【寵物:生命只有當下,不存在於未來與過去】(4/5)
Vivi領養後的第四年,母親家裡的母狗馬爾濟斯生了兩隻小狗,因緣際會我帶回一隻幼犬,先生取名為波奇(poky)。
波奇(Poky)來的時候,僅有兩個月,可愛純真,與老狗vivi共養在同一個環境裡。
當時我是個文學創作者,整日沒日沒夜的熬夜寫,一老一小的馬爾,經常陪我熬夜,我在桌前寫稿,她們兩在桌子底下打呼睡覺加打架,打到忘我之處,相互狂吠互咬,我還居中調停。
每一次調停,我都站在保護vivi的處境,喝叱幼犬波奇,我總想著,vivi來時不多,而波奇年幼,未來還長。
每一次從外工作返家,一進家門,兩隻狗便飛撲而來,我總是先抱起與我不親的vivi,我也建議先生,vivi老了,時日也許不多,請他務必先照顧vivi的內在,優先回應老狗的需求。先生也體貼的順我建議,總是先抱抱vivi,爾後才是波奇。
波奇和vivi,像極了手足,vivi享盡了老大的優勢,全部的關心都在其身,而波奇,因為年幼,未來還漫長,我總想,等待老狗離世後,波奇還會有機會得到獨享我們擁抱的時候。
我不知道,波奇的獨享時光,在等待中被我遺失了。
波奇,在等待中,送走了vivi,卻也迎來了我的第一個孩子,三三。為了幼兒的安全,波奇慢慢的讓出了她的領地,從床上、椅子上、車上,一步步的被限制與圈盡了。慢慢的,波奇的身上開始泛出大片的皮屑,毛髮被她自己抓禿了,皮膚增厚角質化,醫生說,她的異位性皮膚炎是頑固型的,長年吃藥都無法改善。
波奇一直在等待,直到我的第三個孩子降生,我的擁抱,始終不曾降臨於她。
波奇年幼時,需得禮讓老者;波奇壯年時,需得讓位幼兒;波奇長年皮膚疾病,需得等待痊癒。於是,波奇的這一輩子,在等待中虛度了。
我這才體會與明白,生命是無法等待的,生命除了當下,不存在於過去與未來,它只有現下,錯過了就是錯過了,不會再回頭。
波奇在生命最後一年,三三八歲,她們兩的生命交會了,三三的生命彷彿照進了光,她代替了我的位置,將愛撫照在波奇的身上,擁抱她,也餵養她。每日夜晚,我和先生總熬不過三三的要求,日日帶著老狗波奇去河堤散步,三三將老狗波奇視為她的寶貝,呵護的牽著她,步履緩慢的配合著老狗的蹣跚。
那是一幅很美的畫,刻印在全家人的心上,也刻印在我腦海裡。
波奇,用她的一輩子,教會了我生命只存在於當下,而三三的介入,告訴我,未完成的期待無須等待,只要即刻的給予,愛一直都在。
#波奇在我心中是我最遺憾的狗
#還好三三及時將愛填補了波奇的等待
#每次生命的交會都是學習
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每次生命的交會都是學習 在 sodagreen official Youtube 的最佳解答
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「這是一首最能代表現在蘇打綠心聲的歌。」
sodagreen〈Tomorrow will be fine.〉 首演現場
站在舞台上,在彼此眼神交會的剎那,蘇打綠確認了這一刻已真的到來。
三年之後第一個聲響,蘇打綠把所有想對彼此說的話,想對歌迷說的話,在燈亮的那瞬間,真情流露的展現在萬人面前。沒有預告,也沒有彩排,走上舞台的那一刻,震耳欲聾的驚呼聲與應援聲劃破小巨蛋。令人凝神屏氣的舞台上,青峰用歌聲撐起馨儀感動泛淚的眼眶、團長阿福招牌笑容、家凱失守的嘴角、阿龔帥氣的轉身、還有小威自信的揮棒,每一個畫面都蘊含著飽滿情緒。攝影師跟導演們拚了命記錄這些影像,將這些無法被抹去的粒子訊號,完整刻劃出全新出發的蘇打綠首演現場。
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阿福:小威的歌曲,可能是因為信仰、或是年紀是我們最大的(誤?),總會有一種安定的力量。這幾年的休息,就像航海王的夥伴們被打飛的那兩年,大家雖然都在自己的領域上努力,但情感卻還是緊密的連接在一起。而小威總會不時跑來我工作室,聊聊近況、錄些Demo等,表面上開玩笑地訴說彼此近況,聊孩子、聊音樂,但我知道他心中總是關心著團員在幹什麼?或是想念[混]在一起的感覺。而這首歌,就在我們許久沒見的一天,出現在團員們的Email中。打開Email按下播放鍵,滿滿的情感告訴著我們彼此,一切無法用太直接的言語表達,或許就把想說的話,寫在歌曲裡面。[Tomorrow will be fine.],不僅對團員訴說,也對那些等待、以及相信我們會重聚在一起的朋友們,許下堅定的承諾。
馨儀:常常在網路上看到大家一直在倒數在盼著蘇打綠,自己都沒什麼情緒,只覺得時間過得真快啊!
其實隔了三年再度與自己團員練起團時,我有一瞬間,不小心整個眼眶都是淚了,一種熟悉又有點陌生的感覺,在我們一起演奏的音樂裡。
我想有可能大部分的人會跟我有一樣的感覺,大家慢慢在長大,我們也是,但我們還是我們,我只想說,蘇打綠一直都在。
青峰:因為還能用音樂與那些我們想念的聽眾對話,可以用音樂讓我們六個人對自己說話,也因此,所有事情,我們都可以相信:Tomorrow will be fine.
這是一首安慰我們自己、鼓勵我們自己的歌,也因此,它是一首,可以屬於任何需要鼓勵的人的歌。
家凱:期待能鼓舞大家,也激勵自己,不論多艱難或多漫長,我們會繼續下去,明天會更好的概念。
阿龔:這次共同工作前,團員們各做了幾種的編曲,表達對這首歌曲的想法。我也做了一種版本。反覆聆聽之際,我最喜歡「我最盼望有一雙翅膀」這句。擁有一雙翅膀、恣意飛行,我總有不少白日夢想像,在翱翔之前,必須先有自由的心境,才能自由馳騁。
小威:這首歌,寫的是一份盼望。休團三年,對我來說,是一段生命中的轉折,是休息,也是重新審視自己的時候,停下腳步,看看自己的過去,想想自己的未來,凝聚能量,重新出發。學友哥的CLASSIC演唱會中,讓我印象最深刻的一句話,是他自己寫的一句日記:「在我最飛黃騰達的時候,才發現我兩手空空。」我無法形容看到這句話的那個當下,心裡的震撼與共鳴,「是啊,當我以為自己成就了什麼的時候,其實我到底得到了什麼?」這三年,我從生活中的每一件小事開始找回自己最重視的是什麼,開始了解自己是一個什麼樣的人,學習面對自己的缺點,也接受自己的缺點,不再糾結於自己無法掌控的人事物上面。這條路,越走越覺得漫長,卻也同時享受著這一點一滴的改變。總是很容易在心裡為自己為別人預設很多立場,也同時在心裡矗立了許多高牆,不讓人跨越,也常常不讓自己跨越。有一天夜裡,我突然想通了,Don’t worry about things you can’t control. 做自己力所能及的就好,不要為明天憂慮,因為明天自有明天的憂慮;一天的難處一天當就夠了。這些話,就像一道亮光,穿過了我烏雲密佈的煩惱,成為我繼續挑戰自己的力量,於是我開始相信:Tomorrow will be fine.
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Tomorrow will be fine.
詞曲:史俊威
這條路 好漫長 時光逼著我們長大
好多話 不能講 只有把酒言歡地藏
這世界 說大不大
一生能有多少的失望
一人能裝多少的希望
我最盼望有一雙翅膀
能夠帶我飛離這城牆 讓我們 都一樣
停不了對夢想的渴望
那就放膽一搏再去闖一闖
Tomorrow will be fine.
Tomorrow I’ll be fine.
Tomorrow we’ll be fine.
黑夜裡 的亮光 放在心裡自問自答
對不起 我好傻 並不只是一句氣話
再一起 地老天荒
一生能有多少個願望
我最盼望有一雙翅膀
能夠帶我飛離這城牆 讓我們 都一樣
停不了對夢想的渴望
那就放膽一搏再去闖一闖
Tomorrow will be fine.
Tomorrow I’ll be fine.
Tomorrow we’ll be fine.
穿過雲間的光照在人間
這是我們宣告的信念
我最盼望有一雙翅膀
能夠帶我飛離這城牆 讓我們 都一樣
停不了對夢想的渴望
那就放膽一搏再去闖一闖
Tomorrow will be fine.
Tomorrow I’ll be fine.
Tomorrow we’ll be fine.
#蘇打綠 #sodagreen #tomorrowwillbefine
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製作人 Producer : 徐千秀 Chien-Hsiu Hsu
編曲 Arrangement : 蘇打綠 sodagreen
演唱 All Instruments and Vocals : 蘇打綠 sodagreen
録音師 Recording Engineer : 單為明 Link Shan @ Lights Up Studio
錄音助理 Recording Assistant : 于世政 Shih-Cheng Yu@Lights Up Studio
混音師 Mixing Engineer : 柯宗佑 Eugene Ke@菲蒂蔻娜錄音室 Fatty Corner Studio
母帶後期製作工程師 Mastering Engineer : Ted Jensen@Sterling Sound
詞/曲 Compose / Lyrics : 史俊威 Chun-Wei Shih
導演 Director : 8ID STUDIO
發行 Publish : 環球唱片 Universal Music Taiwan Ltd.
每次生命的交會都是學習 在 山水畫家的藝術Taiwan Artist World Youtube 的最讚貼文
#水墨#梁震眀#水墨畫家
鄰近靳珩公園,位於立霧溪與魯丹溪交會處的印第安酋長石,是花蓮太魯閣國家公園相當著名的地質景觀,因視角的錯覺,組構出有如人臉造型的奇石群,矗立在溪畔上,讓人忍不住想多看一眼,好見識這巧奪天工般的自然奇觀。
如何將所畫題材營造出有如太魯閣峽谷那般的視覺強度?藉由台灣各地搜羅的奇石圖像,以小觀大,用貼近藝術的手法,假像虛構的方式,將其搬到近雲山巔處,當想像的連結空間變大,方寸之間的畫面也就有更為大器的可能。
【實景‧虛境‧真山水 梁震明的墨色台灣】 國立成功大學歷史系所美術史教授 蕭瓊瑞
梁震明的細筆山水,是戰後台灣水墨現代化運動中,從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。
1971年次的梁震明,並未經歷台灣1960年代的抽象水墨風潮,也未能得見1970年代的鄉土運動,在他稍稍懂事的年代,台灣已經進入1980年代的美術館時代,而在裝置、數位,乃至行動多元蹦發的90年代,他卻獨獨選擇了以看似最為傳統的毛筆水墨,作為創作的工具和媒材;這似乎和他作為「外省第二代」、且出生成長於被視為具有濃厚「眷村」特質的高雄岡山,有著一定的關聯,而在學校擔任工友、獨身撫養三個小孩的父親,更是引導、支撐他孤獨奮鬥、精勵上進的重要支柱與力量。
國小畢業,在韓永、李春祈等老師的啟蒙下學習水墨畫,一路從國中美術班、高中美術班,在1991年考入校區仍在蘆州的國立藝術學院(今國立台北藝術大學)美術系,師事李義弘(1941-)與林章湖(1955-),也正式展開了他水墨繪畫的探研之旅。
1993年,他以碎筆萬點的手法,表現台北草山、九份地方的芒草,呈顯一種荒蕪與孤獨的美感,開始了他「水墨台灣」的系列創作,也引起了眾人的注目。1994年,他除了獲得該系系展水墨組第一名的成績,同時也獲得了馬壽華獎學金,及張穀年獎學金第一名;隔年(1995),再獲張穀年獎學金第一名,及劉延濤獎學金第一名,這些傳統水墨畫家的獎學金頒給,在在肯定了梁震明在傳統水墨方面的用心與成果。不過,如果更深入地考察梁震明在這段學習過程的面向,便可以發現他自我要求的廣度與深度,包括在中國美術史、佛教史、器物史,及日本膠彩畫的多方學習;1996年,更獲得慈濟藝術類美術理論組的獎學金。
這一切的努力與成績,反映了這位年輕的水墨研習者,顯然不願拘限於傳統水墨的窠臼,意圖尋找出另一條更為寬廣而深入的路徑。他曾說:「倘若我們將水墨視為單純的一種材質,那麼其屬性是否該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知,經常來自傳統的規範,而較少本我的分析、推理與判斷。當我們對眼前的任何事都視為理所當然的時候,缺乏進一步的思辨,就會矇蔽自我的智慧,如果僅是相信前人的體略,卻沒有去思索其背後所隱藏的道理,蕭規曹隨般的跟隨其步伐,必然無法超越他們的成就,提出更有開創性的見解。」
在大學時期全方位的學習,以及短暫的中學教職後,1999年,梁震明重回母校,進入美術創作研究所進修,並在李義弘老師的指導下,展開「墨與黑」的材料研究,完成〈墨與黑的創作思辨〉碩士論文。
這個階段的研究,從材料學的角度出發,梁震明徹底地分析了中國水墨的墨色與西方繪畫顏料中的黑色,兩者間的不同。除了材料屬性上,墨所含的碳粒較細,色調固定,黑則較粗,亦會因成分不同而有不同的色調變化;更指出:在前人的使用觀念上,墨是重寫,黑則是畫,因此,在東方的藝術發展中,才發展出「書畫同源」的概念。(註1)
這種看似純粹材料學的研究角度,其實正是梁震明徹底掌握創作材料,同時也為自我畫類定位的一種深沈反省;因此,他說:「墨屬於廣義的黑色顏料,無論作品中是否用墨,現今的情況下依然會被視為水墨畫,如果創作者未曾提示的話,況且『近墨者黑』,所以也無所謂畫類定位的問題;而畫類的定位,只是方便溝通的一種狹隘界定,而這種界定不盡然等於創作者認知的界定,唯有模糊或是衝撞這種材料界定,才能獲得無限的可能。」(註2)
又說:「水墨的傳統是一種時空背景下逐漸發展而成的,但如何讓充滿西式視覺經驗的當下觀眾,重新認識水墨的當代價值,這樣的採用,正是覺醒下的選擇。」(註3)
2002年,他就以「墨與黑的創作思辨」為題,推出研究所畢業展於台北羲之堂。那些綿密素樸的墨
點,烘染出層次豐富、形式多變的台灣山脈、岩石,擺脫中國古老的山水意象,直接從台灣的自然切入,那是親眼所見、心中有感,沈澱為生命情緒的一部份。而畫面豐富的層次,正是他研究所時期媒材研究的具體成果,為了對各種知名古墨的掌握,他曾走訪中國蘇州姜思序堂、周庄、上海、 _杭州、安徽歙縣胡開文墨廠及黃山等地,更自製各種不同材料的墨條,包括:石榴、檳榔心、杜仲皮、燈草、桐油……等,逐一試用,甚至製成色票,相互比對。
研究所的畢業展,也引發了藝評界的注目,以「層層染點.古墨新研的樸實路線」(註4)來形容他。
梁震明,畫如其人,人如其畫,那種樸實、綿密的風格,也展現在他為學求藝的生活態度上。研究所畢業後,在原有論文的基礎上,全力深入、持續探研。2003年,他又完成並發表〈日製液態墨的材質特性及使用方法之研究〉一文(註5),這是將當時台灣市售的33種日製液態墨進行試用及比較,得出多點特性,並發現指出:日本廠商所製的液態墨,主要是適合日本書畫界的創作觀點而生產的;因此,使用者的認知與選擇,才是主導這些墨品材質特性的關鍵因素。
歷經五年的研究、整理與擴展,終於完成《墨色的真相》一書,由國立編譯館補助出版。其中涵蓋的主題,包括:歷代畫家使用墨與黑及相關材料之種類說明、墨與黑之相關著作介紹、固態墨、液態墨及黑色顏料的製作工序及流程比較、中國歷代製作固態墨的流程分析與介紹、歷代文獻關於墨與黑之製作流程及概念的探討、歷代畫家使用墨與黑之方式及邏輯的比較、材質特性與使用方法及概念之關係研究等。《墨色的真相》可說是當代畫壇在材料研究上最具典範性的成果。
梁震明是以學術研究的態度面對創作,一如民初畫家黃賓虹的耗費巨大精力整理歷代畫論,彙編成《歷代畫論叢書》,也增美自我的創作。
梁震明的研究精神也展現在他獲得國藝會補助、與廣興紙寮合作撰成的〈中性紙材開發與成效研究〉(2005),及走訪全台三百多座廟宇,拍攝近萬張照片的「台灣寺廟龍柱造型之研究」(2006-2010);後者於2010年,由國立編譯館補助出版。
回到創作本身,2002年北藝研究所畢業後的這段時間,顯然是一個重整、深入整備的階段。2004年任教台中僑光技術學院,往返途中,經常前往苗栗後龍外埔拍攝海邊石滬;而在一個偶然機緣下,更接下了全台茶山之旅的拍攝工作,走遍了梅山龍眼林、鹿谷大崙山、大禹嶺、梨山,和嘉義石桌等地,對台灣的山林有了更深入的觀察、感受與瞭解。
事實上,2001年春天,梁震明就有機會首登大陸黃山,這是多少水墨畫家歌詠描繪的聖山,古松、奇峰、雲霧……,自然也給予梁震明極大的震撼,但他說:「雖有千景可選、奇石可畫,但無法長居,總有著霧裡看花難以動筆的感覺。」
2007年,梁震明轉任國立台南藝術大學藝術史系教職,也將生活重心轉回創作本身。2009年的「黑色的覺醒」個展,正是這個階段創作的一次總結。〈綠草黑世界〉(1995-2009)、〈黑葉下的台南孔廟〉(2008)、〈黃昏下的黑山〉(2009)、〈聳立在一片山巒的黑岩〉(2009),都是這次展出的幾件重要作品;在較為逼近的構圖取景中,呈顯樹葉、草叢、山岩、雲氣的豐美質感。這是梁震明在大量的照片分析下,捕捉現場的感受,以格物致情的方式所逼視出來的一種幽情,純粹畫景,空無一人,帶著一份深沈的孤寂與寧靜。
2010年,長期以來的精神支柱,父親病逝於高雄榮總,讓梁震明對生命有了新的體悟。經歷一段「無名虛相」的抽象水墨山水創作,撫平了失怙的心靈創傷;2012年的「海景」系列,重新回到細筆寫實水墨的路向,但畫面大為開朗,甚至加入了較多的色彩運用。
原來自2008年以來,梁震明便被澎湖特殊的自然景緻所吸引,節理分明的玄武岩,加上海天一色的開闊氣象、孤立海隅的小島、白色的沙灘…….;此後,他多次前往澎湖探訪,走遍七美、望安、桶盤,及目斗嶼、姑婆嶼……這些南北列島,也重訪宜蘭頭城、龜山島、屏東墾丁、旭海,及貢寮龍洞、南澳粉鳥林,和台中梧棲高美溼地,更不必提及自學生時代就經常和師長前往的北海岸淡水、石門麟山鼻、老梅等地。此外,也前往日本沖繩座間味島、古宇利島、瀨底島及石垣等地,比較不同文化下的自然景觀。
梁震明的創作取景,完全是以一種幾近物象學研究的科學手法,現場寫生不是他的創作形態,部份的速寫只在記錄某些必要的重點。遍遊這些景點,甚至重複多次的前往,主要是在收集相關的圖像和豐富自我的體驗,景色的記錄則以攝影取代,每次的前往,都經事先周詳的規劃,即使是相同的地點,也會有不同的路線和時段,因此景緻總是不同,或是晴、陰、冬、夏,或是晨起、夕歸,或是徒步、搭船,甚至動用空拍機等。梁震明的創作,帶著高度學術研究的心情,雖寫實景,但回到畫室,則是進行周密的草稿模擬及意象推演,反覆推敲,不斷思辨,務求達於虛凌、超越的意境。
2011年及12年的「海景意象」展,梁震明在以往以墨色為主體的畫面中,加入大片的色彩,這些色彩帶著稍顯誇張、鮮艷的高彩度,反而呈現了某種夢幻的意境;某些作品甚至直接以金色表出,或是紙張的金,或是顏料的金,但當轉化成物象的金,反而虛幻成視覺情感的金,那是一種純粹心象的金,實景、虛境,才是梁震明心中追求的真山水。
2014年展開的「千岩萬語」系列,回到山岩海石的細部描繪,積細成多,氣象浩瀚,以千岩寄寓萬語,是藝術家應物抒懷的本心,部份畫面加入細線的方格分割,益增非實境的畫面效果。
2015、16年的近作,在尺幅上更為開闊,他辭 _教職,專職創作,畫面的細筆寫石(寫實),幾如僧人的抄經,一筆一念、一劃一覺,梁震明的作品,也因此呈顯接近宗教般的凝定與寧靜。
中國近千年的水墨繪事,在近代而有「學」「藝」分途的隱憂,但在梁震明的身上,我們喜見高度學術研究的精神,如何貫穿、滲透在他的創作之中。戰後1960年代啟動「現代水墨」運動,曾以「革中鋒的命」的自動性技法,翻轉民初或日治以來,以寫實「改革」寫意的路徑,開展出一片暢意淋漓的抽象風潮,中經幾近照相寫實的鄉土水墨,落入寫景不寫情的機械操作。1970年代出生的梁震明,從台灣制式的學院體制中,一路走來,在深沈、穩健的學術操作中,重建了古典水墨的結構與質地,卻同時展現了現代宏觀與微觀兼具、客觀寫實與主觀虛境並呈的絕妙視野,堅實、蒼茫中,透露著一股孤獨、傲然的真氣。那是梁震明特有的墨色台灣、現代山水,隱隱承續著自余承堯(1898-1993 )、夏一夫(1925-2016)一路以降的密實水墨傳統,也是李義弘開創的材料學與物象學研究最耀眼的傳人。
註釋:
1 梁震明〈黑色的覺醒――梁震明創作自述〉,《藝術收藏+設計》25期,頁132,台北:藝術家出版社,2009。10。
2 同上註,頁133。
3 同上註。
4 參見黃寶萍〈梁震明:層層染點.古墨新研的樸實路線〉,《藝術家》326期,頁236-239,台北:藝術家出版社,2002.7。
5 收入《中國水墨藝術之回顧與前瞻:2003研究生學術研討會論文集》,頁172-183。
【梁震明簡歷】
國立台北藝術大學美術創作研究所畢業。
曾任國立台南藝術大學藝術史系及東海大學美術學系講師。
個展12次,國內外聯展30餘次。
作品曾在香港蘇富比、羅芙奧及沐春堂拍賣成交。
著作「墨色的真相」與「台灣寺廟龍柱造型之研究」獲國立編譯館出版刊行。
現為羲之堂代理之專職水墨畫家。
梁震明臉書粉絲頁:https://www.facebook.com/inkliang/
梁震明痞客邦:http://tom20030208.pixnet.net/blog
梁震明IG:https://www.instagram.com/liang_chenming_art/
每次生命的交會都是學習 在 1 IMAGE ART 一影像 Youtube 的最佳貼文
讀哲學系出身的郭定原,想要將哲學影像化,透過視覺更直接地表達各種關於人生的思考,從1997年開始便展開長期的影像探索之路,以心象風景攝影為主,經年累月都在各式自然地理環境踽行,將內在主觀、思維與風景作結合。
歷經久遠獨自創作、有若苦行僧般來往天地的生涯,包含《窮極》、《蒼茫》、《淡漠》到最後的《雪》等系列,因為不被主流與市場接受,郭定原感覺無比挫敗,也產生強烈的自我懷疑,究竟創作是否有價值,種種凡此。
將視野從大自然轉向城市空景,進行《空寂》系列創作的郭定原,於2016、2017間倍感惶惑不安。而後,郭定原偶然看了《菲利普葛拉斯12樂章》紀錄片,受極限音樂大師葛拉斯開計程車的啟發,動念要開計程車。同時,這個計程車計畫,又因總是將每一次創作定一年之期的行為藝術家謝德慶的影響,郭定原也將之訂為一年。
郭定原一邊融合計程車元素與城市風景,進行《空寂》系列的拍攝,一邊也展開名為《計時人生》的散文寫作。這一年以來,他以為風景攝影師與計程車司機有同有異,相似的地方在於機緣與專業,同樣都不知道會遇到什麼狀況,必須出門到現場才曉得今天會有什麼樣的乘客或風景,專業的部分則是在技術層面上必須有所浸淫。郭定原認為,攝影與開車同樣都是技術,並不存在優劣高下。
但郭定原也意識到自己不是真正的計程車司機,他沒有完全投入其中,他終究是一名攝影師。車內的空間,宛如觀察的場域,各種各樣的乘客就像是風景,讓郭定原短暫與他者生命有交會,也讓他更接近現實,離開先前創作自我封閉狀態。
他明白到,乘客們都是普通人,在車上不會有大喜大悲的戲劇化畫面,會發生的,都是一些再日常不過的生活場景,而每個人都在努力地生活,用心想要過好每一天。這對郭定原來說,是最驚奇的體驗,像是發現了人生的另外一面。
小檔案
郭定原,1967年生,東海大學哲學系畢業,大學畢業後1996至紐約進修遊歷一年期間開始學習攝影。1999年起擔任攝影家柯錫杰之特別助理。2002年至北京中央電影學院就讀平面攝影碩士。
其攝影創作以心象風景題材為主,2018年起結合了一年餘的計程車職業生涯在城市中進行《空寂》系列攝影創作。攝影家柯錫杰稱郭定原的攝影「跳脫了具體的風景紀錄,呈現出精神形式的意境」,導演蔡明亮稱郭定原的攝影「藉具象來表現心象,似乎可一眼看盡卻又隱含需再三玩味的禪機」。
主要個展紀錄有1997 《逮捕紐約》、2001 《窮極》、2002 《蒼茫》、2012 《淡漠》、2013 《景外之景》、2014 《海》、2015 《雪》、2016 《空寂》。攝影著作2001《窮極》、2002《47瞬間》、2012《淡漠》、2015 《雪》。
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