非科班、科班主副修畢業的、國外留學回來的一起上研習課，難道程度的落差，不會對程度好的來說太簡單，對程度淺的太難？
如果只是把音彈出來，當然會有程度之差，但其實我們習琴與教琴過程中，大家有些共同問題：
📍 一、#理論與鋼琴譜裡沒有連結
雖然念科班時都上過曲析課，但曲析課的內容沒有在鋼琴課裡做連結，所以容易出現樂理考試一百分，但看到鋼琴譜還是傻傻逐音看，即便很認真將曲析課裡上的內容寫在鋼琴譜裡做分析，也只是知識上知道，#難以明白它在詮釋上扮演的角色與意義，因此對於彈奏上的思考，難有幫助。
一般的鋼琴課，多在「修曲子」（老師幫你修成一個比較漂亮的樣子），較少講解。比較是學生之所以彈得好，是因為老師幫你想好，不見得是學生有比較理解音樂，所以對於「怎麼看」曲子，各程度的人，都有不少改善空間。
很多概念，建議在鋼琴課裡教。鋼琴課裡的邏輯很重要，對於練琴或對樂曲的理解都很有幫助。但不需要用很複雜的曲式分析去寫出每個和聲，會讓學生挫折老師崩潰。其實偏向清楚架構、了解語句，明白樂句的意思與陳述方式即可。有了判別依據，才能開始有想法，而漸形成自己的觀點。
（所以同學在上完研習後會有「學了這麼久，第一次覺得看懂譜」之感，樂譜有層次、變立體💡）
📍 二、#會彈不等於會教
這概念大家清楚。好的選手，不一定會變成好的教練；好的教練，Performance的狀態不一定比選手好，因為鍛鍊時間減少或年紀漸大，自然不在狀態內，但通常得要曾經也是程度不錯的選手，才能看出問題的眉角、給出策略，並且比選手更提早看出選手的狀態。
有些老師彈得不錯，但他是「#憑感覺會彈」或者在很小的時候就受了很好的教育，早已忘記小時候遇到問題的當下，是怎麼扭轉、解決的。
學生會有的問題，不見得是老師遇過的問題，然而，我們小時候只有學怎麼彈，沒有學怎麼教，當角色轉換成教學者時，角度不一樣，很多時候也能重新思考，幫助到自己的彈奏。
「#講述」是一件非常重要的事，要先很清楚自己想表達什麼，但有時即便清楚欲表達的內容，卻講的不明確，學生便不易理解。講述，是需要經過思考與練習的。
我分享了幾個方式讓大家練習，在學員講述時，提醒「用詞」，給些建議，基本上，用詞可以不同，但不能邏輯不正確。不只是在講述思考邏輯上，解決學生技巧與音色彈奏層面亦是如此。
教學最重要的是「深入淺出」，講複雜，不僅學生不易懂，容易有挫折或放空，主要也因為：後面真正難的東西還很多啊～🍵
📍 三、#流水帳學琴，#流水帳教琴
我們從小總流水帳練琴，若老師流水帳的教，我們長大以後，也易複製流水帳教學，憑感覺彈，也憑感覺教。台灣學生習慣把音找齊「再給老師修就好」，若沒有老師就不知如何處理、音樂該怎麼做，其實是因為譜上的依據與練琴方法沒有被建立起來。
記得跟大家分享過以前在美國念書時，曾有個樂段我就是聽不懂想不通，於是我就「等老師修」，課堂上我什麼也沒說，但鋼琴家老師聽完我彈非常生氣的說：「你剛剛那裏根本什麼想法都沒有，只是把音彈出來，你是等著我來告訴你嗎？」老師的語氣明顯覺得這樣的行為也太羞愧（只差沒講shame on you）😂。
這讓我在日後教學，更重視幫學生建立思緒，看懂樂譜框架，直到他們明白、能運用。看懂基本題，才有可能做應用題。
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將課程設計為「連貫式」，是因為有實作才會有感，畢竟聽老師講都是容易的，在自己實作跟討論的過程，才會產生許多疑問。
課堂選的教材從不長的開始，例如創意曲跟徹爾尼三十：皆邏輯清楚、教學常用，大多只有兩頁。會看了，再看古典奏鳴曲，古典的曲子看不懂，浪漫派更難以理解，浪漫派是應用題，後浪漫樂派是超級應用題。
技巧也是，訓練及修正基本技巧或觸鍵，建議 #在短小曲子裡學_在長曲裡應用。
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當然，我並非只重視理性層面（邏輯與技術），藝術層面（感覺、文化與音樂的想像）也非常重要。以前常在教兒童時用音樂說故事，或讓他們在樂譜裡填上旁白。
只是 #邏輯與技術 較易系統化，#藝術層面 則較抽象，需要更多時間醞釀，「想像」是透過感染，「文化」則是需要長時間潛移默化。前者適合開課，後者只適合分享。
簡單來說，基本邏輯是最前端的工作，手上技術會花你不少時間，而藝術層面是終端（在你背譜完的很久很久以後才會完成）。
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巴哈創意曲分析 在 [分享] 巴哈：二聲部與三聲部創意曲- 看板piano - 批踢踢實業坊 的推薦與評價
網誌版有圖：https://goo.gl/yB8xs
純花痴的前言
自從兩週前被成功推銷了柯洛廖夫（Evgeni Koroliov）的郭德堡變奏曲後
首先轉手推銷給我先生
不意外的他也中毒了
接著到處在找他的錄音來聽
而且不久就買了這個郭德堡的DVD
到手後湧起一陣無以名之的幸福和勝利感XDDD
柯洛廖夫所屬的唱片公司是Tacet
（唱片公司名叫「靜默」還真奇怪XD）
巴哈的部份大多是在Hänssler錄的音
因為我對音響器材一直沒有興趣
（想來大概有點窮酸意味）
加上看了一些器材魔人的唬爛 心裡十分反感
所以只要看到中文介紹裡面一直出現什麼「爆棚」「發燒」「天碟」之類的
我心裡就先畫個叉叉 真是可怕的偏見
而不巧Tacet正是這種以真空管錄音號召的發燒天碟牌
（其實我不確定是國內引進才這樣號召還是原本就這樣）
於是就這麼兩相耽誤了許久
其實柯洛廖夫的曲目相當廣泛
從巴哈到海頓，蕭邦、柴可夫斯基、普羅高菲夫、德布西、梅湘、李格第都有
既然從巴哈開始 那就先看看他演奏其他的巴哈作品....
二聲部與三聲部創意曲（Inventions & Sinfonias）
學琴者必學的一套
說也奇怪 光是聽唱片 可能對這套曲子來者不拒
但是等自己開始練以後 雖然自己彈得很爛
卻覺得並不是每個人彈的方式都可以說服我
（搞不好是因為彈得爛也會自我洗腦...）
練的時候也不會想去先聽唱片 模仿唱片裡的彈法
只會參考自己不懂的地方
錄音唱片方面
我的第一張是買顧爾德 他把二聲部和三聲部以調性組合排列
這種排法很有趣 儼然有種小平均律的風情（誤）
雖然三聲部創意曲的發展和份量並不足以和平均律的賦格相提並論
後來還買過妮可拉耶娃 覺得她的演奏端正中帶著某種冷硬感
但仍然不失細緻和華麗的處理 有些還相當戲劇性
其實很難模仿
部分（我個人認為應該）很輕盈的曲子（例：二聲部第三首D大調、第十首G大調）
她重得嚇死人 令人畏懼她的掌風XD
這麼驚人的手勁 被她搧了耳光的話 應該會腦震盪吧
Angela Hewitt的演奏在Youtube上可聽到全集
不搞怪也不暴力 四平八穩 但是就比較沒熱情 不太有趣了
András Schiff應該是最得我心的
無論是速度、音色、對比、氣質的展現
大都很接近我學習時內心的那個「原型」
聽了倍感親切熨貼
但他選擇的裝飾音彈法、省略或添加的部份跟樂譜也很有些出入
而柯洛廖夫的創意曲全集
可能是我目前聽過最具性格的演奏
這些小小的曲子每一首都處理得很鮮明
有種塵封的東西重新拂拭清理過 打了個臘 又有了光澤的感覺
而且還很有種整體感 從頭聽到尾會有一種內在的連貫性
（翻譯：按下去就會忍不住聽完的意思XD）
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樂譜方面 我的第一本樂譜版本是綠皮的全音版
後來才知道那就是徹爾尼版
因為搬家等等顛簸（？）這本後來也不知所終
當時還沒正式開始學這曲子
確實有開始使用的第一本是布梭尼編寫的
好像成書的年代是1900-1910這段時間
這個版本的樂譜有個很大的特色是 他把所有的裝飾音都預先拆解好
使你學習時不需要糾結到底一拍彈幾個 要彈幾拍 或是往上轉往下轉
甚至編者會為了強化某些節奏感 而改寫拍號與小節數（例：二聲部第14首）
https://goo.gl/pLzqz
上面是1745年左右 應該是巴哈學生的手抄本
可以看到沒有速度記號 沒有圓滑線和樂句指示 也沒有表情記號
https://goo.gl/BDwM7
上面這是布梭尼編寫的同一首的版本
除了指法以外 對於各種細節的指示都很清楚
還幫忙分了段 解析了結構
一開始往往會覺得這樣的方便法門很好用
但是很快就會發現 過多的預先指示其實在學習巴哈的風格上可能是一種阻礙
所以不久後就換了原典版（也是全音翻印Henle的） 上面就很乾淨
除了譜號換成現在通用的高音譜號 另外加註了指法之外
就沒有更多的指示了
如果有什麼想法 至少是從原貌出發
而不是經過編者的時代脈絡去製造二手音樂
雖然說布梭尼的版本指示很多
但若不從初學練習的角度 而是從練後分析的角度來看這本
會覺得上面標註的心得是很有參考價值的
特別是他對結構和聲部的文字解說 常會有些啟發
所以後來我又偶爾會翻閱這本樂譜 也蠻有趣的
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