞洲第一個《國
際藝術紀錄影展》至今，並爲嘉義市拍攝兩部美術相關的紀錄片。
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