我對繭居族、尼特族的小說題材情有獨鍾。
要說為什麼的話,各位可能難以想像,由於跳三級,我未滿 20 歲完成學業,回台北工作被錄取的第一份工作,是做廣告美工,月薪是 22000 元。中國的藝術院生學費昂貴,畢業後薪水通常為一般專業的 1.2~1.5 倍,但沒有料到中國和台灣對於藝術系的行情竟差異如此之大,在台北開始工作感到小小的挫折感。
實際工作的第一天,發現公司習慣使用的軟體跟我在學校學的軟體不同,被老闆嫌棄一無所長,把我的薪水降為 19000 元。
剛從中國回來的關係,我的捲舌口音、用語也常被同事偷偷嘲笑。而且沒有能力做好主管分派的任務,每天工作都很痛苦,熬了一個月後,公司搬到離家很遠的地方,我以此為藉口辭職,之後幾個月都待在家,不再考慮找工作。每天都在網上逛討論區、寫部落格、看動畫。
我應該是差臨門一腳就要變成尼特族了吧。可惜的是我的母親每天嘮叨叫我去找工作,我對做美工沒有興趣,但很喜歡觀察網路趨勢並在部落格上寫下見解。我的筆記本上,記錄了各種網站新功能的設計。
剛好在某個時候,我帶著筆記本去城邦集團旗下一個 BU 面試,經過兩次面試,第三次是跟社長談,他當場決定錄取我為網站企劃,負責經營動漫的社群。
從那以後我的上班族之路就很順遂⋯⋯意外的,沒有變成尼特族。
但我非常懂那種對外界懼怕、不願再到外面的感覺。覺得就那樣一輩子也無所謂,成就感從網上活動就可以獲得,網友就是我的社交圈,網路就是我的世界。
順利到外面世界的我,後來迎接回因為沒考上大學、被送去加拿大讀社區大學的哥哥。他服完兵役以後,長達快兩年的時間都在家裡沒有出去找工作。令我納悶的是,母親對他根本雙重標準,從來不逼他,放任他在家作息混亂只會吃喝拉撒睡和打電動。
後來我有機會短暫的在黑膠唱片打工,辭職前向老闆推薦了自己的哥哥接任工作,也算是軟硬兼施的逼他出了社會。
回到今天我想推薦給各位的梅菲斯特大獎得主書籍《我適合當人嗎?》,是宮部美幸 2020 年度最愛的 TOP 3,在這本書的世界裡,從青少年到 30 多歲的人群流行著一種病,長期不和外人接觸、不事生產、寄生在家裡的啃老族們,一個接著一個變成了異形。
說變成異形還是輕描淡寫,尼特族會變成的是外形很噁心、看上去讓人非常不舒服到反胃的樣子,比如女主角田無美晴,她的兒子優一就變成了一個頭大身小的蟲子,有複眼和觸手,眼睛是人類的眼睛,觸手上有許多短小人類的指節。
大多數家長都無法忍受異形噁心的樣貌,無法溝通、無法與之繼續同住,所以法律規定一旦異形化的年輕人,戶籍上會被登記為死亡。之後就任由家人處理。
優一的父親在看到優一異形化以後,本來決定把它帶到山上去丟掉,在美晴的拼命阻止之下,他總算能以蟲的樣子繼續生活在家中。
《我適合當人嗎?》講的就是美晴一邊撫養著已經徹底變成廢物和怪物的優一,一邊四處尋求解決方法的故事。大半篇幅是她的心理描寫。作者的文筆很洗練,閱讀起來一點都不會有壓力,讀完會有一種暢快感。
書的主題實際上是圍繞著「家人」,父母對子女,到底該如何教養,在何時放手,又該在何時推他們一把,負責任的支持著己出的生命,讓他們活出最憧憬的樣子。不是為人父母的我,讀了有很多感慨。
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#葉郎每日讀報
#一週大事版
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「也許音樂產業就是需要讓它死掉」
——Esquire
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這一週有許多具有指標性的數據出爐。Bloomberg Opinion一篇專欄文章在檢視這些數據的同時,認為在事情好轉之前還有很長一段路要走,但我們至少還有一線生機是:這波疫情正在提供大家未來娛樂消費趨勢的清晰圖像,並幫我們驗證了那些串流平台的鉅額投資到底值不值得。
音樂產業需要再死一次?
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Esquire的專欄作者William Ralston這週寫了一篇標題非常聳動的文章叫做”Coronavirus Might Kill The Music Industry. Maybe It Needed To Die”。搭配本週發生的相關新聞服用,會是一劑醒腦的藥方。
IFPI正好這兩天發布2020年全球音樂報告,內容是令人歡欣鼓舞的消息,但其實已經是2019年的好消息。統計數據指出2019年音樂產業營收上升至202億美元,較前年成長8.2%,並且是連續第五年成長。其中音樂串流較前年大幅成長了23%,產值來到114億美元,等於光串流一個部門就佔了音樂產業56%的營收。實體唱片則下滑了5.6%。而這一切都是去年的榮景了。
眼前唱片產業靠著串流收入的庇護,成為受到疫情傷害最小的部門,但實體唱片銷售幾乎停擺,授權收入預估也會因為影視劇組合演唱會全面停擺而快速下滑。更別提演唱會產業導致無數音樂工作者頓失收入的慘況,對他們來說2020年正是“The Day The Music Died”。
這幾天英國的UK Music和眾多英國音樂人再次呼籲政府出手救援,擔心英國演唱會上下游產業鍊將在幾週內崩塌瓦解。在大城市中的表演場所因為財務負擔最大,所以狀況也最危急。「整個產業鍊支持了10萬音樂人的生計,所以如果有82%場地關門,就等於音樂人可以演出的地方瞬間少了82%。」Music Venue Trust執行長Mark Davyd說。
流行音樂產業不是第一次遇到逆風,但從來沒有遇過COVID-19這種一瞬間把整個產業插頭拔掉的狀況。每一種類型、每一種大小的演出、每一種定價通通沒能逃過一劫。雖然串流取代了唱片的產值,但演唱會才是真正餵養音樂人活下來的方法。經過Spotify和唱片公司的一路剝削,串流收入流到音樂人這一端時已經只剩銅板價。唯獨只有世界頂端的藝人真正有辦法從串流中吃飽喝足。
夏天原本是音樂人賺奶粉錢的黃金時段。大量的音樂節讓他們更多機會賺到演出費、賣出更多週邊商品,同時吸引到新粉絲,並依靠著接下來幾個月粉絲的消費來養家活口。同樣的問題是只有世界頂端的藝人靠著演唱會吃飽喝足,對多數音樂人來說這些無止盡的勞動只有在運氣好的時候才能勉強糊口。
Esquire 的那篇文章認為COVID-19的疫情使音樂產業的結構性問題變得更顯著:我們產出了過量的音樂讓它們便宜到幾乎等於一文不值,那些靠著音樂賺錢的公司根本只分零頭給音樂人。疫情之下我們終於看清音樂人到底被整個產業、整個社會佔了多少便宜。
很多音樂人已經出來呼籲Spotify調高三倍版權費來彌補大家在災情中的損失,即使Spotify和其他串流公司目前都是屬於賠錢狀態。疫情也會促使音樂人重新檢視和唱片公司的制式合約內容,促使唱片公司把真正的版權收入透明化。
許多人開始在疫情中想辦法改變這種結構性現況,藉以存活下來:有些藝人自己在線上銷售專屬單曲或是演出,有些人則是舉辦線上的工作坊。
其實市場上一直都有線上演出,只是疫情把大家關在家中之後,大家才開始發現這種體驗很酷。許多人相信最終線上演出會變成一種商業模式。比如柏林愛樂的數位音樂廳。當然線上轉播永遠不可能複製音樂現場的氣味和氛圍。
其他的創新解法還包括美國DJ Marc Rebillet開始借用電影產業的最後一盞燈火——汽車電影院來照亮音樂現場演出的路。電玩遊戲《Fortnite 要塞英雄》則是繼吸引1230萬玩家參與的Travis Scott演唱會後,立刻又安排了Steve Aoki和 deadmau5的演出。
Esquire 的文章認為當我們要從灰燼中重建音樂產業時,不太可能再從現有的經濟結構模式下手。而電競產業的經驗可以作為參考:粉絲願意透過Twitch 或是 Patreon等社群付費支持他們鍾愛的選手。這次疫情讓全世界體會到原來音樂這麼脆弱,也因此大家開始用行動來支持他們鍾愛的音樂人。當大家透過那些更透明的平台比如bandcamp,購買一張專輯或是黑膠時,音樂人因此得到的收入可能超過數千次串流播放。該平台原本抽成15%,疫情發生以來已經兩次舉辦活動將100%銷售所得全數歸給音樂人。
不過在這些音樂人寄望在置之死地而後生之後重建一個更甜美、更公平的新音樂產業時,Spotify正在默默策劃一個可能更劇烈的改變:
Spotify宣佈在自家平台推出Harry Potter At Home計畫,將由Daniel Radcliffe打頭陣為大家閱讀第一本Harry Potter小說的第一章,後續還有Stephen Fry、David Beckham、Dakota Fanning 、Eddie Redmayne和韓國男星金秀賢等名人輪番上陣。這個策略應該屬於Spotify的Podcast大戰略的一環。過去一年Spotify已經花了大把鈔票在收購Podcast的製作公司。他們急需自己100%擁有版權的新內容,借以逃脫現在完全受到唱片公司拆帳合約宰制而永遠無法損益兩平的狀態。一旦越來越多消費者為了Podcast和有聲書內容而來,Spotify就可以開始向唱片公司主張必須重新談拆帳比以便把月租費收入拆給Podcast的權利人。
對來說長年虧損的Spotify來說這一個計畫純粹出自求生本能,然而一旦現有分帳比例被推翻,影響所及會使音樂人從串流這塊幾乎被唱片公司和串流公司吃光光的大餅中分得的餅屑又少了好幾塊。
音樂人只能吃土了。
疫情正在把有線電視送進墳墓
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難得Variety上出現跟台灣有關的產業報導,當然得多看兩眼。新聞中指出Kbro凱擘成為第四家與HBO Go合作的有線電視業者,這四家有線電視系統台用戶將可以每月99元台幣的費用使用HBO Go的服務,並允許五個裝置登入兩個裝置同時收看。報導還特別指出,這些有線電視系統的關係企業包含凱擘影藝和台灣大哥大都參與了HBO Asia的台灣電視劇《做工的人》的投資。
對一頭霧水的消費者來說,最令人混肴的是到底HBO Go跟HBO Now和HBO Max有什麼差別?
HBO Go是HBO在這場串流的典範轉移中的第一個即時反應。實際上HBO早在10年前(連Netflix都還沒拍《House of Cards 紙牌屋》的時候)就推出了HBO Go,希望吸引有線電視的用戶轉移到網路上看節目。但顯然HBO在全世界的經銷商/有線電視系統都沒有太高意願配合,所以HBO Go在國際市場上拓展得很慢。十年後Netflix都統治地球了,HBO Go才姍姍來遲地登陸台灣。
HBO Now則是HBO進軍串流的第二步棋,有別於HBO Go必須搭配有線電視訂購,HBO Now則是單獨推出的串流產品。因為對傳統有線電視的威脅更大,迄今HBO Now只在美國推出,並為進軍其他市場。
HBO Max則是在HBO的母公司Warner被AT&T買下來後,趕走不配合品牌整合的HBO執行長,重新定位為整個大WarnerMedia集團所有影音娛樂內容的串流平台。
所以HBO Go在台灣的「隆重」推出,其實是一則哀傷至極的新聞。到底有多少台灣人會願意接受這種搭售:在享用HBO Go的《西方極樂園》、《權力遊戲:冰與火之歌》、《核爆家園》等優質節目的同時,被強迫購買那些服務品質經常是上個世紀水準的有線電視系統和有線寬頻服務?Anyone?
事實上這波COVID-19疫情正在加速將傳統有線電視送進墳墓裡的進度。
驚悚的數據是光今年第一季美國付費電視就損失了180萬用戶,其中AT&T旗下的DirectTV幾乎佔了半數。此時此刻是有史以來有線電視用戶數萎縮最快的時刻。不管是有線電視、衛星電視或是後來才崛起的網路傳輸電視頻道服務都在疫情中面臨雪崩式的剪線潮。全美總計已經有460萬家庭沒有買有線電視服務。這個數字等同於1998年有訂購有線電視的家戶總數。
產業分析師John Hodulik認為對消費者預期疫情過後會有經濟衰退,致使他們果斷放棄昂貴的有線電視,加入剪線族的行列。如果疫情趨緩之後運動比賽轉播沒有及時恢復的話,預計將由運動頻道再帶起一波退訂的超完美風暴。
Disney、WarnerMedia和NBCUniversal等媒體集團都在積極繞過有線電視服務,直接透過串流平台將內容送至消費者身上。其中光Netflix第一季就擄獲1600萬新用戶。
目前服務範圍只有美國YouTube TV則是另外一種新嘗試:除了隨選節目之外,它還提供超過70個頻道的節目,並利用超級方便的雲端錄影機功能讓使用者可以預約錄下自己喜歡的頻道節目。這個直攻傳統有線電視系統咽喉的創新服務,近日再下一城:旗下擁有CBS、MTV、Nickelodeon、Paramount Network等頻道的ViacomCBS與YouTube更新合約,再增加14個頻道。YouTube TV的最大競爭力它是不像有線電視一樣需要綁約,也不需要任何機上盒之類裝置。處在串流和有線電視的緩衝地帶,YouTube TV可能是剪線族的另外一種選擇。
曾經伴隨我們數十年,並且用各種成藥蓋台廣告、惱人跑馬燈和垃圾訊號品質毀壞我們的電視體驗的有線電視系統,終於要踏上窮途末路。
沒有意外的Disney財報週
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91%這個數字涵蓋了電影產業未來幾年的產業結構。
這是Disney上一季淨收入縮水的比例。
當然Disney不是唯一受害的娛樂媒體集團。所有媒體巨人中只有一家公司不涉及廣告收入、沒有任何體育內容以及不需要消費者出門就可以消費。那家在股災中毫髮無傷的公司叫做Netflix。
2019年靠著併購Fox和復仇者聯盟電影的豐收,Diseny一家公司就佔了全美票房的40%。沒想到2020年Disney立刻從天堂掉到地獄,不僅電影失去舞台,營收金雞母主題樂園的營收還幾乎變成零。分析師指出:「沒有任何一家媒體公司比Disney更被疫情正中紅心。他們受到重傷害。」華爾街因此一直在坐立難安地等待Disney本週發佈的上一季財報數據,希望摸清楚Disney的災情到底有多慘已經到底可能會慘多久。
此外,這份財報也是新任執行長Bob Chapek的第一份成績單。前任執行長Bob Iger先前傳出已經回到第一線繼續指揮應變,董事會和華爾街到底對Bob Chapek有多少信心是個問題。
股價早就跳水的Disney可能為了減緩財報數據對股價的衝擊,非常用心地在發佈前、發佈後都安排了新聞彩蛋。財報發佈前的彩蛋是5月4日星戰日無預警宣布Taika Waititi即將執導星戰電影來增加好消息版免。財報發佈後,則是公開演練上海迪士尼樂園重新開張的服務流程,並同時傳出重新開張第一天門票秒殺的消息。
重頭戲仍然是財報發佈當天:
結果一如預期Disney集團營收銳減37%,跌至24億美元。Disney旗下每一個部門都受到衝擊,但最嚴重的還是主題樂園業務,在14億美元的獲利減少中有整整10億來自於主題樂園產業。而且上季還只有部分期間受到疫情影響,估計下一季的財報將會更加難看。唯一的好消息Disney+推出以來表現搶進,已經有5450萬用戶。主持電話會議的Disney執行長Bob Chapek宣佈上半年將不會配發股息,以便為公司保留16億美元現金應變。
發佈完自家的噩耗之後,Disney隨即發佈電影院業的噩耗——Disney準備繼續忽略空窗期的慣例。「我們深信電影院體驗的價值」Disney執行長Bob Chapek 按慣例先宣示信仰純度。他說這波疫情改變了消費者的行為,使Disney必須考慮調整他們的發行策略。因此Disney將會開始逐案判斷,來決定是否要讓電影跳過電影院直接上網路平台,比如像下個月要直接上Disney+的《Artemis Fowl阿特米斯奇幻歷險》。
對於要在7月24日在電影院上映的《Mulan 花木蘭》,他們仍有比較大的信心,畢竟前一週還有另外一部大片會陪木蘭壯膽。那部電影叫做《Tenet 天能》。
上海迪士尼樂園明天重新開門的門票已經秒殺。園區開放初期採取預約制,限制每天8.8萬人入場。而且除了角色扮演者之外,遊客和員工都必須戴上口罩, 沒戴口罩的角色扮演者則必須與遊客保持距離。這個計畫不僅考驗主題樂園業的應變是否足以應付重新開門,也會驗證這樣的應變是否能讓消費者安心回來。全世界的主題樂園產業都在密切觀察,尤其Disney自己準備在日後將同一套方法運用在從東京到巴黎的各個園區。
Disney的這場線上財報發佈會由上任不到三個月的執行長Bob Chapek主持,已經改任執行主席(同時擔任董事長)的前任執行長Bob Iger也有參與會議,但主要仍由Chapek回答提問。
Diseny家族繼承人Abigail Disney先前砲轟Disney公司疫情應變的聲音仍迴繞不去,這兩位Disney高管的薪資再次成為本週新聞。Bob Chapek自願把250萬美元年薪打對折,但實際上他一年可以拿到的各種獎金合計4450萬。Fox集團董事長兼執行長Lachlan Murdoch以及CAA、Camcast、NBCUniversal等公司的高級主管通通也比照自願放棄薪水。然而這些娛樂大亨都過著奢華生活,不可能這麼乾脆就放棄他們日常所需的現金流,所以幾乎所有的「自願減薪」都是表演性質居多的障眼法。
針對同樣自願放棄薪水的Disney董事長Bob Iger,一名正在放無薪假的Disney員工酸溜溜地評論道:
「當10萬名Disney人正在放無薪假的同時,這些巨額獎金和股息卻照常發放,你真的很難相信什麼『我們都在同一條船』和『員工是我們最大資產』之類的鬼話」。
(按:Disney在同一時間宣佈上半年停發股息)
|新聞出處|
5/3~5/10一週大事
IFPI Global Music Report 2020: Music Revenues Rise For Fifth Straight Year to $20 Billion(https://bit.ly/35z1j06)
HBO Go Added By Four Platforms in Taiwan (https://bit.ly/2yliSF6)
Disney Takes a Pandemic Hit, and There’s Worse to Come(https://nyti.ms/2LhT3IV)
Disney Says More Movie Releases Could Skip Theaters, Sees “Some Changes” To Release Strategy During And After COVID-19(https://bit.ly/3frD34E)
With Shanghai Plan, Disney Offers Blueprint for Domestic Park Reopening(https://bit.ly/2Wb8TeC)
Daniel Radcliffe and other stars are recording a free reading of the first Harry Potter book(https://bit.ly/2zd9N0Y)
Hollywood CEOs "Sacrifice" Base Pay, Yet Keep Big Bonuses(https://bit.ly/35CP96u)
Live music circuit 'risks collapse within weeks(https://bbc.in/2LcXEvO)
Coronavirus Might Kill The Music Industry. Maybe It Needed To Die(https://bit.ly/2LakUKP)
Cord-Cutting Explodes in Q1 as Pay-TV Sector Delivers Worst-Ever Losses(https://bit.ly/2WKdnro)
How Covid-19 Is Changing Entertainment, in Five Charts(https://bloom.bg/2WjKqUi)
黑膠 唱片機 使用方法 在 BennyLeung.com Facebook 的精選貼文
日本懷舊熱情衍生的獨特經濟現象 - 小村裕子
東京日暮里以其「老城」的氛圍而聞名,批發區和商業街購物的人潮熙熙攘攘。就在這個充滿舊日情調的諸多舊貨古董商店之間,一家相機店於2016年開業。在商店佔了整面牆的的玻璃櫥窗裏,琳琅滿目的相機散發著懷舊的氣息。
一名顧客走進這家商店,要求購買新電池。他從包裏拿出一架大約40年前製造的瑞典膠片相機。這名男子使用數碼相機已大約15年,但仍記得童年時的家中還有部舊相機,遂決定拿出來使用。
這位顧客來對了地方,三葉堂寫真機店專營維修和轉賣這類古董相機。這裏沒有最新的數碼相機,只出售老式膠片照相機。今年31歲的稻田信一郎是這家店的年輕老闆。他熟練地更換了電池,並在相機裏插入了新的膠捲。稻田對顧客說,「現在你可以重新使用這部相機了」,然後把相機交還給主人。顧客很滿意,因為下周末他將攜帶這部舊式相機參加一個攝影研討會。
稻田說,「我們的客戶中有使用了50年膠片相機的攝影師,以及從未接觸過膠片相機的新手。 大多數顧客戶是10到20歲的年輕人。他們似乎很欣賞Instagram等社交網站上發佈的膠片相機照片的獨特視像。」
高科技或低保真?
日本通常被認為是高科技國家。索尼隨身聽、任天堂遊戲機、手機和二維碼都是日本技術風靡全球的例子。
根據日本經濟產業省(METI)的數據,日本在工業技術研發方面的預算排名第三,僅次於美國和中國。日本在家用電器、機器人、汽車和太空開發等領域處於全球領先地位。
與此同時,日本也保持著過時的模擬信息技術文化。所謂模擬信息技術是指用物理信息,如聲、光、電、溫度和重力等來傳遞信號的技術,其對應是當今正如日中天的數碼信息技術。似乎是要逆尖端技術潮流而行,在日本,模擬信息技術,如膠片相機,又東山再起。
模擬信息技術發燒友的樂園
貝拉米•亨特(Bellamy Hunt)說,「對於任何熱愛模擬信息技術的人來說,日本就像天堂。」
在周遊世界之後,亨特在2004年選擇了日本作為他的基地,7年後他創辦了自己的在線膠片相機商店「日本相機獵人」。
在此之前,亨特在日本一家備受專業攝影師信任的老牌相機店工作了兩年。他的經驗告訴他,在日本,任何錯誤都是不能容忍的,每件事都必須是100%完美。除了銷售和維修照相機外,亨特還學會了用正確的方法沖洗膠捲和處理產品,為客戶提供最好的服務。反過來,他也意識到,他的顧客很愛護他們的相機,他們細心保養其專業手藝的工具是一種表達形式,他們對自己的工作引以為傲。
亨特認為,正是這種認真保養的態度使日本的膠片相機質量與其他地區懸殊很大。今天大多數膠片相機發燒友想買一部膠片相機,只能問津二手市場。與國外的二手貨相比,在日本銷售的二手相機很少灰塵,也很少缺失部件,而且大多是全新的。
亨特說,「隨手可得」是日本膠片相機文化的另一個特點。在過去的幾十年裏,膠片相機不僅吸引了一群狂熱的粉絲,而且在更大範圍內也很受歡迎。cheki(富士膠片的一款拍立得相機的暱稱)和utsurundesu(同樣來自富士膠片的另一款一次性單用途相機)都很便宜,自從20多年前上市以來,一直暢銷不衰。日本各大城市都有電子產品大賣場,也有賣膠片相機的二手商店,因此來自全世界各地形形色色的相機,你都可以買到。
亨特給出了貼心的建議,在日本買相機,要有禮貌。禮貌對日本人來說是一條重要的規則。你走進商店時,要對售貨員面帶笑容。遞到你手中的商品,你要小心翼翼。如此,售貨員將非常樂意向你展示他們最好的庫存。
視覺藝術
在東京中目黑區的街上,有一家店名叫華爾茲,這是當今世界少有的一家專門出售盒式音樂磁帶的商店。該店於2015年開業,擁有6000多名顧客。在獨特的木製內飾的襯托下,卡帶上明亮的外盒看起來一點也不古舊和老土。
華爾茲的老闆角田太郎(Taro Tsunoda)解釋說:「盒式磁帶並不是過時的舊物,而是一種新的、不斷發展的音樂文化的一部分。」雖然這家商店也出售二手舊磁帶,但他們的主要業務實際上是賣新上市的磁帶。
據角田稱,自2010年以來,以磁帶形式重新發行歌曲的藝術家數量激增,這些藝術家主要來自美國西海岸。因此,盒式音樂磁帶已在全球範圍內東山再起。音樂分析公司BuzzAngle Music報告稱,2018年盒式磁帶銷量大幅增長,比去年增長18.9%。
角田說,「盒式磁帶的長方形包裝就像音樂家創作的藝術書籍。因此,我的店是在展示他們創作的視覺藝術作品。」
他把商店的內部設計成如同現代藝術館。新發行的磁帶,角田太郎用卡片手寫推薦,說明為何及如何欣賞此盒磁帶音樂專輯。甚至二手的盒式磁帶也包裝完美,如同新貨。而且沒有一盒磁帶放錯地方。角田笑著說,「注意細節,或許這就是我的日本風格。」
光顧華爾茲的顧客中有一半以上是外國人。雖然許多人是音樂工作者,但也有時裝和設計方面的專業人士光顧。2017年,世界著名品牌古馳將華爾茲列入「古馳靈感之地」名單,強調這家盒式音樂磁帶店是激發奢侈品牌靈感的地方。
角田太郎說,「作為一種物品,盒式磁帶有無可置疑的吸引力。隨著數字化和流媒體的出現,音樂已經演變成了虛無之物。但我認為音樂應該是有形的。應該可以觸摸,可以看到其封面,然後感受其氛圍。在商店外面,你無法獲得這種體驗。」
僅僅是現狀還是未來趨勢?
關西大學副校長、社會學教授高增明(Akira Takamasu)說:「日本的模擬信息技術文化與國家的經濟增長直接相關。」
高增明於2001年啟動了該校的第一個創業項目,創辦了一家獨立唱片公司,並與學生一起創作音樂。
他說,「黑膠唱片有一種獨特的溫暖和深度,這就是為什麼有些人仍然喜歡黑膠唱片。但這並不是人們喜歡唱片的唯一原因。70年代日本音樂產品開始非常之興旺,這與二戰後日本泡沫經濟同時出現。當時人們開始變得富裕,無金錢匱乏之憂,可以大肆消費,因此不僅把錢花在日常必需品,還能夠消費新的文化現象,而在當時,這種新文化就是黑膠唱片。」
高增明教授解釋說,擁有黑膠唱片等同於接受最前衛的文化。他說,「有關黑膠唱片的知識被視為是高水平知識。」
他指出,日本過去四分之一世紀的經濟停滯,推動了人們對復古懷舊的喜愛。他表示:「如果社會流動性在過去25年裏沒有改善,而25年已超過了一個工人職業生涯的一半,那麼,追隨新潮流的成本就會很昂貴。或許懷舊習慣反映了日本人無奈接受經濟停滯的另一面的態度。」
不管是什麼原因,低迷的經濟,時髦的消費習慣,還是簡單的懷舊,日本人對舊東西的熱愛證明,這個東西只要沒有壞,就不要修理它,可拿來再用。
原文:BBC中文網
#文化 #社會 #生活
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影片邊輸出邊打資訊欄的我:))
這支影片我錄了好久也剪了好久
應該至少錄了兩個禮拜多
想到的時候才把相機拿起來錄 所以片段並沒有很連貫
所以這也是為什麼我一直沒有心力剪完這支影片 因為實在太難剪!!!
原本輸入進來fcp的時候 總共時長將近七小時 我看到頭有夠痛
每次想說要認真剪的時候 看到落落長的時長 我就開始擺爛 毫無動力剪:)
一直到今天我才終於下定決心把它剪完...
初剪真的是最煩人的 要刪掉很多不必要的片段
但找音樂是最難的!
因為我的日常影片都偏長 所以如果沒有吸引人的音樂 到底誰看得下去啦:))
然後這次片頭也嘗試了新的方法!我自己蠻喜歡的
其實這樣想想 真的覺得很不可思議 完全不知道自己一開始是怎麼自學fcp的
從一開始剪片剪得很爛、對著鏡頭講話就尷尬癌
到現在剪片剪得很得心應手 所以才有時間去學怎麼製作不同的片頭
但我跟真正的剪輯師還是天差地遠啦:)
總之謝謝一直以來看我影片的你們!希望我以後的剪輯跟拍攝手法還能一直進步下去!
下支影片見~
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在這邊要罵一下musicbed音樂網站 我每個月得花99美金買他們的音樂
(他們是根據訂閱人數多寡來決定創作者每個月要付多少錢)
結果他們常常更新一大堆爛歌!!!!
尤其是這次!更新的新歌到底都是什麼鬼音樂我真的聽不下去
給我把錢吐出來^^
然後artist也是爛到五春 我是買一年的 也是夭壽貴 但一年大概只有十首歌能聽:)
但我還是不爭氣的買了第二年 因為我太缺音樂:)
epidemic我很少用 但我還是一直有在付費(我剛經營頻道的時候很常用它)
thematic基本上是免費的 但我還是有買 這樣有多一點歌可以用
但thematic要看狀況 有時候剛好很多音樂能用(像今天)
有時候歌更新很慢 所以沒有音樂能用 都剩一些難聽的xd
抱怨完畢:)
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黑膠 唱片機 使用方法 在 Hi Fi 發燒台 Youtube 的精選貼文
不只外在美,還有內在更美 文:Lee388
STST 《Motus II DQ》懸浮直驅式黑膠唱盤
不知道大家起初接觸黑膠唱盤這個玩意時,會不會被很多名詞嚇怕,使到大家望而生畏,我記得當年我初嘗黑膠時,並沒有互聯網,初學調校黑膠唱盤沒有前輩教路,我是從圖書館借一些相關書籍和看音響雜誌來學習黑膠的調校細節,了解各式各樣名詞,從中知道怎樣安裝黑膠唱盤,我就是這樣開始進入“黑社會”行列。相對起今天上網找資料和看影片,要獲得調校黑膠唱盤的知識可謂容易得多,不過有時網上資訊太多,亦不是全部正確,不像書本和雜誌始終經過校對才出版,所以大家想玩好黑膠還是親身接觸,落手落腳調校來得實在。
提到黑膠唱盤相關名詞,我和大家先分享以下這些:
硬盤:當然這個不是電腦上的儲存資料的硬盤(hard disk),這是指黑膠唱盤沒有任何懸掛,是用轉盤本身的重量來對抗外來的振動,這類設計的唱盤一般稱為硬盤。
軟盤:在黑膠唱盤發展初期,軟盤是比硬盤早發展,軟盤是指唱盤的摩打、轉盤和唱臂承托部份是有懸掛結構承起,目的是阻隔外來的振動,而這些懸掛結構就包括彈弓、橡筋等物料。
帶動:驅動摩打經皮帶帶動轉盤轉動。至於這個皮帶,不同廠家會用不同物料。
直驅:這是指帶動轉盤的摩打是直接驅動轉盤轉動,摩打往往就是轉盤軸承的一部份。
世界首個直驅軟盤
為何要在這篇試聽報告之前大費周章與讀者們溫故知新?因為今次為大家介紹這個來自德國的STST Motus II DQ黑膠唱盤,它的設計是相當獨特,這是一個直驅軟盤(懸掛式)。可能大家會問這個設計有何特別?不也是上面提到這些設計嗎?大家沒有錯,這個Motus II DQ黑膠唱盤表面上也是傳統方式設計,不過當大家再細想一下,我們一般認識的黑膠唱盤當中,是沒有一個以直驅轉盤來結合軟盤設計的(如果讀者們知道有這樣設計的黑膠唱盤,請告知小弟),通常直驅唱盤大都採用硬盤式設計,這個就是Motus II DQ黑膠唱盤的最大特色,直驅軟盤可能是世界首個!
在未開始介紹Motus II DQ黑膠唱盤前,我先簡單介紹這家來自德國的STST廠家,這家公司的創辦人和設計師是Mr. Stefan Strohmetz,而公司的名稱STST就是取自他的姓氏和名字的頭兩個字母,原來Mr. Stefan Strohmetz年青時已經醉心研究黑膠唱盤,並於1985年創立STST這家公司,而且開始設計及製造黑膠唱盤、唱臂等黑膠相關的產品。
如果大家只憑肉眼去看這個STST Motus II DQ黑膠唱盤的外觀只是上圓下方的傳統黑膠唱盤,而廠方可提供不同木紋的唱盤外框給買家選擇,可是當用手輕按轉盤時,會發覺轉盤在上下晃動,原來轉盤與臂板是懸浮設計,當然這個也沒有什麼特別,一般軟盤也是這樣,不過當把Motus II DQ的外框拆開,這時看到一個非比尋常的內部結構,坦白說當我首次看到時,我也嚇了一跳,真的從未見過一個黑膠唱盤內面會這樣複雜。
開始試聽
這次試聽這個STST Motus II DQ黑膠唱盤是在寒舍進行,唱盤是放在CMS Black Diamond承板上,配合的唱臂和唱頭是我的參考組合,這包括Thales Simplicity II唱臂和Lyra Atlas動圈唱頭,唱頭放大是Burmester 808MKV前級內的MC II模組咭,經Burmester 808MKV前級以Burmester平衡線接到Burmester 909MKV後級,再以Burmester Silver喇叭線接到TIDAL Contriva G2揚聲器,而近期在Contriva G2每邊其中一隻釘腳上接了一條ASI Static Cable,據講這條線有導走振動的作用,接了之後發覺聽多了揚聲器發出的細節,今次試聽這個Motus II DQ黑膠唱盤正好表現出這個唱盤的寧靜度。
疑問重重
試聽這個Motus II DQ黑膠唱盤前是充滿著疑問,一般說法直驅唱盤不及帶動唱盤寧靜,不過根據廠方的資料,Motus II DQ唱盤內的摩打溢散出來的抖動能量只有0.5 Watt,比起傳統帶動唱盤的5 Watt低了10倍,所以產生出來的噪音和抖動會比帶動唱盤更低。還有我也試聽過不少帶動唱盤,很多時噪音和音染的來源就是來自帶動的皮帶,到底這個直驅唱盤是不是完全可以克服以上問題?另外一個疑問是Motus II DQ唱盤採用軟盤設計,傳統說法軟盤是偏向音色的取向,還有當調校好後,經過一段時間就需要再調校,不過據STST廠方說法,就以上問題Motus II DQ唱盤採用一些嶄新的方法來處理軟盤,首先軟盤經過一段時間使用就需要調校,最主要原因是三個受力的彈弓承托的力量不均,所以經過了一段時間後這三個彈弓就自然各自有不同的變化,而Motus II DQ唱盤就是採用砝碼來平衡唱臂這邊比較重和受力的問題,使到各個彈弓平衡受力,還有所採用的彈弓不是傳統的彈簧,是廠方特製品來避免以上問題。最後的疑問,直驅與軟盤結合,這是我從未接觸過,是不是如理想中兩種設計的好處也發揮出來,還是各自的缺點反而表現出來?既然是這麼多疑問,單憑外表也不能知道,最好就是親手試聽來取得結果。
寧靜度超級優異
在寒舍開聲的STST Motus II DQ黑膠唱盤,第一個給予我的聽感是相當寧靜,當唱針落在唱片上沒有音樂的位置時,在揚聲器好像完全聽不到有半點聲音,正常是有一點點底噪,就是因為這樣,我有好幾次落下唱針後也不奇然要看看唱針確認是否已經落在黑膠上,這是我試聽過所有帶動唱盤從來沒有的經驗,有這樣的優勢,音樂播放時自然更能播出音樂中最細微的細節,使我有點好像聽CD的感覺,大家不要誤會這個不是貶義,我想表達是這種寧靜度和安定感真的有如聽CD一樣,有以上的感覺,我相信是直驅盤免卻了皮帶,還有以浮盤設計來抵消外來振動有關。經STST Motus II DQ唱盤播放不同種類的音樂,我發覺這個唱盤沒有特定的音色取向,這是偏向中性,盡量還原出唱片上記載著的音樂和情感,Motus II DQ沒有外加任何渲染。至於低頻的表現絕對聯想不到這是軟盤設計,低頻是充滿量感和細節,下潛力強,比起同級硬盤也絕不示弱,還有當播放大爆棚音樂這種規模感,絕對估不到是這等大細的唱盤可以做得到。另一樣優點是播放管弦樂的深度和闊度也相當理想,我估計這個與軟盤設計有關,聲音是相對寬鬆一點,而且來得穩定。
就以其中幾張用來試聽的黑膠來表達出以上聽感。先來超強的寧靜度,這張Ida Haendel《A Classical Recital》最能表現出來,Ida Haendel的拉奏力量可剛可柔,強弱之間的對比是最考驗器材,好多情況下強音是容易播得好,弱音是來得不易,而這個STST Motus II DQ唱盤播放這張黑膠是給我從未如此興奮,聽多了很多從前未聽過的小提琴輕微抖動的細節,小提琴泛音豐富,營造出一個非常立體的空間感,聽到小提琴發聲位置牢固地釘在空間中,與伴奏的鋼琴一高一低,比例適中,而鋼琴琴音清晰之外,這種琴腔衍生出來的低頻,給予我很少能在黑膠上感受得到這種穩定的感覺。
中性還原
Amanda McBroom的《Dreaming》黑膠可謂女聲名盤,一般聽到這張黑膠內Amanda的歌聲都是婉美、溫柔,這次經Motus II DQ唱盤播放下,使我有種不一樣的感覺,伴奏音樂同樣細緻、鮮明,不過Amanda的歌聲就如唱片封面她所穿著的絲質外套一樣,表面是滑不溜手,不過細看之下原來是暗藏皺褶。就像她的歌聲表面是甜美溫柔,不過Motus II DQ唱盤帶我進入一個更深的層次,可以聽到歌聲帶點沙啞,表現出更為細膩和深切的情感,可能大家熟悉這張唱片的發燒友未必知道我所表達的含義,這個我也明白,因為未用Motus II DQ唱盤聽這張黑膠之前,我也未曾有以上的聽感,我知道Motus II DQ唱盤不帶任何音色上的修飾,這是完全表露出黑膠內蘊含的情感,所以才可以有這樣不同的體會。
低頻表現力超乎預期
另一個疑問是浮盤一向是低頻相對較弱,所以找來這張《Adagio Albinoni》45轉黑膠來試試Motus II DQ,這是Gary Karr負責低音大提玩,Harmon Lewis負責管風琴,收錄了兩件低頻至超低頻同樣凌厲的樂器,這張黑膠我稱為踢館碟,如果帶去家訪,機主隨時會面黑黑望住你。看看Motus II DQ唱盤可否通過這個低頻考驗,坦白說浮盤播低頻,我之前聽過不少,可以達到那一個程度早已心中有數,所以也不會有太大期望能與重型硬盤相提並論,可是今次聽到播放這張《Adagio Albinoni》出來的效果比我預期有過之而無不及,兩樣樂器同樣清晰分明,低頻毫無混濁,可聽到低音大提琴嗡嗡的低頻滾動下仍可聽到拉弦的線條,管風琴的低頻震至褲管打振,亦可清楚分辦出的管風琴的位置比低音大提琴後,還有就算播至天崩地裂的音量,也沒有半分凌亂的感覺,不知這個是否與浮盤設計有關,聽到這樣宏亮,規模感豐富,還有迫力強橫的聲音,Motus II DQ唱盤處理低頻的能力高分過關,我找不到有任何可挑剔的地方。
最後,聽聽這張羅文的《情繫佛羅內斯》45轉雙黑膠,這個錄音是向顧家煇和黃霑致敬,當年是羅文飛到佛羅內斯以管弦樂團伴奏下演繹兩位大師的金曲。播放這首《明星》至中段有一些Bass Drum輕力敲打下的聲音,這個是極難播得好的低頻暗勁,而STST Motus II DQ毫無保留地播放出來。《今晚夜》開始時羅文引頸高歌的清唱段落,清晰聽到音樂廳的迴響,非常有現場感。還有樂團各樣樂器從近而遠,從左至右營造出色彩燦爛的場面,羅文千變萬化的情感,頌放出氣韻醇厚的歌聲,好像把他畢生歌唱的功力就在這個錄音展露出來,今次聽這個Motus II DQ唱盤的發揮,完全沒有辜負羅文的一番心機。
結語
不知道閣下選擇黑膠唱盤要有什麼條件?如果是以威猛外型先行,又可能以聲音甜美,播任何錄音都一樣靚聲為先決選擇條件,或者又以可裝得愈多唱臂就愈好。要符合以上選擇黑膠唱盤的條件,我相信這個STST Motus II DQ黑膠唱盤未必合閣下杯茶。可是如果閣下是以播放聲音準確為先,要找一個可以靜心欣賞音樂,不要每天左調右校的玩具,這個來自德國的STST Motus II DQ黑膠唱盤必定列入閣下選單之中,還有當我詳細試聽過Motus II DQ唱盤的聲音表現,我相信同價位的唱盤中,以聲論價這是其中一個最突出的黑膠唱盤,所以我已經把這個STST Motus II DQ黑膠唱盤列入我的目標。
STST 《Motus II DQ》規格:
懸浮直驅式黑膠唱盤
提供18V外置式電源供應
轉速:33 1/3 和 45
耗電量:5 W
呎吋:48 x 22 x 40 cm (WxHxD)
重量:20 Kg
定價:HK$98,800
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讓類比聲學,成為日常美學00:00 開頭&開啟 黑膠 唱盤00:11 放上 黑膠唱片 00:21 開啟電源&音量控制00:38 唱針與唱臂控制01:01 播放音樂01:24 關閉 黑膠 ... ... <看更多>