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同時也有63部Youtube影片，追蹤數超過907的網紅典藏ARTouch，也在其Youtube影片中提到，#秦松，1932年出生於安徽省，父親為秦嶺，為書法家與詩人。1948年，秦嶺從安徽到南京學畫，受到現代繪畫的吸引，然隔年因戰爭失學，從軍後隨國民政府到台灣。1960年，在歷史博物館展出作品《#春燈》（一說《#春望》）遭到政戰學校師生指當中有倒寫的「#蔣」字，是汙蔑元首，遭到歷史博物館取下查扣，創作生...
現代藝術家人物 在 Ming's Facebook 的最佳解答
｜NEWS｜當下的現代藝術家都有一個共同點，就是將作品商品化，推出 FIGURE 以及服裝系列。當中尤其以 UNIQLO 的 UT 系列最廣為人知，今次就找來了美國最具影響力之一的當代藝術家 JEFF KOONS 合作，將他最著名的 BALLON DOG 等作品融中設計中。
內文：https://bit.ly/3tVVS7G
#MINGS #MINGSHK #UNIQLO #JEFFKOONS #FASHION
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現代藝術家人物 在 Mʀ.Mᴀʀᴋᴇʀ. 麥克筆先生 Facebook 的最佳解答
生者與死者，全然無動於衷
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#達米恩赫斯特的藝術作品 #鯊魚 #專欄
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1992年，此時倫敦的薩奇美術館正舉辦著青年藝術家節的作品，其中所展示的一個裝置藝術，隨即引起了眾多觀眾群的哄動。
在一個玻璃櫃中，竟然有一條長4.2公尺，被切成三等份的鼬鯊，浸泡在被水稀釋的甲醛溶液裡。
這個前所未見的作品名為《生者對死者無動於衷》，是英國藝術家達米恩·赫斯特（Damien Hirst）最具知名度的作品，並直面帶給觀眾「死亡」的震撼，除了令觀眾開始探討生命在生與死的主軸外，在當代藝術具有非常重大的價值。
不過，此作品日後卻取得相當兩極的評價，並引發一場長年間的巨大爭論。
至於該作品誕生的根因，則要讓我們先追溯其背景時代講起：
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20世紀末期是諸多現代藝術崛起的年代，雖然保育觀念尚未全面盛行，但是已經出現提倡多元議題等國際時事的趨勢，此外在各項領域中的『後概念』藝術也極度發展，並影響了各國青年藝術家的發展，其中也包含了YBAs，他們是來自英國、1988年成立的視覺藝術家團體。
YBAs的成員們皆來自倫敦大學金匠學院與皇家藝術學院，除了赫斯特外，還包含翠西·艾敏（Tracey Emin）、安雅·加拉喬（Anya Gallaccio）、查普曼兄弟（Jake and Dinos Chapman）等人。他們所提倡的概念為「震撼戰術」，希望能藉由大膽和荒誕的畫面刺激觀眾的感官，引發的潮流也振興了在倫敦等地的當代商業畫廊，令世人開始重視這些新興的藝術家。
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赫斯特早年有著不順遂的人生，也曾一度沉迷於毒品與酒精過，然而憑藉著對藝術的執著與見解，他後將過去的求學經驗、在太平間兼職的工作經歷、對於病理學的喜愛轉化成作品的媒介
也開始大膽使用動物、昆蟲等生物，將其屍體浸泡在甲醛溶液製作成作品。
1991年，赫斯特因認為鯊魚帶有「強大得令人生畏」的氣場，聘請了一名澳洲漁民從赫維灣捕捉一條鼬鯊，耗資約6000英鎊製作《生死》這個作品。
想當然，這種將「生命體藝術化」的表現，特別以動物的特徵訴諸令人不安的意象；除了擺脫藝術原有的形式框架，更拓寬了當代藝術原有的定義，邁向更前衛的體制突破。
評論界對《生死》思想的隱喻充滿著盛譽，也令赫斯特成就在日後奠定了基礎，更在1995年的英國當代藝術大獎榮獲了特納獎。
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隨著赫斯特後續製作的一系列作品，包含以兩隻乳牛做成的《母子分離》一顆牛頭構成的《腓力》等，雖觀眾接受的價值觀亦比過往提升不少，然而各界的撻伐卻依然未有停止的狀況
包含部分評論家、動物權益組織、人道團隊等，也對赫斯特的作品抱持的負面評論。
反對者的主張認為：
•「赫斯特以不友善的方式『殺害稀有的鯊魚』作為藝術品，除了踐踏生物且忽視保育觀念，該作品甚至含有非常濃厚的商業操作，因此《生死》的評價實為過譽。」
更具爭議的事，隨著時間日復一日的流逝，《生死》的作品也漸漸損壞，其中甲醛的變質使鯊魚身體開始有腐爛的跡象，最終赫斯特於2006年更換一條從昆士蘭海岸附近被捕的鯊魚。
對於多次修繕與各界的議紛，赫斯特則認為鯊魚的腐爛：「是死亡與腐朽的過程。」
並進一步表示：「作為一個概念藝術家，我覺得作品仍舊是想表達出同樣的含意和價值。」
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2004年，《生死》以1200萬美元的價格賣出，是至今當代藝術第二昂貴的成交品。
如同多數藝術家一樣，赫斯特本身就是一位具有爭議行為的人物，也曾多次抄襲而受到質疑，其龐大的影響力到至今也影響著此刻他的人生，同時也有嘗試做出其他不同調性的藝術品，如以日常素材構成的《對逃亡的後天無能》。
至於探討本有其存在價值的「生命」本身，在赫斯特透過藝術品的型式擺佈，到漸漸消逝的關鍵問題似乎也還是未解。
對於您本身的話，對於《生死》的感觸又會是如何呢？
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#話說明天大學開學我真的好害怕未來會過度忙碌課業而人間蒸發
#每次看到喜歡的畫師因課業因素突然消失就好難過
#留言收本次參考資料和赫斯特其他的作品
現代藝術家人物 在 典藏ARTouch Youtube 的最讚貼文
#秦松，1932年出生於安徽省，父親為秦嶺，為書法家與詩人。1948年，秦嶺從安徽到南京學畫，受到現代繪畫的吸引，然隔年因戰爭失學，從軍後隨國民政府到台灣。1960年，在歷史博物館展出作品《#春燈》（一說《#春望》）遭到政戰學校師生指當中有倒寫的「#蔣」字，是汙蔑元首，遭到歷史博物館取下查扣，創作生涯因此遭到重挫。
出品 Presented by｜典藏ARTouch
企劃 Director｜李孟學Li Meng-Hsueh、張玉音 Chang Yu-Yin
執行導演 Executive Director｜王士源 Wang Shih-Yuan
製片 Producer｜蔡念栩 Tsai Nien-Hsu
腳本 Script｜李孟學Li Meng-Hsueh
分鏡 Story Board｜劉禮瑜 Liu Li-Yu
美術設計 Art｜陳美如 Chen Mei-Ju
動態設計 Motion Design｜陳美如 Chen Mei-Ju
🔻V-Touch藝術史系列介紹：
V-Touch除了展覽、人物、訪談影音單元以外，在波瀾壯闊的台灣藝術史系列中，將用一分鐘講述一件藝術家的 #關鍵人生故事，講述你不知道的藝術家背景，透過影音動畫為媒介，帶領讀者更靠近 #台灣藝術史。
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《塵與時：從宇宙到居所》是由英國策展人、知名影像研究學者大衛．卡帕尼（David Campany）所策劃，展覽從一張曼．雷（Man Ray）所拍攝的神祕灰塵照片出發，探索過去一世紀以來攝影與藝術之間錯綜複雜的關係，並且從人類文明發展與「小至居所、大至宇宙」的空間尺度，思考「塵」的各種隱喻，以及這些隱喻如何在攝影及視覺藝術的表現之中被探討及呈現。
國家攝影文化中心臺北館展出的66組作品，以曼．雷這張神祕灰塵照片的一生（或說它的身分之謎）為主軸，廣納二十世紀前半段的航空偵測照、新聞照、明信片、前衛藝文刊物，以及二戰後至1960、70年代西方觀念藝術的影像呈現、繪畫與攝影交互辯證的作品，還有現代戰爭與災後的影像。展覽當中較為近期的作品，則多以當代藝術的觀點與創作方法，詮釋如今更為迫切的人類命題，或直指攝影行為與影像技術的重大轉變。
除了曼．雷和杜象（Marcel Duchamp）兩位藝術史上的大師外，《塵與時》展出多位攝影史上的重要人物與其代表作品，如渥克．艾凡斯（Walker Evans）於美國黑色風暴時期拍攝的中西部乾旱地景、東松照明拍攝核彈爆發後的日本景觀。愛德華．盧歇（Edward Ruscha）和約翰．迪佛拉（John Divola）則是把攝影帶入藝術行為的範疇。蘇菲．希斯黛雨貝（Sophie Ristelhueber）向「灰塵照」致敬的科威特沙漠空照圖，揭示了1990年代後戰爭影像由「現場」轉為其「後果」與「殘跡」的開端。錄像藝術家柯克．帕爾默（Kirk Palmer）與法國名導亞倫．雷奈（Alain Resnais）分別以詩意影像呈現戰後創傷絮語。展覽也不乏年輕攝影家的近期作品，如哈維爾．里巴斯（Xavier Ribas）、露易絲．奧茲（Louise Oates）探索政治經濟影響下自然與人文地景的變化，或是伊娃．史坦隆（Eva Stenram）模擬灰塵滋生過程所改造的火星地表照片，將微觀與巨觀視角交錯並置之作。
英國知名現代詩人艾略特（T.S. Eliot）在灰塵照曝光的同一年發表其著名的詩作《荒原》，反映第一次世界大戰後現代人的普遍心境，其中一行詩句即為展覽名稱的來源：「我要在一掬塵土裡讓你看見恐懼」（“I will show you fear in a handful of dust.”）。從拍攝的角度來看，曼．雷的照片貌似第一次世界大戰的航空偵測照，最初刊登時的圖說就是「從飛機望出去的視野」，望下去是未知、遙遠，卻暴露在視線之內的一片大地。策展人卡帕尼發現了這之中的關鍵：二十世紀漸趨普及的攝影術不僅記錄，也同時預言人類文明的進步與毀滅。於是他提出了一個發人深省的問題:「這張許久之前拍攝的奇怪照片，是否能憑藉它所涉及的一切複雜面向，標示著『現代』的開端？我們又是否能從灰塵的角度拼湊出一段歷史？」
攝影／余志偉
剪輯／余志偉
■完整報導：https://www.twreporter.org/a/photo-the-national-center-of-photography-and-images-exhibition-1
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#報導者 #看看攝影
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「我覺得在處理展覽或是作品上，不會急著那麼的強顯，開始會有自己一個方法， 去面對展覽或是做作品的方式。」—— #周育正
「在《九條線》這個展覽，我就突然覺得不要再講這麼多話，所以發現造型物、單純的造型物，會是一個解決的方法，因為它還是可以有語言的性質。」—— #楊季涓
邁入45歲藝術生涯的階段，周育正從早期創作作品收支難以平衡的階段，再到40歲左右在創作狀態逐漸取得收支平衡的狀態，以及到45歲在畫廊市場與學術兩端都獲得極大的肯定，他回顧從《很膚淺》、《東亞照明》到最近期的《刷新、犧牲、新衛生、傳染、清新、機器人、空氣、家政、潔客幫、香煙、戴森、現代人。三》三階段，來談藝術創作系列如何流轉於美術館、替代空間、雙年展、藝博會不同的體制間。以及透過並置關鍵字構成計劃或作品名稱，以「造型語彙」及「造型方法」刷新創作元素中身分與物件間的關係。他將作品計畫和商業畫廊作品間相互交疊的關係，發展出一套獨特的應對機制與判斷標準。
敘事與擬人是楊季涓創作的重點，從《PLASTONKI》、《短篇集：石子臺》、《九條線》到《那些妳曾說過的事》，她創作逐步簡化過於明確的敘事，而是回歸到物質與物件的生產，即便僅以物件仍不斷觸發觀者從感官與記憶回應物件作品提供的情境。貫穿楊季涓創作的始終是私人經驗與記憶，其作品的細膩質感，探索人與人、地點、物件及事件間的種種關係。她將素描、情境式、裝置及聲音等不同媒材的作品，串聯起一系列與事物連結相關的敘事。 數年前，周育正與楊季涓搬遷至 #永和工作室 的現址，二人將此全面改造為工作與生活場域。空間中從生活選物、對於設計風格家具的興趣，凸顯二人的品味與生活方式，而這也潛移默化地影響著創作與生活狀態。
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出品 Presented by｜典藏ARTouch
企劃 Director｜張玉音 Chang Yu-Yin、鄧韻琴Sapphire Deng
翻譯 Translator｜趙士雄 Joey Chao
攝影 Photographer｜王士源 Wang Shih-Yuan、蘇家弘 Su Chia-Hung
製片 Producer｜陳昕妤 Chen Hsin-Yu
剪輯 Editor｜王士源 Wang Shih-Yuan
剪輯助理 Assistant Editor｜蔡念栩 Tsai Nien-Hsu、劉禮瑜 Liu Li-Yu、陳美如 Chen Mei-Ju
調光 Colorist｜王士源 Wang Shih-Yuan
混音 Re-Recording Mixer｜鄭曉駿 Cheng Hsiao-Chun
特別感謝 Special Thanks｜周育正Chou Yu-Cheng、楊季涓 Yang Chi-Chuan、馬凌畫廊 Edouard Malingue Gallery、TKG+
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🔸〈「繞道而行」展：望向藝術界的後學運世代與創作離心力〉：https://bit.ly/2P8lvSF
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