自己的國家自己建—《台灣總統》台北試映會
9/30(四)今天下午1點半到4點鍾
台北市中山區中原街3號4樓
[台灣總統]試映會 我們現場見
咱的歷史和咱的生活,咱的國家咱的夢,咱的文化人和法國導演合作,透過這齣電影來演乎國際社會看。
原本製作單位找知名的法國導演Stefan Libiot合作,希望募款來拍這支片。但是募款的金額無夠,打算放棄。
聽說製作單位欠缺經費打算放棄,導演竟然主動共製作人講伊願意放棄導演的酬勞,等待未來影片發行了後有趁錢才來分股份。而且願意配合劇組用上蓋精簡的預算,來完成拍片的空課,著算無攝影師由伊全程親自兼任也無要緊。甚至由法國飛來台灣的機票,嘛是由這位導演家己開錢買。
拍片的過程,真濟原本應該攢三、四組攝影機,乎導演對無仝款的角度仝齊翕畫面。但為著省錢,只好改由導演提著鏡頭,對著仝款的畫面、以無仝款的角度,一擺一擺翕。「台灣總統」這齣電影,著是佇咧這款艱難的環境中,一幕一幕來完成影片劇情的攝影工課。
導演Stefan原來按算今年三月進前,完成影片的剪輯空課。但是因為欠缺預算,拖延著電影後製的階段,想欲報名明年歐洲國際影展的參加,上晚佇咧10月底進前著後製完成。明年五月十七至二八逐家著會使佇咧法國坎城國際影展頂面,看著咱台灣人向往建立新國家、新憲法的故事。
期待這齣電影的完成,會當帶領著咱台灣人認真來思考台灣建立新國家使命,並且提出勇氣,來達成咱這代人的歷史任務,建立屬於咱台灣人自由、公平、正義的台灣新國家。
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#台灣總統 #新憲法 #新國家
觀影引言/ 陳政德(Jimi Chen) 台灣正名暨東奧正名運動執行委員
這齣法國資深導演Stefan Libiot的作品,主要是講述一位致力以推動台灣建立國家為己任的人,打敗藍綠陣營,在2024年總統大選以第三勢力參選人的身份贏得總統大選,透過他的視角,講述我們台灣近代許多的轉變與現狀。以及他的感情生活。我們希望能幫劇組籌募最後的後製經費,以趕在10月底前後製完成送法國參加2022年的坎城影展。
依據IBM贊助國家地理雜誌以人類細胞粒腺體的基因,追蹤出人類從非洲遷徙到亞洲路徑的研究成果,台灣先民自六萬年前從非洲出發,五萬年前抵達台灣,在此落腳。
這部電影講述的是500年來,生活在濁水溪沿岸的BABUZA族後裔,在歷經了大航海時代,列強登島掠奪島上資源、數百年的殖民統治,許多人早已忘記遠古遺民的身份、忘記如何作為島國之主的歷史當口,主角肩負內心深處的驅使,投身政治場域,從而贏得選舉,成為島國主人的心路歷程。
片中主人翁家庭透過透過自我旁白與時空穿越的橋段,回到過去生長的土地。在其與居民長者的對話中,帶領我們審視幾百年來列強對於台灣這片土地的剝削、現代化企業對於國土資源的瓜分、現代化生活對於傳統島民以農漁生活為主的衝擊與破壞。
電影中穿越歷程拍攝的場景—彰化大城鄉,是筆者在2008年耗費一整年時間,投身反國光石化運動,最初設定的建廠預定地;也是六輕工業區在春夏吹西南風時的下風村落,台灣石化王國受害最深的聚落。
片中資深法籍導演Stefan Libiot透過全片單鏡的手法,以及他唯美浪漫的哲人氣息,帶領大家從蕭瑟的場景中,一探如今台灣國境之內的城鄉差距。再從主角與居民交談的口中,一窺這過去富庶之地幾十年來的歷史變遷。
在此要向所有劇組人員致上最崇高的敬意,包含自付機票來台,全程自己扛攝影機的導演Stefan Libiot,以及找不到演員,經費拮據,用盡所有資源、自費來完成這部影片的所有劇組成員。
衷心希望這部電影,最後的配音與調色工作,能趕在10月底前順利完成。如此便能趕上明年度法國坎城影展報名的截止期限。
期盼【台灣總統】這部電影,能在我們正逐步走上國際舞台,來到歷史關鍵路口的此刻,將台灣人自主建國的議題,透過國際影展浮上檯面,引領大家一同省思~
在台灣重回國際社會焦點,國防實力與國際地位持續來到史無前例高峰的此際。
思索—「我們從哪裡來、要往哪裡去?」
這個小自個別人生,大至國族未來的重要課題。
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這部電影編劇蔣耀賢是台灣藝術發展協會理事長,金甘蔗影展創辦人,作品曾獲高雄文藝獎;本片製片是他的夫人商毓芳,前奇美樹谷文化基金會執行長,台灣古蹟活化運用著名設計師。高雄橋頭白屋藝術村及雲林虎尾涌翠閣就是出自其手。導演是法國藝術電影資深導演 Stefan Libiot
本片編劇為劇情賦予了他細膩的哲人風格,談論的卻是國族大愛的嚴肅課題;配合導演法式唯美浪漫的拍攝手法,為這部大眾熟悉的場景所堆疊出來的本土電影,營造出一股法國電影特有的風格節奏。
作為一部參加法國坎城影展的電影,這樣的組合,很有機會脫穎而出,值得眾所期待!
懇請有意提供協助的朋友留言報名,一起來參與這齣電影的完成,逗陣為台灣建國最後一里路的行動加油。感恩🙏
台灣人加油!
台灣國加油!
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電影編劇及導演的話
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《延伸閱讀》
國際關係學者張國城痛陳:二戰結束迄今,台灣錯失太多次成為一個國家的機會
https://s.yam.com/44ZLv
庶務二課劇情 在 Facebook 的最佳解答
得知近期舉辦的魏德聖「青澀影展」將線上展映魏導早期短片,於是調出去年在桃園光影電影館的映後精華節錄,分享給各位影迷。6月11日(五)晚間九點放映《黎明之前》、6月18日晚間九點放映《七月天》,將在「 @果子電影 x 米倉影業 」YouTube頻道放映,好片不容錯過。
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桃園光影電影館《黎明之前》《七月天》座談節錄─魏德聖 × 翁煌德
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「浮光掠影─短片輯」在 2020 的最後,邀請到開拓台灣電影視野的名導─魏德聖,回顧其兩部修復作品《黎明之前》(1997)與《七月天》(1999),從導演最初的創作了解創作之路開展,並何以成為台灣近期電影之「先行者」?以下節錄之對談紀錄,魏德聖簡稱「魏」,翁煌德簡稱「翁」。
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# 每次創作給自己的課題
翁:因大四的時候有幸於魏導的公司實習,參加到《KANO》(2014)的專案。今年高雄電影節重映魏導早期作品《黎明之前》的修復版本,所以就趕快連絡魏導的公司,促成了今夜的放映。對導演來說可能時代有點久遠,但我們還是聊聊魏導當初的創作經過。
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魏:每次要回頭看自己二、三十年前的片子,都很不好意思。《黎明之前》是我剛開始練習拍片的第三部劇情片,那時跟幾個同樣是助理出生朋友約好,每個人都要寫一部「鬼故事」的短片劇本,最後只有我寫出來(笑)。但從那時起,每部作品我都很有意識地嘗試自己不足的部分:第一次拍短片時,非常一板一眼的執行,一顆、一顆鏡頭分好執行,更精準來說,是把演員當作道具使用。
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但在《黎明之前》我改變自己的壞習慣,找真的演員來合作,我更是很害怕,不知道怎麼跟演員溝通,但還是要去做。整個拍攝過程練習以整場戲的方式討論,再分鏡頭拍攝。到《七月天》就開始練習場面調度,很多的演員、很大的場景,我要怎麼跟攝影師、燈光師配合,用最精煉的機器運動,完成一部作品。經過這些嘗試才長出膽量覺得可以挑戰市場、拍攝長片。
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翁:導演更之前的作品是 1995 年的《戲言》跟1996 年的《對話三部》,其中《戲言》尤其震驚,是導演在裡面也有擔綱演出。演員的部分,也談談導演第一次和專業演員蔡琴、范瑞君及王柏森合作的經驗。
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魏:寫劇本的當時,我就在楊德昌導演工作室工作,所以就有點冒昧的問蔡琴蔡姊願不願意演出,另外兩位主要演員也都是朋友。但回頭看25年前,短片基本上都是導演們的私下的習作,根本不會有專業演員參與製作,故《黎明之前》也算是不可思議的創舉。
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#《七月天》的編排
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翁:《黎明之前》片中所探討的情節,以為「死」就會得到解脫,沒想到死了之後是繼續受苦與淪難。緊接著又看了《七月天》這部作品,我第一次看完全震懾於「憤怒」的情緒中。若拿掉第一場戲,我們是慢慢跟著角色的怒火,最後看著主角放火燒毀一切。但導演第一幕的安排,好像就預示了後續?
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魏:原本的開場的爆發力不夠,把片尾放到開頭反而如你說有預言式的感覺。《七月天》當年有得到短片的輔導金,那時候提案的片名是《賣冰的兒子》,創作的源頭是因為感知到一種文化─「鋸冰塊」的產業正在消逝,變成工廠化、工業化。以「賣冰的兒子」去「放火」極大的落差去詮釋那樣的憤怒。但創作時才剛入行,所以模仿的痕跡很多:類似侯孝賢電影的氛圍。也不是刻意要這樣,調性或鏡頭語言、敘事的風格就會有那樣的影子。但想既然要做了,就把整個更生猛、粗野,濕濕黏黏的粗魯,想把生命那種黏膩在影像中展現。
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翁:片中也討論到各種層次的暴力,主角在黑社會體系不管是肢體的、言語的,到後續進入警察局,警察也是以殘酷刑求的方式獲得查案需要的資料。黑白兩道好似沒有差別,批判性非常高。
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魏:你想的比我想的還精采(笑)。我當初的安排是想要讓主要角色一直陷入困境。自小我的成績中間偏後,這樣的位置讓我可以跟好學生、壞同學打交道,有機會接近各形各色的人。但我始終沒有見過「講道義的流氓」。黑社會,都是貪生怕死、狐假虎威者居多,因此我不相信「道義」這件事,在片中就特別強調這點─「道義是不存在」。
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翁:演員王恩詠的表現相當亮眼,近期在《最乖巧的殺人犯》也有演出,想請問導演怎麼將少年想要學壞,但又十分青澀的演技雕琢,讓成家這個角色足以立體?
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魏:雖然看起來是素人,但他們絕大都是劇場演員。雕琢不敢說,但一次一次的練習下來對於演員的掌控,還有自己要表達什麼,所以走位與表演、節奏確定後,鏡頭的擺位就比較從容。整場練習演員與機器都走對了之後才開始拍,不再是以往一個一個鏡頭去進行。才知道與演員的溝通其實沒有那麼難,是演要每場戲精準的傳達,整場戲節奏再核對就好。
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# 開拓自己的路─「純十六影展」
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翁:1999 年,導演與鴻鴻、鄭文堂、魏德聖、蕭菊貞等影像創作者為了讓作品有更被看到的機會,創辦了「純十六」影展,放映的作品就包含了《3橘之戀》(1999)、《明信片》(1999)、《紅葉傳奇》(1999)等作品。想請問導演當時獨立創作者的狀態。
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魏:每創作者最大的心願就是觀眾看到他的作品,進而喜歡他的作品,尋找展示作品的管道和平台,就變成最重要的功課。創作者在初期是不會有足夠資金籌拍長片,故都從短片起家。當時也只有金穗獎短片獎,且很封閉,多半也只有在影視科族群間才有討論。我們一群人有幸拿到第一屆輔導金,驚覺在資金充足下,不論作品的品質、敘事結構都會有不同層次的提升,與為了交作業而拍出的影像成熟度完全不同。但即便如此,當時獲獎最高待遇也就是在電影資料館放映兩次,就被冰凍起來,無法重見天日。不甘如此,就跟當時六個導演一起籌畫了「純十六」影展。
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從設計海報到張貼、行銷、談戲院,租一個廳要多少錢這類的細節著手,甚至連十六釐米播放器自己搬動、保管。參展導演除了映後,還要輪班負責驗票、場務、映後遞麥克風和主持都要自己來。因宣傳做得很透,加上不同創作者的人脈都不盡相同,互相吸引各自族群,就如此炒作起來,甚至贏過當時好萊塢商業片。
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# 創作的原點─活在人間
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觀眾:長久以來一直很喜歡導演的作品,想請問導演如何與編劇合作以及主題的發想?會把自己的性格投射在其中?
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魏:因為節省經費常都是自己編導,一直到《KANO》才第一次跟別人合作,我自己的感覺是不管怎麼做,兩個創作者的生活習慣、視野是不一樣的,故就算故事完整了,最後還是必須得轉化成導演可以執行的狀態。但最重要的是要「活在人間」,想要寫劇本或拍片的人,我覺得最好是從「紀錄片」做起。我自小住在台南廟口旁,養成跟各種階級對話的能力。庶民文化才是真正生活的哲學,能跟不同樣的人溝通,語言的內容可以讓你的故事角色更有生命力,而不會變成每個角色都是你自己!
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這些經驗下來,我自己累積了一種創作故事的方式。劇本教學會教你從第一場故事大綱、人物,打下三角形,接著就進入畫面思考,反而一片空白故事無法延展。我後轉以「故事思考」開始創作,一路寫下來三萬、四萬個字都有,整個故事順過、修改成劇本格式,再大的故事都會變得很簡單。此外,不是說把個人的狀態完全投射,我會把「想要的」狀態放在其中,跟自己下棋,把角色放在自己佈的局,並適時給予打擊。我很享受這樣的創作過程!
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# 對現場創作者的鼓勵
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魏:整個電影生存環境不斷改變,平台被網路取代,我們更要去思考如何打破這個框,而不是在那個框裡面認命,更要把夢做大並精準執行,這個框就會被你擠破、並去思考如何贏得你的觀眾,創作回饋就在這邊。不論金融、商業,或是流行它不斷在更迭,唯一不變的就是人文根源,這是台灣最豐富的東西!
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你們知道Hello Kitty為什麼沒有嘴巴嗎?平常偶爾會揶揄此事,但研究員cc有了新發現。
「Hello Kitty的設計師山口裕子,刻意不為Hello Kitty加上嘴巴,是為令她永遠保持開心,不會有太多感情變化,讓「每個人見到她就能得到安慰」,這是多麼沒有自我且沉重的包袱,而且還是女性自行賦予的重擔;現在,女性的經典角色從沒有嘴巴的貓咪,變成會用自己的方式發出聲音的死金狸貓烈子了,雖然偶爾還是必須隱藏自己真實的面貌,但她終於得以怒吼。」
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