#免費線上影音
英國兒童文學改編成舞台劇
打破傳統舞台表演形式
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The Railway Children
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The Railway Children 是 Edith Nesbit 1906年所出版的兒童文學小說,最初是1905年刊載在The London Magazine,隔年才出版成書,台灣也有出版社翻譯成中文版。
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故事是以三個孩子Peter, Roberta 以及 Phyllis 的視角來看這個社會,他們的父親因為冤獄而被帶走,母親被迫把他們從倫敦帶往約郡的 Haworth 居住。
他們居住在鐵道旁,都會搭早上9點45分的火車到倫敦。故事就在他們三個孩子面對生活、面對他們所預見的人們,一直到最後父親終於回來。
可以說是充滿歡笑淚水與感人意涵的小說故事,很適合大人與小孩一同觀賞。
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#舞台劇製作
這百年來,曾被多次改編成為影視作品,最有名且代表性是在1970年拍攝的電影版。
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此次免費播映的舞台劇版,最初是由約克皇家劇院與英國國家鐵路博物館合作,在約克的鐵路博物館特別搭建臨時空間。約克的演出大受好評之後,又到多倫多以及倫敦國王十字劇院演出,最後又再次回到約克的鐵路博物館。
本劇拍攝的這個舞台劇版本,最特別的是劇中的火車,就是真實當年拍攝1970年電影版的火車,這個建造於19世紀末期,鐵路時代的特色火車,直接開進觀眾席中央
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本劇的表演形式也打破過去習慣的鏡框式舞台,觀眾並不是坐在觀眾席,共同面對舞台。
此次的舞台設計是把觀眾席放在表演的兩側,中間是一條鐵路鐵軌,觀眾就像是坐在鐵軌兩側的月台視野
中間凹陷下去的鐵路,就真實有火車會開進來,在沒有火車的時候,又會有活動式舞台被推入,形成與觀眾席平行的舞台,劃分不同的劇情時空
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這樣的演出,讓觀眾看了事非常有臨場感。
尤其小說的故事場景就在約克郡的鐵道旁,因此特別在約克的鐵路博物館演出更是別具意義,而且非常符合故事的場景,會讓人真的誤以為就生活在故事當中的模樣。
把骨董火車再次駛進劇場,更是可稱作英國眾多舞台劇當中,最具歷史意義且非常重量級的舞台道具
觀眾就像是跟著劇中的三個孩子一起生活、一起呼吸、一起經歷他們的人生
把小說的世界,真實呈現在觀眾面前,也是這部舞台劇吸引人的地方
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因為這是兒童文學,很適合每個人觀賞,並不會太難看懂,大人也很適合觀賞。
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#期間限定
免費觀賞期限只有 48小時
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第一次感受到栢優座魅力震撼時,是2013年的《獨、角、戲-吉嶽切》,當時就立刻被這個前無古人、後無來者,在中西劇場遊走碰撞,宇宙爆炸無敵有才華的許老闆收服了。(咦 竟然告白了)
後來,沒想到我也成為了栢優座的演員。
從《獨、角、戲-吉嶽切》的前台到《後台真煩看》的字幕,再到《惡虎青年Z》正式開始參與演出栢優座的戲,每一次都為老闆劇本內要傳達的訊息以及同時兼顧舞台上戲曲表演藝術的賞玩性深深折服,真的是咫尺方圓地,道盡古今千古中外事,劇本上,打破線性敘事以及統一時空的傳統戲曲結構,表演上,每每在排練場看許老闆手到捻來般的把戲曲程式內化到戲劇裡都會被帥哭,這樣內外兼具的創作形式,讓南島系列作品每次都開出不一樣的火花。
謝謝相遇、相知、相惜
我愛栢優座
歡迎來感受栢優宇宙的魅力
也來看方方演出啊啊啊啊啊
栢優座-《大年初一前晚的那頓飯》
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#栢優座
#大年初一前晚的那頓飯
#國家戲劇院實驗劇場
#這才是真正的招牌長文
#栢優宇宙在創什麼作
我與栢優座-我們
第12年來第一次進劇院
第20號作品
第一次進國家劇院實驗劇場
我們在同期的藝術創作者中,進度算很落後的。
我們在生存與創作探索中試圖找到平衡、找到我們想說故事的方式。
或許在這個前提下,我們是真正進度快的,雖然不討喜,雖然可能很難懂。
關於生存與創作探索,我想另外寫一篇關於今年沒有入選傑出團隊的心情。
本篇,我想說說關於「栢優宇宙」的創作階段。
第一階段:舊典新詮。
「漫遊咫尺方圓地,道盡古今中外事。」
從創團首演「孫悟空大戰鐵扇公主」到科技京劇到「孫悟空勇闖水晶龍宮。」還有這種大大小小的京劇混相聲、京劇混現代戲、京劇混推廣講座等等。
基本就是京劇,只是加上了些新東西,新想法。
那個時代的關鍵字是「跨界」
那個時候我們票房不錯👍
兒童京劇嘛,賣一個小朋友多賣一張家長。京劇是我們主要的形式,觀眾TA也很清楚,就是京劇觀眾。
創作面向:京劇演出。
觀眾:京劇觀眾。
京劇是主演藝術:我們團的角兒只有黃宇琳。
那時
許栢昂是導演,不,準確的說是劇本編修與主排。
老王辰驊開始開啟了栢優私塾學習京劇。
官官還在讀高中,剛在屏風表演班的舞臺上,看見京戲啟示錄中飾演小猴的我。兩年後,他才出現在「水滸。誰唬」的製作中
24歲的我,在京劇舞臺上最紅的時候,國光劇團大概還沒成立,是國光藝校還在國防部的時期,作為桐春老師與富椿老師的愛徒,學了很多戲,也主演了很多戲,學校公演華視還來轉播。但這一切隨著兩校合併老師退休,畫上了休止符,一直到了畢業考上了臺藝大、組織了栢優座。多數人認為已經改行的許栢昂,何德何能的要做齊天大聖,跟天庭分庭抗禮。更何況,那個當年,我在台北新劇團做兼職,成立自己的劇團,除了被當成異類、吃裡扒外之外,是沒有現在鼓勵青年表演者創作的氛圍的。
從黃宇琳開始,到今日的最狂武旦楊瑞宇;冠東、挺芳、育志、鈞威、鈞晟、子敏、柏澄、季柔、詠增、慎行、家男、潔渝…等新一代現在開始嶄露頭角的臺灣京劇好角色們,都曾經在栢優座的舞台上和我們一起翻翻打打,唱唱跳跳。
但這些好角兒是臺灣京劇的下一代。京劇觀眾是大家的京劇觀眾。
一個圈子一池水,不由得多一個人取一瓢飲,畢竟也只有弱水三千。京劇觀眾,說多不多,說少不少,不由他人置箸。
我也知道,在製作京劇的條件下,那時在臺灣我們做不過任何團。我開始思考一件事,如何做出「品牌特色與市場區隔。」
我們能做什麼,是其他人做不了的節目?
想不到,我沒那麼快想到,我只記得有一次,我要商借服裝演戲,遲遲得不到回應,在我的住所,我著急大聲說著:「借不到我就脫光演,反正脫光演京劇應該也滿好看的。」說也奇怪,記得已故的老校長說過:「國家劇團應該是一片沃土,讓臺灣所有的戲曲團,可以在上面開枝散葉。」看著他我彷彿看見了「嫁衣神功」的燕南天。
不過我們大概是西瓜吧,是種在沙地的。
第一階段走不通了,因為想脫光演的關係。出現了新的關鍵字:「實驗」
進入第二階段:「非線性敘事與切系列」
變成了「漫遊咫尺方圓地,道盡悲歡離合事。」
從「獨、角、戲-吉嶽切」、「逝父師-希矣切」「狹義驚懼」「後臺真煩-看」
我們發現了京劇演出的四大慣例「線性敘事、程式化表演、大團圓結局、時代統一性。」大家幾乎都不脫這個框架,欣逢這個世紀的戲曲小劇場實驗崛起,分別在「大稻埕青藝節」、以及「小劇場大夢想」。那就來試試,都不要這樣演好了。試著取代成「非線性敘事、創造新程式、開放式結局、架空世界的時空。」
這個階段的一開始,很艱難,兩個「切」在木柵的演藝中心,校內劇場鏡框式的舞臺,我們把大幕放下來,觀眾席搭在舞臺上,可以隨心所欲的開單面、三面、雙面的舞臺。獲得的養分很多,但我們賣的很差。五場演出,我們總共賣了一百多張。
得到朋友送我一句話:「京劇觀眾知道你們不是演京劇、現代戲劇觀眾以為你們演的是京劇,所以都沒人要看。」
我苦笑,做完「吉嶽切」我赴北京讀研,開學兩個月後,我收到了「台新藝術獎」提名的通知。這真是沒觀眾最好的鼓勵了。我收拾起離經叛道、眾叛親離、遠走他鄉、吃裡趴外、得不到認同的情緒。繼續在觀眾與創作之中找到平衡。
然後,我都笑稱我獲得第一個「起家厝」
「大稻埕青年戲曲藝術節」
栢優座參演製作了五屆,今年,還有觀眾問我為何不做第六屆,我依然笑笑「這不是我能決定的。」謝謝臺北市藝文推廣處,陪我走過了很多作品,謝謝傅大姐跟玫汝,開啟了我的第三階段。
第三階段:「戲曲現代化」
「臺灣戲曲表述形式。」
為什麼栢優座可以做五屆呢?除了我們五屆裡面有兩屆提名台新藝術獎、一屆票房全賣完之外。可能是因為我們不斷的突破形式,突破大稻埕九樓劇場的可能性,得到肯定,那一年,我們把舞臺布幕全拆光。演了一個齊天的故事。
這個階段最標誌的三個劇本也是南島三部曲,「惡虎青年Z」、「降妖者齊天」、「行動代號莫須有」,我們架空了一個南島時空,改編了「惡虎村」「八大錘」「鬧龍宮、鬧地府」,說是改編,但基本跟原創沒什麼兩樣,甚至更困難。我們找到一個方法,可以翻譯京劇、翻譯歷史故事,變成現代的價值觀、又可以保留戲曲的表現形式,依然有「唱念做打」只是現代化了,戲曲服裝剩下可以延伸表演的配件。在程式的部份,我們有手槍下場、有龍頭摩托車、有電梯、有上下樓開打、有滑板走邊、有雙節棍開打,在這個階段,我們不說京劇,我們說是戲曲,我們想要做,長在臺灣的現代戲曲形式。此時我們離京劇越來越遠,卻好像離自己的戲曲越來越近。
這裡又有個關鍵字,「戲曲」
我們是戲曲,所有的一切都是從戲曲轉化融合來的,所以我們認為我們依然是戲曲,但文化部分級獎助的評審們,不認為我們是「戲曲」,讓我們去投「現代戲劇」類別。大概是因為我們看起來不像他們認識的戲曲。
跟大家說明一下,文化部的分級獎助計畫,基本就是中央級別的民間劇團補助機制,舉凡大家聽過的大型藝文團體,都是文化部的品牌團隊,依次還有規模向下的各種級別,主要是補助劇團行政、營運預算,協助團隊可以持續發展在正確的軌道上。只有四種類別「戲劇」、「音樂」、「舞蹈」、「戲曲」。
難以想像吧,我們用四種類別去定義所有的表演形式。那音樂劇是?舞劇是?日本歌舞伎演海賊王是?栢優座是?更費解的是,不是補助行政營運嗎?分類別的意義是?
就在我申請之後,還沒有放榜,就遇到一位圈內的老師私下傳話給我說:「你下次去投戲劇類別,不要投戲曲。」在那個時候,我才想起來:「啊!原來還是一個圈子一池水啊。」我自己犯傻,沒事撞什麼刀口,他們正愁沒機會表達一下對我的關心呢。
然後同年,謝謝桃園市政府文化局,為了我們開了一個「其他」類別的補助,收留我們三年,期待我們成為「社區型英雄蜘蛛人」但非常抱歉的,栢優座可能已經是「復仇者聯盟」了,我們因為太不常待在桃園了,在臺灣各地跑來跑去公演、幫各地的劇團排練,整合製作,因此對桃園貢獻有限。我們今年離開了桃園傑團的隊伍。得到了一個我們活動接太多的評價。我回:「那我們吃什麼?」我又不是東尼史塔克家裡賣軍火,我有個總部要維持,有演員要生活,又不是叫「許栢昂戲曲藝術團」一人飽全家飽,我們把活動當成演出在做,又有什麼不對?去年我人生低潮的時候,有許多人勸我把栢優座收掉,一切就會好了。但也許有一種可能是,當我收掉的那一天,我就會徹底離開了這一切。
2018年低潮日子照樣過,栢優座在雲門的栢優群伶系列,雙料入圍了「傳藝金曲獎」最佳新秀獎、最佳年度演員獎。看過演出的人們,你跟我說,這是不是戲曲?答案是:「這是栢優座。」在戲曲主演藝術之餘,我給了導演的詮釋、給了除了主演之外多重扮演的戲曲身體,用很簡單,也很困難的方法做了一場戲。一樣,我依然無法做一個完整的「傳統戲曲。」對於真正需要戲曲舞臺的合作夥伴,栢優座終究不是歸途。入圍即肯定,我算是對「戲曲」二字做了交代,也算是從2010年開始的栢優群伶系列製作,劃下一個堪算完美的休止符。
我不是一個藝術家,我們是栢優座,我們是一些人,以前我常跟來合作的演員說:「做為一個freelancer,你認同栢優座,你就可以說是栢優座的人,但當我們的人也沒什麼好處,你可以在某些地方得到另眼相看,也可以平白獲得一些誤解跟批評。沒有被當異類的勇氣,沒事還是離我們遠一點好了。就最近,有位愛看栢優座的朋友有了一份新工作,他的同事還囑咐他,在新公司,不要提到栢優座。有位來栢優座接演出的夥伴,不能拍照,不能露臉,因為可能會影響觀感。臺灣做京劇的團不多,能受到這種規格待遇的絕無分號,你把各個劇團的粉絲專頁演出大合照看看就懂了。我一直以為我是戲曲界的哈利波特,原來我是佛地魔。
我選了一條孤獨的路,所以我期望有人與我同行,這個期望有時候太大,大到讓人很有壓力,大到寧願離我遠一點,遠遠的在我身邊或許才是最好的距離。
我四顧無人,卻覺眾聲喧嘩。
我可以理解,可以認同,雖不能接受卻也無濟於事。
期待低潮過去,迎來高潮。
來到栢優宇宙第四階段:「栢優座,有你的故事。」
「大年初一前晚的那頓飯」作為第四個階段第一個作品,我們要探索的主題是「戲曲身體」因為我們發現,不管戲的風格怎麼變,我們最終也不會變成現代戲劇,也不會回到戲曲。有位老師說:「栢優座的戲風格很明顯,你即便看劇照,你也一看就知道是栢優座的戲。」我們開始思考,那到底是什麼?後來我們推論,應該是身體,因為受過戲曲的訓練,因為我們要開唱述情,因為我們會使用很多方便的程式,讓看戲變得有趣。我們不再糾結「戲曲」或是「戲劇」。我們找找身體。這是我們第四階段要做的事情。目前沒有答案,要演出之後才知道。在故事的部份,從南島系列開始,我們就想跟大家說跟臺灣的我們有關的事情,到現在,我們想說,跟人有關的故事,所以「大年初一前晚的那頓飯」的主人翁,是個不回家的遊子。是個失落戰場的小人物。
說實話,我真的不會寫劇本,我所有的劇本,都是分享我的人生。然後用戲曲身體這種既疏離又隱晦的表達方式,把我想說的話藏在裡面。保持點距離無需堅強面對,卻又能夠打動人心。
希望栢優座,都能有你的故事。
雖然我不能決定人生,還好,我們還能夠決定戲的結局。
5/31-6/2國家戲劇院實驗劇場
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#蓋這麼多場館會變成蚊子館嗎?
#文化城市與場館經濟該怎麼配合?
聽聽 鳳山李雨蓁 Lí Ú-chin 詳細分析
我在鳳山長大、鳳山求學、在鳳山創業生根,二、三十年前,小時候很多人說高雄是文化沙漠,屬於高雄縣的鳳山在他們眼裡,可能比沙漠更貧瘠。
然而,這十幾二十年來,高雄人逐漸看到改變,駁二在被遺忘已久的海濱倉庫中誕生,大東、衛武營這兩座一流表演場館近年在鳳山陸續開幕。春天藝術節、高雄電影節、大港開唱等活動都建立良好口碑。然而,當高雄的藝文活動大量增加。有人卻說在地人不期待、不需要。沒有這麼偏激的人則可能擔心場館性質是否重複,會變成蚊子館。到底這些硬體設施的興建,是不是改變了高雄的文化環境,他們有什麼差別?又對在地經濟可能產生何種影響呢?
先一起來看看 #高雄場館分類
我們可以大致上用種類和座席區分,把高雄市的場館區分為幾個區間:
#精緻藝術(古典音樂、戲劇等)
2018 衛武營歌劇院(2236)
---2000人---
2018 衛武營音樂廳(1981)
1981 文化中心至德堂(1702)
2018 衛武營戲劇院(1210)
---1000人---
2012 大東多功能演藝廳(880)
1993 岡山文化中心演藝廳(776)
---500人---
1981 文化中心至善廳(483)
2018 衛武營表演廳(434)
2000 音樂館(384)
#流行音樂(以及多媒體用途)
2009 世運主場館(40000)
2009 巨蛋(<15000)
2019 海流樂戶外場(12000)
---10000人---
2019 海流樂室內場(6800)
---5000人---
2015 駁二 Livewarehouse(1000)
---1000人---
2018 海流樂小鯨魚x6(200-1000)
---500人--
2009 月光劇場(250)
#差別在哪裡呢?
以精緻表演藝術而言,目前的場館配置大致上分為國際級的衛武營、全市型的文化中心,較偏向區域型的大東藝文中心和岡山文化中心,但因席次不同,又能起到互補效果。
以我們追蹤多時的衛武營來說,服務的腹地是整個南台灣,同時也是全國最好的場館,是要和國際競爭的,性質與同樣在鳳山的大東就有所區隔。
衛武營的四個廳,技術性能上都是全國最先進的。#歌劇院 有2236席。主要作為歌劇、大型戲劇、舞蹈及跨領域等表演型式的大型舞台,是全台灣最大、最棒的劇院!在劇院後台,有數十公尺高的全機械化布景塔,舞台以電腦全自動控制,是全臺灣唯一!
#音樂廳 共有1981席。採用台灣唯一的葡萄園式座位,像是梯田一樣包圍舞台,可以帶給觀眾最貼近表演者的距離感。另外設置可動式反射板,由國際聲學大師徐亞英親自規劃調整,務必讓每個座位都有最好音效。同時裝置有亞洲最大的管風琴,9,085支音管分成主管風琴和回聲管風琴兩部分。並且可以透過電腦控制切換多種控制模式,可說世界最強。
而音樂廳內噪音質數控制在NC15,也是全台最高規格。在裡面無人的時候,連自己的心跳都聽得到,是很恐怖的場地呀!
1210席的 #戲劇院 打破過去單一用途,舞台有鏡框式以及三面式,可以控制開合,舞台也能升降。可以讓舞台延伸到觀眾席內,增加表演自由度。
434席的 #表演廳 是不規則鞋盒式,主要作為室內樂、獨奏及其他小型表演類型使用,吸音簾可以移動來改變音場,是個溫暖而高品質的小廳。
我們之前提過,衛武營是世界CP值最高的藝文中心,是用有限預算蓋起齊備機能。屋頂有人說有點像白鐵皮,但其實屋頂是經過八道工序一層層施作起來超複雜的屋頂,到達台灣最強的隔音效果。
而像是隔音弱點的防火門、玻璃窗,其防噪能力都是台灣最強,在蓋衛武營前台灣沒有這種規格,都是拜託在地廠商特別開規格做的,咦,我們高雄在地廠商,還真的都用比國外更便宜價格做出來了,這對於在地技術提昇都是有幫助的。
相對於衛武營,原本高雄市最大的藝文場館,是文化中心的至德堂與至善廳,#至德堂 可容納1702人,是高雄市30年來最大的綜合表演場地,也是過去高市交等樂團使用的主場地;而 #至善廳 可容納483人,可作音樂、戲劇或舞蹈等節目使用。目前節目幾乎都是滿檔,早已不堪使用。例如本月寶塚來台的表演,未來像這樣賣座的國際巡迴表演,或許就能用更大更好的場地舉辦。
同樣在鳳山的 #大東文化中心,是高雄在地建築師張瑪龍團隊設計的作品。大東的多功能演藝廳,座位有880人,採用短艙式規劃加上鏡框舞台,可以做為戲劇、音樂及舞蹈使用。是一個用途廣泛,表演者和聽眾相當親近的場館。
880人這個大小,比衛武營戲劇院還小一點。目前有高雄市愛樂文化藝術基金會、高雄市交響樂團、高雄市國樂團駐館演出。如果看看每個月的節目(含裝台時間),其實也是近乎滿檔。每年春天藝術節時,大東和規模類似的岡山文化中心,都會有很多歌仔戲節目表演,也可以說是傳統藝術的重鎮。
也就是說,未來衛武營代表台灣邁向世界一流表演藝術,和國際接軌的舞台。文化中心仍然可以承擔培育在地樂團,服務市中心藝文人口、甚至舉辦演講等多用途商業使用的重要機能。而大東仍然可以持續扶持在地團隊,以較低的門檻,強化傳統藝術的表演能量。透過場館設定人數、場租的區隔,把表演藝術團隊與觀眾的市場都做大。
#從流行音樂到跨界表演
在另一方面,隨著流行音樂唱片市場衰退,以及屬於「體感經濟」的演唱會市場成長,各類實體表演,甚至結合多媒體與跨界模式的演出經濟規模越來越大。
過去流行音樂的表演場地,多半僅有由「小」出發,衍生自駐唱、酒吧表演,到後來pub,livehouse的小型表演模式。以及先在大眾媒體與唱片市場成名,從「大」出發,利用體育或大型聚集場館舉辦的演場會模式。介於其中,可容納千人以上,萬人以下的室內專業場地相對缺乏。
流行音樂中心興建的出發點之一就在解決這個問題。
畢竟,不是所有歌手都可以挑戰巨蛋等級的萬人場次(台灣國內歌手可能不到15人敢保證票房),但小型商演場地的經濟效應卻難做大。因此,流行音樂中心經過諮詢業界後,設計了專門為流行音樂打造的6000多人場地。同時還有12000人的室外場,200-1000人的livehouse(小鯨魚)等空間。讓演唱會外,也可能孕育定番表演、長期公演的在地表演形式。
大約10年前開始,透過駁二舊倉庫的再利用,先是The Wall進駐月光劇場6年,接著Livewarehouse接著登場,成為高雄獨立音樂表演的熱門景點。大型音樂祭,也幾乎都在駁二周邊舉辦。
流行音樂中心完成後,室內外兼具的場地,結合水域、大港橋等空間變化,就能組合出更多的玩法。
而不只是「流行」或「搖滾」音樂祭,我們提過,世界上已有求新求變的音樂季結合跨界與創新元素,例如荷蘭烏特勒支(Utrecht)的「Le Guess Who?」音樂節。結合知名流行樂團,加上各地爵士、古典和非主流音樂表演者,創造豐富城市意象。
也就是說,未來或許會有衛武營,流行音樂中心共同籌劃的藝術節,也可能會有如奥地利布雷根茲音樂節一般舞台在水上的音樂節。讓全市不同場館發揮所長彼此配合,並透過這些場館內建的人才培育機能,讓高雄藝術產出更活躍,擷取更多傳統文化特色,就能創造更大的可能。
我們再次強調,精緻、創新、結合台灣特色的文化內容,和跨界多元,利用城市強項的文化觀光,才是吸引國際目光,創造觀光價值,提升能見度的好政策方向,而不是大興土木,只有硬體沒有內容,只能用「做愛做的事、賭博」來號招!
#Wecare高雄
謝謝高雄有你們:
#大東文化藝術中心
#衛武營國家藝術文化中心
#文化中心
#駁二
#音樂館
#海洋文化及流行音樂中心
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